Le passeur critique

Les lois de l'attraction **

2012-02-01T11:29:00.003+01:00

Un film de Roger Avary

Quand Roger Avary a décidé d’adapter à l’écran Les lois de l’attraction, un des meilleurs romans de Bret Easton Ellis, l’Amérique puritaine frôle l’orgasme intellectuel. S’imaginant déjà interdire la vision de cette œuvre diabolique aux brebis innocentes jusque là épargnées par les dérives provoquées conjointement par le sexe, la drogue et le rock. Pauvres juges et censeurs, les voilà bien dépités à la vue de cette version édulcorée d’un des romans les plus politiquement incorrect des années 80. Qu’ils ont ri de cette scène d’orgie tout droit sortie d'une usine à peluches.

Dans le roman de Bret Easton Ellis, trois jeunes issus d’une bourgeoisie blasée dérivent comme des feux incandescents sur la rivière de la décadence. Inexistence des repères et masochisme chronique les conduisent dans une voie où l’illusion du sexe et de la drogue sont devenues les balises d’une autodestruction programmée. Car dans ce monde dépeint avec cynisme, rien de bon ne peut être extrait des personnages, pas une lueur d’espoir, pas une échappatoire, juste une absence contrôlée de salut. Monades isolées dans un monde sans suite logique, les héros de Bret Easton Ellis vivent comme des robots programmés à l’échec. Pourtant dans l’univers glauque et humide, une once de désir va venir salir le tableau. Chacun des héros va éprouver à l’égard d’un de ses petits partenaires un vague soubresaut érotique que l’on pourrait comparer à la naissance d’un sentiment amoureux. Sean (James Van Der Beek), petit dealer à la gomme tombe amoureux de Lauren (Shannyn Sossamon), imaginant qu’elle lui envoie des mots doux dans son casier. Lauren vierge éphémère, attend avec impatience le retour de Victor qui fornique en Europe. Paul (Ian Somerhalder), bisexuel complexe, s’éprend de Sean. Et c’est là que le bas blesse…

Si Ellis montrait avec minutie l’incohérence des choix amoureux de ses personnages, Avary les pose comme des pantins et les fait interagir les uns avec les autres avec la sensibilité d’un dealer à qui on doit du fric. Là où le roman se referme parce qu’une nausée persistante vous monte à la gorge, le film se consomme comme une limonade tiède. Certes la mise en scène fait preuve d’une certaine originalité mais elle ressemble plus souvent à un clip qu’à un film. Les rapports amoureux ne sont pas du tout exploités car dans le livre Paul et Sean tissent quand même une ébauche de relation amoureuse poignante par moment. Et là que voit-on, juste du désintérêt. Que dire de la jeune fille secrètement amoureuse de Sean, qui se suicide dans une baignoire ? Un des intérêts du livre est de ne jamais révéler l’identité de cette admiratrice, alors qu’ici on nous la montre sans arrêt allant jusqu’à remontrer, à la fin du film, toutes les scènes où elle était apparue (au cas où l’on aurait eu une absence la première fois).

On a souvent parlé du choix des acteurs. Oui, ce n’est pas une mauvaise chose de détourner James Van der Beek, le brave Dawson, mais bon dans le genre nouille à l’écran. Et Jessica Biel qui brillait par sa mièvrerie dans une série consensuelle n’est pas vraiment provocante euh convaincante, pas étonnant sans avoir lu le roman (ce qu'elle confessa).

Pour être complet, il faut reconnaître qu’il s’agit de la meilleure adaptation de Ellis au cinéma. Quand on voit les nullissimes American Psycho ou Neige sur Beverly Hills (Less than zero), ce n’est pas une grande performance mais Avary réussit tout de même à rendre son film ludique. Son film, oui, un film qui n’a pas grand-chose à voir avec le livre dont il s’inspire. Dommage parce que la forme du film, les ralentis, les écrans divisés, les accélérations soudaines traduisent à merveille l’univers décalé d’Ellis et des descentes aux enfers qu’il se plaît à décrire. Il manque juste de la peinture à l’intérieur du cadre.

L'adaptation de Glamorama par le même Avary étant tombée à l'eau, on attend avec impatience l'adaptation du meilleur livre de Bret Easton Ellis : Lunar Park qui est en préparation, on a parlé de Benicio del Toro ou de Jude Law pour reprendre le rôle de l'écrivain dans ce huis-clos oppressant. Pour être complet, une autre adaptation des nouvelles de Bret Zombies, est sortie directement en DVD en septembre 2010, Informers avec notamment Jon Foster et Amber Heard.

Un film de Roger Avary avec James Van Der Beek, Shannyn Sossamon, Ian Somerhalder (Etats-Unis, 1h50, 2003)

Cyrille Falisse

A Good Old Fashioned Orgy

2012-01-31T18:16:00.003+01:00

Un film d'Alex Gregory et Peter Huyck

Il est de ces titres ou de ces affiches qui en disent suffisamment long...

En allant voir ce genre de film, on ne peut légitimement plus être surpris tant on sait en gros où on met les pieds : de l’humour gras, des gags livrés à un rythme plus ou moins régulier et en général des filles aux formes généreuses qui laissent chacune à leur tour apparaître un petit bout de chair divin. Cependant, la grosse comédie américaine low-brain peut ponctuellement surprendre tout son monde pour accoucher d'une petite pépite (Je pense à Crazy Stupid love). Or, là de surprise, il n'en fut aucunement question tant l'arrivée du messie a été postposée à une date ultérieure...

Pourtant, je n’étais pas forcément réfractaire à l’idée de base : des amis, la trentaine, se réunissent dans une énorme baraque avec piscine pour faire ponctuellement la fête et vu que la villa va être vendue, décident d’organiser une dernière mégateuf en la pimentant cette fois-ci d’un volet sexuel. Une orgie à l’ancienne ? Forcément, à la base, tout le monde est contre (surtout les filles) mais, magie du scénario, petit à petit, les esprits (avant les jambes…) s’ouvrent et la partouze aura bien lieu…

Tout cela se prépare gentiment, mais le héros (Jason Sudeikis qui donnait la réplique à Owen Wilson dans Bon à tirer des frères Farrelly), un fêtard de première, connaît un soudain cas de conscience car il tombe en amour pour une charmante jeune femme (Leslie Bibb, habituée des comédies malgré une pige intéressante dans Petits suicides entre amis), chose ô combien problématique quand on a le sortant… Commence dès lors une tension dramaturgique hyper oppressante : « Puis-je légitimement en honorer d’autres dès lors que mon palpitant (je parle du cœur…) remue pour vous (que je connais depuis tout juste 5 jours…) ??? ». Le jour fatidique se rapproche et les doutes n’en finissent plus (ça dure 5 minutes…) de traumatiser notre homme… Gâchons le suspense (en même temps, vous êtes comme moi, vous avez juste envie de savoir si y a eu de la fesse…) l’orgie, après un démarrage forcément un peu hésitant part complètement en sucette… Les coincés du départ se lâchent et tout s’arrange pour notre héros qui retrouve sa fougue en même temps que sa liberté d’action… Ca copule à tout va, tagada tsoin tsoin. J’en ai une plus grosse que la tienne, oups tes seins sont refaits chérie, quel étalon ce geek… La dernière demi-heure est donc une succession de positions acrobatiques (sans autre intérêt que de dévoiler les pectoraux de ces dames) avant une fin plate et sans rebondissement (« Comme aucune des filles » m’a subtilement soufflé mon voisin de siège…).

C’est donc pas bien méchant. Ça se laisse même plus ou moins regarder. Ya quelques personnages drôles comme celui du marin, sorte de Hugh Heffner de la partouze qui leur explique les rudiments, mais sinon, vu ce que je viens d’en dire, vous avez déjà plus ou moins le schéma en tête et ça n’a plus ou moins aucun intérêt. Disons que pour moi, le film et ses 2 réalisateurs (Peter Huyck et Alex Gregory) ont (hyper subjectivement j'avoue...) perdu toute crédibilité lorsqu'un des protagonistes a prononcé une phrase précise. Au moment du choix de la musique qu'ils vont mettre en toile de fond de leur sauterie, l'intello de la bande dit avoir sélectionné du Radiohead et c'est là que la phrase meurtrière arrive "But who the hell is fucking on Radiohead ?"

I do guys and your movie sucks...

Date de sortie en France : inconnue

Un film d'Alex Gregory et Peter Huyck avec Jason Sudeikis, Michelle Borth, Will Forte (Etats-Unis, 1h31, 2011)

Alexandre Janvier

Gran Torino ****

2012-01-31T09:47:00.005+01:00

Best of 2000

Un film de Clint Eastwood

Scorsese ouvrait son Mean Streets par un monologue sur l’absolution religieuse. Selon lui l’important est de se faire pardonner par soi même, chez soi ou dans la rue. C’est un peu, dans un premier temps, l’idée que dégage Gran Torino. Le film commence par la mort de la seule personne au monde qui jouissait du respect de Walt Kowalski (Clint Eastwood), sa femme. Dès lors, il se renferme sur lui-même et son racisme latent (plutôt une sorte de misanthropie exacerbée) n’en sera que grandissant. Un jeune prêtre essaiera de garder un œil sur lui, mais la barrière de la religion fatiguera rapidement leur relation. Plus tard, le vieil homme esseulé et affamé se verra contraint d’accepter les plats exotiques de ses voisins hmong. La famille asiatique essayant vainement de racheter les méfaits de leur fils qui quelques temps plutôt essayait de voler la prunelle des yeux du héros, sa Ford Gran Torino. Va alors se nouer un lien entre le jeune cambrioleur asiatique et le vieux réac’ américain.

Le film est à l’instar d'Impitoyable un commentaire sur la violence présente dans le pays chéri de Eastwood, les Etats-Unis. Une Amérique - imprimée jusque sur les verres de bières descendus en nombre - contrainte d'abandonner son pays pour s’ouvrir aux inconnus et les aider. Mais c’est aussi une réflexion sur la difficulté pour un jeune d’évoluer dans un environnement aussi dangereux que certaines banlieues américaines le sont, délaissées des hommes et de Dieu.

Walt Kowalski est en quelque sorte un super bricoleur, il le dit lui-même, son boulot c’est de réparer les choses. Son atelier ultra équipé le prouve. Chaque outil correspond à une panne bien précise. Il est capable de réparer le moindre problème, excepté le sien, celui plus profond, d’une plaie fondatrice ouverte durant la guerre de Corée. Blessure qu’il se cache et qu’il est bien incapable de confesser. Il préfèrera réparer un bout de son monde pour sauver l’âme encore pure de son jeune voisin et sauver ainsi son salut au péril de sa propre vie.

Mystic River laissait planer le doute sur une éventuelle religion. Million Dollar Baby et Gran Torino la condamne jugeant la croyance religieuse trop facile tout en gardant le côté salutaire et bien pensant qu’elle peut contenir. Mais Dieu sait à quel point, Clint Eastwood et la bien-pensance font deux.

Gran Torino comme Mystic River se termine de manière énigmatique d’un point de vue moral. Errant joliment entre Harry et Clint.

Mais le film impose un resserrement spatial et temporel rapprochant la forme du film à celle de Sur la Route de Madison. Les films se déroulent entre deux maisons, voir dans une seule pièce, les déplacements se faisant rares. Et les personnages évoluent sur quelques jours seulement. La fameuse économie du grand Eastwood se retrouve à son sommet. Ainsi son cinéma est extrêmement calculé pour condenser un maximum d’idées et de sentiments en un minimum de moyen technique. L’émotion surgit donc toujours au moment le moins attendu.

Dans ce film les idées du metteur en scène n’ont pas foncièrement changé. Mais il offre une relecture de ses idéaux, peut être assagi. Et clôt l’œuvre de toute une vie par la mort de Dirty Harry, de ce qu’il était et prépare le terrain pour la mort de l’homme, du cinéaste, de Clint.

La dernière phrase de Kowalski sera : Me, i’ve got light. Sublime manière de boucler la boucle.

Un film de Clint Eastwood avec Clint Eastwood, Bee Vang, Ahney Her (Etats-Unis, 1h51, 2008)

Lucien Halflants

Au cul du loup *

2012-01-30T17:37:00.001+01:00

Un film de Pierre Duculot

Ce premier film du réalisateur belge Pierre Duculot est l'histoire d'une double renaissance. Celle d'une maison laissée à l'abandon pendant des années et celle d'une jeune femme jusqu'alors emprisonnée dans sa vie. Christina (Christelle Cornil) a la trentaine, peine à trouver du boulot dans son domaine et fait serveuse dans le restaurant du père de son compagnon pour joindre les 2 bouts. D'origine italienne, elle végète sans réel but dans un cocon très macho où tant son père que son cher et tendre ne lui laissent que peu d'espace d'émancipation. La délivrance viendra de sa "Nonna", sa grand-mère paternelle qui décède et qui lui lègue en héritage une maison dans la campagne corse, ignorée de tous.

Cadeau empoisonné à revendre au plus vite se disent les mâles de la famille, Christina elle, veut néanmoins aller jeter un coup d'oeil sur place pour ne pas avoir le sentiment de trahir la mémoire de sa grand-mère. Contre vents et marées, elle parvient dans le petit village perdu dans les collines, au bout du monde, au "Cul du loup" comme s'en amusent les locaux, et découvre une vieille bicoque toute défraîchie, à la limite de la ruine. Malgré l'ampleur des travaux, elle décide de rester et découvre tant les secrets de ses racines que le charme d'un beau berger barbu et viril interprêté par le ténébreux François Vincentelli (belge d'origine corse surtout connu pour son rôle du mec de Zoé Felix dans la série Clara Sheller). C'est une nouvelle vie pour la jeune femme qui passe donc littéralement de l'ombre de son existence morose en Wallonie à une espèce d'épanouissement libératoire en une contrée lointaine mais familière.

On notera donc le contraste assez intéressant entre la blancheur de cette Corse solaire, lumineuse de beauté sauvage et la noirceur de Charleroi, ville esthétiquement anéantie par les charbonnages et la précarité sociale. La maison et les paysages autour sont un personnage en tant que tel et les conditions climatiques (la brume, la pluie, le froid, l'eau glacée...) renforcent le côté âpre d'une retraite en un lieu si reculé. Mais hormis quelques seconds rôles somme toute assez anecdotiques (l'ex-syndicaliste Roberto D'Orazio en père italien bourru - mais il n'a forcément pas du trop se forcer - et le chanteur wallon William Dunker en patron de resto et beau-père maladroit), on ne retiendra vraiment que la prestation de Christelle Cornil (jusqu'ici cantonée dans des seconds rôles comme dans Le vélo de Ghislain Lambert) qui s'est complètement immergée dans ce personnage fort et fragile à la fois. Elle porte à elle seule le film de ses frêles épaules et a même plutôt tendance à crever l'écran malgré les faiblesses de ce premier opus. La principale vient sans doute de la légèreté du scénario, beaucoup trop minimaliste. Les événements arrivent beaucoup trop vite, en tombant un peu du ciel sans qu'on saisisse vraiment les liens qui les unissent. Le film n'est pas foncièrement inintéressant et plaira à un certain public amateur d'histoires de quête personnelle, les autres par contre s'ennuieront face au manque de consistance et de rebondissements.

Date de sortie en France : Inconnue

Un film de Pierre Duculot avec Christelle Cornill, François Vincentelli, Marijke Pinoy (Belgique, 1h22, 2011)

Alexandre Janvier

Portrait de personnage : Claire dans Melancholia

2012-01-30T09:46:00.000+01:00

Claire (Charlotte Gainsbourg) est le personnage central de Melancholia. Tout repose sur elle et tous se reposent sur elle. Claire est la figure de l’angoisse et du sacrifice. Seul personnage qui s’accroche à la vie, elle combat son angoisse de mort en se donnant aux autres. Et Lars Von Trier choisit de faire éprouver sa douleur au spectateur.

Dès le somptueux prologue, elle nous est décrite comme une figure sacrificielle, portant sa croix (son fils), tel Atlas ou le Messie, dans les sables mouvants du green du golf.

Cette croix, Claire l’a portée depuis sa naissance et va la porter tout au long des quelques jours racontés dans le film. Tout commence par le mariage de Justine (Kirsten Dunst). Claire est une organisatrice inquiète. Mais comment ne pas être inquiet quand on a une sœur frivole et cyclothymique, un père immature (John Hurt) et une mère abjecte (Charlotte Rampling) ? Toute la soirée, elle va tenter de recoller des morceaux, passant d’une personne à une autre, s’assurant que tout va bien, mais uniquement capable de transmettre son angoisse à tous les participants. Elle s’interdit toute légèreté et son sourire n’est que crispé.

Cette cérémonie matrimoniale n’est que la métaphore de cette famille, qui n’en est pas une. Claire est le chef d’orchestre de musiciens qui ne veulent pas jouer ensemble. Justine est trop inconstante pour s’intéresser aux autres. Dexter, le père, est un pantin qui n’a jamais été droit et qui fait preuve d’un égocentrisme puéril. John Hurt se révèle d’ailleurs poignant quand il joue la maladresse d’un père fuyant, incapable d’affronter les angoisses de ses filles. Gaby, la mère, est interprétée par une Charlotte Rampling glaçante, perverse et sadique. Elle affiche non seulement son dégoût de la cérémonie mais elle savoure aussi l’inquiétude suscitée par son absence. Elle sait ses filles malheureuses et elle aime ça.

Si l’image d’une famille persiste, c’est grâce au sacrifice de Claire. Mais ce n’est qu’un leurre. C’est pourtant dans cette fonction d’unification familiale qu’elle trouve un sens à sa vie et un moyen d’apaiser ses angoisses.

La deuxième partie du film accentue cette tension impalpable. On en apprend ainsi à découvrir le couple qu’elle forme avec John (Kiefer Sutherland). Ce dernier ne peut avoir accès aux angoisses de sa femme, il n’en connaît que les inquiétudes. Il est trop fade, trop terre-à-terre, trop « scientifique ». Son obsession de l’argent suscite d’ailleurs quelques (rares) sourires. Ses tentatives pathétiques pour la rassurer sont vaines. Leur fils est avant tout un objet de stress. Les seuls moments d’affection de Claire envers lui ont comme fonction de le rassurer… Cette « stupide planète », comme elle l’appelle, est un objet qui focalise toutes les angoisses accumulées au cours de sa vie.

A mesure que la catastrophe s’approche, Justine se détend et Claire se contracte. Au cours de la nuit où Melancholia frôle la terre, Claire affronte une impressionnante attaque de panique à l’idée de mourir. Mais au-delà de la peur de mourir, c’est la question du sens donné à sa vie qui se pose. Elle implore Justine : « Sois heureuse ! ». Et lorsque cette dernière lui dit simplement : « Je suis heureuse que tu sois heureuse », Claire ne sait plus à quoi elle sert. Son monde s’effondre… Quelques minutes plus tard, c’est le monde lui-même qui s’effondre. Elle ne choisit pas la solution suicidaire de John (encore un acte égoïste…) mais tente de réunir une dernière fois ce qui reste de sa famille sur la terrasse. Justine s’emporte : « Ton plan est merdique ». L’échec de Claire est patent. Les derniers moments de complicité avec le petit Leo (Cameron Spurr) sont pour Justine, qui trouve les mots pour le rassurer…

Heidegger affirme que « l’angoisse révèle le néant ». L’angoisse de Claire, magnifiquement mise en scène par Von Trier et tragiquement communiquée au spectateur par Charlotte Gainsbourg, révèle tout le néant d’une vie consacrée uniquement aux autres.

Pierre Oswald

Humeur : Les projos bidouillées

2012-01-29T15:54:00.001+01:00

La fonction critique, si elle a encore un rôle et je l'évoque longuement dans le dossier consacré à la critique, serait d'être indépendante et de pouvoir en toute sérénité livrer une opinion, avis ou jugement sur les films proposés au public. Bien entendu, tout le monde sait que la critique ne détermine pas la bonne santé en salles d'un film. Elle n'a pratiquement aucune influence sur les films populaires, ne peut décemment lutter contre la promotion et le marketing et a une influence limitée pour défendre le cinéma d'auteur. Mais elle reste un contre-pouvoir utile face au battage médiatique complaisant qui entoure à grands renforts de centaines de milliers d'euros la mise en valeur d'un film.

Nous avons également débattu ici des nouvelles règles dites de l'embargo qui frappaient les projections presse auxquelles, dans les deux mois qui précèdent la sortie d'un film, les journalistes sont invités. Depuis un siècle les producteurs, distributeurs et attachés de presse cherchent à se passer d'eux, ces troublions scribouilleurs qui éreintent les films, ces objets ayant troqué l'art pour le commerce. Malgré tout, ils continuent majoritairement d'utiliser la presse et les critiques pour promouvoir leurs films. Le but étant que l'on parle du film. Mais pour éviter que des critiques négatives n'entachent le sacro-saint bouche à oreille, l'embargo a fait son apparition. Ne pas parler d'un film avant une certaine date où toutes les critiques paraitront ensemble et où les critiques négatives seront diluées dans la masse, comme le grain de sable dans un entonnoir.

Ce vendredi 27 janvier, on est semble-t-il allé encore plus loin dans ce combat opposant l'industrie du cinéma à la presse. Jérôme Bouvier de Radio France a révélé que pour certains films, les journalistes devaient signer un papier dans lequel ils stipulaient s'engager à rédiger une critique positive du film. Dans le cas contraire, ils n'avaient tout simplement pas accès à la projection et devaient donc attendre que le film sorte en salle pour le voir. On apprend que la première fois que cette pratique a vu le jour en France c'est pour la sortie d'Hollywoo distribué par StudioCanal et que c'est également le cas pour La vérité si je mens 3 qui sort mercredi prochain et qui est distribué par Mars Distribution.

C'est un nouveau cap qui est franchi. Pour la première fois, les distributeurs et les attachés de presse prétendent se passer des critiques. Ils préfèrent ne pas avoir de papier du tout qu'un papier négatif. Comme si du jour au lendemain la critique avait une quelconque influence sur le succès d'un film. C'est surtout une manière d'affirmer une nouvelle fois que le critique devrait être dans leur esprit au service du film. Les blogueurs sont d'ailleurs craints comme la peste par les attachés de presse et les distributeurs, obnubilés par les chiffres, toujours, par le rendement, la réussite qui ne se mesure qu'en centaines de millions d'euros de bénéfices. Les blogueurs représentent ce réel contre-pouvoir qui peut déterminer par sa rapidité de propension la naissance du bouche à oreille. Une conversation récente avec une attachée de presse très connue en France confirmait mes soupçons. Prochainement les blogueurs ne seront plus invités que le dernière semaine avant la sortie d'un film histoire de tuer dans l'oeuf cette éventuelle chaîne du bouche à oreille.

Déjà il faut dénoncer massivement ces pratiques ! Expliquer aux spectateurs que s'ils ne lisent que des critiques positives de La vérité si je mens 3 ce n'est pas parce que le film est un chef d'oeuvre mais parce que la contradiction n'a pu être apportée. Ensuite il faut évidemment refuser de faire le moindre papier sur le film. Laissez les dépenser leurs millions en communication, n'offrez aucun article gratuit sur le film. Les critiques et les blogueurs ne sont pas au service du film, ils sont le lien entre le film et le spectateur, c'est tout.

Il est temps de comprendre que nous sommes les pantins d'une industrie qui nous prend pour des imbéciles. Il faut refuser les embargos, refuser les critiques complaisantes, refuser d'être flatté de faire partie de ce cercle restreint qui a accès aux acteurs, aux réalisateurs, qui a accès à ces salles dont on rêve plus jeune, celles où le film est montré pour la première fois et qu'on découvre vierge d'influence. Il en va du principe même de la fonction critique !

Cyrille Falisse

Fleurs du mal **

2012-01-29T11:35:00.001+01:00

Un film de David Dusa

Fleurs du mal de David Dusa est un film atypique dans le paysage cinématographique français. Atypique par sa forme, son traitement et son histoire. Courageux aussi de reprendre les images de la révolution étudiante iranienne au sortir des élections présidentielles de juin 2009 et de les diffuser en filigrane d'une relation amoureuse expressionniste.

Fleurs du mal c'est avant tout la rencontre de Gecko (Rachid Youcef) et d'Ahanita (Alice Belaïdi). Elle arrive de Téhéran parce qu'elle fuit la répression. Elle est seule et déracinée. Lui, travaille dans l'hôtel, il tombe amoureux d'elle dans l'ascenseur en la conduisant à sa chambre. Il soulève ses lunettes pour la regarder dans les yeux. Il est libre, danse en marchant, glisse dans l'air et virevolte autour des obstacles, sans raison vraisemblable... juste pour éviter la pesanteur.

Elle est rivée à son ordinateur, balance des tweet comme elle respire en commençant toujours par What's new ? Derrière les connexions, ses amis lui racontent les combats, lui envoient des vidéos, les vraies, celles qui couraient à l'époque sur la toile et qui montraient des jeunes étudiants bien vivants, tombés la seconde d'après, frappés d'une balle dans la tête. David Dusa a choisi de faire parler ces documents vidéos (souvent filmés par les étudiants eux-mêmes avec leur téléphone) sans sous-titre en exposant leur réalité brute. Rien que pour avoir ravivé ces images à la surface d'une vie qui les avale et les oublie aussitôt, le film de David Dusa a un rôle fondamental.

Le réalisateur a situé son histoire à Paris, confrontant la densité de population de la capitale française à celle de Téhéran. Quand Ahanita marche dans les rues du centre ou longe les quais de la Seine, elle le fait en entendant les bruits des échanges de tir dans la capitale iranienne, partout où elle va, tous ceux qu'elle frôle, tout et tous lui rappellent ce qu'elle vient de fuir. Même dans son rapport à Gecko, la feuille au vent (dont le passé difficile enfonce peut-être un peu trop le clou du pathos assumé), Ahanita est dans la confrontation de ce qu'elle fuit. C'est la culpabilité qui la ronge d'être là dans le confort d'une chambre d'hôtel, vivant de chair et d'âme dans ce corps à corps d'équilibriste.

Si David Dusa souligne l'importance des réseaux sociaux à l'origine de la rencontre (c'est sur Facebook qu'Ahanita reprend contact avec Gecko et sur Twitter qu'elle parle avec ses amis restés en Iran alors que lui se renseigne sur Téhéran via Wikipédia et Youtube), il rend surtout hommage à leur capacité de dénonciation et de mobilisation. Surtout il nous dit aussi que nous sommes tous devenus des cinéastes en puissance et que les images sont nos premières armes révolutionnaires.

La mise en scène de David Dusa est extrêmement dynamique en dépit d'un budget qui était très limité. Il multiplie les effets, propose une bande-son d'un éclectisme saisissant, dépeint un Paris transfiguré par les mouvements de son acteur électrique. Fleurs du mal, film construit à partir des images glanées sur internet interpelle évidemment par ce qu'il dénonce et offre une vitrine à ces témoignages de la violence. C'est intéressant d'ailleurs de s'interroger sur notre rapport aux images. On peut recevoir chez soi, dans son canapé ou assis à son bureau la dureté du monde en plein visage mais en se déplaçant au cinéma, celles-ci prendraient un autre sens parce qu'elles ont été pensées pour appartenir à un long métrage. Au cinéma, ces images de jeunes gens abattus par la répression iranienne, mourant pour certains à l'écran, sous nos yeux, ces images doivent être enrobées d'une autre histoire qui leur donne sens par comparaison.

Hasard ou coïncidence des sorties, deux autres films qui répondent à Fleurs du mal sortent également le 8 février. Une bouteille à la mer de Thierry Binisti qui évoque la Bande de Gaza à travers la correspondance internet d'une jeune israélienne et d'un jeune palestinien. Ici aussi c'est la langue qui rapproche et libère, comme la poésie de Baudelaire pour Gecko. Enfin En Secret de Mariane Keshavarz qui traite de la jeunesse iranienne assoiffée de liberté mais emprisonnée par la morale religieuse. Ce dernier film abordant la même thématique que Fleurs du mal mais en romançant beaucoup plus le propos et en lui retirant pas mal de force par l'usage du cliché.

Fleurs du mal reste lui libre de dire et d'exprimer, et cet élan de vie et de révolte fait du bien au cinéma français.

Date de sortie en France : 08/02/2012

Un film de David Dusa avec Rachid Youcef et Alice Belaïdi (France, 1h40, 2012)

Cyrille Falisse

Humeur : Kassovitz écule le cinéma français

2012-01-28T15:18:00.004+01:00

Hier, apprenant que son film L'Ordre et la Morale n'était nommé que dans une seule catégorie aux césars, pour la meilleure adaptation, Mathieu Kassovitz, le réalisateur de La Haine (César du meilleur film et Prix de la Mise en Scène à Cannes en 1995) déclarait qu'il enc**** le cinéma français et ses films de m***. Il rajoutait ensuite qu'il s'en foutait des Césars comme pour se justifier, mais que le manque d'intérêt le heurtait.

Pour rappel, L'Ordre et la Morale a fait un sacré bide en salle n'attirant que 134.148 spectateurs. Aigri Kassovitz que les français se foutent totalement de la prise d'otages de Nouvéa et du sort de la Nouvelle-Calédonie, sans doute et c'est vrai qu'il doit avoir mal au c** de voir qu'en se foutant des handicapés et en balançant "pas de bras pas de chocolat" on puisse attirer 18 millions de spectateurs au cinéma. Mais faut-il regarder sa filmographie de près pour constater qu'après avoir été sacré enfant génial du cinéma français, il s'est lui-même égaré avec Les rivières pourpres, Gothika et Babylon AD (dont le Fuckin Kassovitz est un must du genre - lui il ne vend pas sa peau aux ricains), et après avoir perdu de plus en plus de crédit, il avait choisi de revenir à un cinéma de la dénonciation. Mais qui a encore envie de l'écouter et d'aller voir ses films ? Pas grand monde et c'est sans doute ce qui justifie sa réaction.

Ce comportement extrême souligne s'il fallait encore le rappeler que les artistes ont un besoin de reconnaissance supérieure à la moyenne et c'est ce qui les rend si fragiles. N'allez pas croire ceux qui vous disent par exemple qu'ils ne lisent pas les critiques. Le succès d'un film c'est évidemment le public qui le fait. Cette année, le public a choisi, c'est Intouchables qui a raflé la mise. Celui que les 3500 votants aux Césars (les professionnels du cinéma) éliront ne gagnera qu'un succès d'estime, une caresse de complaisance. La profession qui félicite la profession et qui en oublie pas mal en chemin, à lire les nominations, il n'y aurait eu que quatre films français cette année. Intouchables, The Artist, Polisse et L'Exercice de l'Etat. Quelle est encore aujourd'hui la valeur de ces cérémonies de l'onanisme artistique ? Quelles autres professions pourraient se targuer de se féliciter publiquement de leurs productions en adoubant certains sur des critères d'une subjectivité aussi singulière que la subjectivité qui anime la critique elle-même quand elle juge les films, subjectivité qu'on lui reproche bien souvent d'ailleurs.

Ce que cet acte de colère prouve c'est qu'on ne reconnait de valeur au système que si on est reconnu par lui. Kassovitz avait accepté son César en 1995. Il aurait dû l'exploser au sol avec fracas, c'eut été un geste autrement plus efficace que sa diatribe d'hier.

Ce matin, il persistait tout en modérant ses propos. C'est qu'il s'est souvenu qu'il a un film à défendre qui sort le 15 février, La vie d'une autre avec Juliette Binoche réalisé par Sylvie Testud. Il rajoutait "éculé le cinéma français oui... Mais pas tous. Pas Testu par exemple ;) ni Jan. Ni Gaspard, Hazanavicius, Boukrief, Vestiel,Gavras...". Donc tout le monde n'est pas pourri dans le paysage cinématographique français surtout s'il y a un intérêt financier en jeu. Testud qui lui a offert un premier rôle est donc du bon côté de la barrière et quelques amis qui font du cinéma pour les bonnes raisons.

Kassovitz a le mérite de mettre un coup de pied dans la fourmilière, ce qui est dommage c'est qu'il le fait pour les mauvaises raisons, par narcissisme et avec prétention, animé par la déception, alors qu'il aurait dû le faire pour affirmer que tout le monde se fout des Césars et de leur petite sauterie bourgeoise.

Cyrille Falisse

Tot Altijd ***

2012-01-27T19:38:00.001+01:00

Un film de Nic Balthazar

Après la nomination de l’excellent Rundskop aux prestigieux Oscars, le Nord du plat pays nous offre avec ce Tot Altijd (A tout jamais) une nouvelle occasion de nous réjouir. Tiré de l’histoire vraie survenue à Mario Verstraete, ce film du réalisateur Nic Balthazar est en effet une très agréable surprise. Mario (interprété par un charismatique Koen De Graeve) passe les différentes étapes de sa vie (la bohème, les virées, les premiers amours, le mariage, le bébé, le divorce, l’entrée en politique) en compagnie de sa bande d’amis jusqu’au jour où on lui diagnostique une sclérose en plaque. C’est la consternation pour lui et pour ses proches, mais il décide de faire face à l’adversité et à vivre une existence quasi normale.

C’est une lutte quotidienne, mais la maladie dégénérative et usante psychologiquement a parfois raison de son courage, et petit à petit grandit en lui l’idée de mettre volontairement un terme à ses souffrances ou en tout cas de se faire aider. Vient donc sur le tapis un sujet encore tabou en Belgique à l’aube du changement de millénaire : l’euthanasie. Le pays a beau être en avance sur plein de questions éthiques, le poids de la tradition catholique (surtout en Flandre où l’histoire se passe) joue un rôle de frein non négligeable dans le dossier. Et malgré la pression de ses parents croyants et de son meilleur ami médecin opposé philosophiquement, Mario va lui en faire le combat de sa vie. On assiste donc aux différentes étapes de cette quête législative où après avoir été reçu au Sénat, il devient une sorte d’icône de la lutte pour une mort digne dans les médias.

Ce deuxième long métrage de Nic Balthazar (son premier Ben X parlait également de la souffrance face à la maladie), loin d’être extraordinaire d’un point de vue mise en scène, vaut essentiellement pour les émotions qu’il véhicule. L’humour est vraiment décapant, non sense et cyniquement juste, et s’entremêle subtilement avec les moments tragiques pour leur ôter toute gravité morbide. On rit énormément (surtout grâce aux dialogues très empreints de belgitude ou de flamandisme c’est selon…) on pleure énormément (la salle est à certains moments inondée…) et on se projette avec empathie dans ce cercle tant les personnages y sont tous attachants (le fils, le père, le premier amour qui réapparaît après des années et Speck son autre ami bout en train mais qui glace l’audience avec son discours mortuaire…). Certaines scènes vous prennent littéralement aux tripes comme celle où la mère de Mario le tient dans ses bras telle la statue de la Pietà de Michelange avec comme fond musical sous-entendu « Dans les yeux de ma mère » d’Arno. Mention donc très bien pour Koen De Graeve mais également (et peut-être surtout) pour Geert Van Rampelberg, son meilleur ami torturé par le dilemme de l’euthanasie et l’envie d’accompagner au mieux son ami vers la fin.

Une vraie belle surprise pleine d’humanisme et de beaux sentiments dont on ressort grandi et en question. A voir. Avec des mouchoirs…

Un film de Nic Balthazar avec Koen De Graeve, Geert Van Rampelberg, Lotte Pinoy (Belgique, 1h59, 2011)

Alexandre Janvier

Million Dollar Baby ****

2012-01-27T10:07:00.001+01:00

Best of 2000

Un film de Clint Eastwood

Dans le cadre d'une courte rétrospective du cinéma de Clint Eastwood, je vais m’attarder, non pas sur son chef d’œuvre le plus abouti (l’impérissable Impitoyable), ni sur les réussites très contestables de ses dernières œuvres (Invictus et au-delà). Je leur ai préféré les trois grands films qui forment, selon moi, ses plus belles réussites dans ce nouveau millénaire. La question de l’utilité de la critique face à Eastwood se pose. Car si le critique est comparé à un passeur, si son rôle est d’amener le spectateur de l’autre côté de l’écran, les films d'Eastwood peuvent apparaître assez limpides au point qu’il est presque inutile d’être accompagné lors de leur traversée. Nous pourrons toujours voguer ensemble sur la Mystic River, rester couché au tapis jusqu’au dernier son de la cloche avec Million Dollar Baby pour ensuite assister à la mort de l’Amérique telle qu’on l’aime (aimait) avec Gran Torino.
Démarrons avec Million Dollar Baby

Ne jamais cesser de se protéger. C’est la première chose que Frankie Dunn (Clint Eastwood) apprendra à sa future jeune boxeuse et substitut filial, Maggie Fitzgerald (Hilary Swank) lorsqu’elle poussera la porte de son gymnase la veille de ses 32 ans dans le but de devenir boxeuse professionnelle.

Million Dollar Baby a tous les passages obligés du film de boxe. La transpiration et le sang coule à grosses goutes, les scènes d’entrainement s’éternisent et les combats s’enchainent dans un montage rapide. Mais ici, c’est l’amour sous toutes ses formes qui occupe la place centrale. Entre leur je t’aime moi non plus et leurs disputes de vieux couple, Frankie et Eddie Scrap (Morgan Freeman) apporte une touche d’humour à la marée d’idées noires du récit. Il y a aussi l’amour de Frankie pour son premier boxeur, un amour professionnel. Et bien sûr l’amour des deux protagonistes, l’un trouvant dans l’autre un chainon familial manquant, comblant ainsi leurs carences affectives.

Comme toujours, Eastwood transcende le genre abordé avec son éternelle sobriété et rend sa mise en scène juste et puissante. Si Mystic River avait beaucoup du film noir à l’ancienne, il n’en avait pas la lumière. Million Dollar Baby, lui, est éclairé comme une film noir, dont il a seulement la pénombre et la violence morale. Les personnages et ce dès le premier plan du film sont tiraillés entre l’ombre et la lumière, celle de la célébrité, de la gloire. Ainsi les ombres avalent la plupart des personnages qui ne peuvent que se battre sur le ring de la vie. Seule Maggie dépasse cette loi. Son talent, son envie et surtout son rêve l’en extraient et l’éclairent dans la salle où tout autre semble invisible. Dans cette idée, le film s’inscrit typiquement dans le mythe du rêve américain qui dépasse le simple rêve pour porter en lui la force surhumaine de la passion. Dans un premier temps en tout cas. Rares sont ceux qui mieux que Eastwood auraient pu donner vie à un tel sujet sous un genre cinématographique dominé par les américains.

Le très charismatique Morgan Freeman sorte de Jiminy Cricket du personnage de Eastwood et du film tout entier, protège de sa voix grave et apaisante nos héros. Il les acclame lors des moments de gloires et les relève lors des chutes et des coups durs.

Pour la première fois, après de longues années d’attentes, Mister Clint Fucking Eastwood laisse couler ses larmes et nous montre sa sensibilité à l’écran et en gros plan s’il vous plait. La sensibilité de l’homme et du réalisateur on la connaissait, celle de l’acteur était moins évidente.

Le génie de Eastwood et la sobriété de son cinéma permettent de ne jamais tomber dans le tire larme forcené. Les quelques gouttes salées qui pourraient couler sur les joues de spectateurs bouleversés viennent d’un tout autre mécanisme. De sentiments humains mis à nu et non d’une manipulation excessive du matériau cinématographique.

Le film donne à voir mais à entendre aussi. C’est l’une des plus belle utilisation de la musique Eastwoodienne. Elle amène l’ambiance sonore attendue tout en restant en adéquation parfaite avec la retenue de la mise en scène. Elle laisse donc un recul face au propos. Magnifique !

A travers les conseils sportifs que donne Clint Eastwood, c’est évidemment de la vie dont il parle aux spectateurs. Dans une troublante corrélation entre la boxe et le combat de tous les jours, Clint signe un film bouleversant.

En fin de compte, Million Dollar Baby est surtout un film d’amour platonique mais aussi amour du cinéma, du genre et de son pays. Et des rêves qui parfois mènent à la mort. Lorsque le partage de la souffrance physique et morale se fait impossible. C’est la fin. Ne reste plus qu’à savourer la beauté de la chute. 1…2…3…4…5…6…7…8…9…10… K.O.

Un film de Clint Eastwood avec Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman (Etats-Unis, 2h12, 2005)

Lucien Halflants

Underworld : Nouvelle ère

2012-01-26T14:11:00.000+01:00

Un film de Mans Marlind et Bjorn Stein

Underworld : Nouvelle ère (Underworld Awakening) est le quatrième volet d'une franchise lancée en 2003 par Len Wiseman, une sorte de roméo et juliette substituant aux Capulet et Montaigu, loups-garous (ici appelés les lycans) et vampires. Underworld c'est un peu l'anti Twilight, pas de mièvrerie sucrée et mormone, juste une longue séquence d'échanges de balles en argent et de coups de savate dans la tronche. Je débarque donc au beau milieu de la saga, sans connaître un traitre mot des trois premiers opus. Pas grave ! Le scénario n'est pas la matière première d'Underworld. Je comprends qu'une vampire assez revêche du nom de Sélène (Kate Beckinsale) a foutu le bronx chez ses congénères en tuant notamment certains anciens et forniquant avec un lycan. Au début de l'épisode 4, à ce que j'ai lu, plus ancré dans notre réalité, Sélène se fait capturer par les hommes, ces derniers ont décidé d'en finir avec les lycans et les vampires, c'est d'épuration ethnique qu'il s'agit, pour parler vrai : de génocide. Alors je vous dis pas ce qu'il arrive aux couples mixtes. On les cryogénise !

Sélène se réveille 12 ans plus tard. Elle brise sa prison de glace, articule faiblement ses membres engourdis, une épaisse fumée blanche masque sa poitrine et ses fesses dénudées. Sous-titre : Nous sommes dans un film qui n'est pas interdit aux moins de 16 ans. Par contre après 5 minutes, on compte déjà une vingtaine de meurtres, des personnes brûlées vives, des défenestrations, des cous brisés et autres membres décharnés dont un superbe radius gisant hors de son enveloppe corporelle. Allez comprendre (peut-être faut-il frustrer sexuellement les hommes pour leur donner envie de se battre ? Soit...) Mais Sélène n'a cure de ces morts qui jonchent sa route, elle veut retrouver sa moitié. Car à la place de son beau mâle poilu, c'est une jeune fille de 12 ans qu'elle découvre terrée dans un sous-terrain, une hybride ! Beurk un mixte entre Lycan et Vampire dotée d'une force inouïe et immortelle qui plus est. On faisait des tests de laboratoire sur elle, les bâtards. Sélène est vénère, elle tue tous les gardes du centre et les médecins aussi. Après elle affrontera des gros lycans transgéniques pour sauver sa fille et ce sera à peu près tout jusqu'au générique de fin où elle regarde l'horizon depuis le toit d'un building.

Amateurs de la série, s'il y en a qui nous lisent, la saga a évolué. Elle a marqué le retour aux affaires (après avoir légèrement snobé le troisième volet) de Kate Beckinsale, l'actrice principale vêtue de sa tenue de latex ultra moulante avec cette charmante habitude de faire des pauses accroupie en laissant une jambe tendue, ça donne du style, ou encore de marcher avec un grand imper comme si elle était dans un défilé de mode, un léger vent dans les mèches. Elle fait toujours plein d'acrobaties et tire au pistolet automatique comme Tomb Raider.

Cette fois-ci, le film a été tourné en ville, Vancouver plus exactement, ville qui a permis à la photographie de maintenir cet aspect obscur et suintant d'humidité (la grotte et ses allures de matrice en carton vaut également le détour). De nouveaux personnages égayent le propos famélique, on découvre avec plaisir un loup-garou de 3 mètres de haut qui hurle comme un gorille et quelques cascades que les maîtres asiatiques du genre ne moqueraient pas, surtout au niveau du rythme qui ne faillit pas une seconde. Mais tout est tristement surjoué, les expressions éberluées de l'actrice principale, les scènes de dialogues, seul les effets numériques tiennent la baraque sous un tonnerre de scintillement de néons et un brouhaha inaudible fait de sons d'heavy métal couplés à des reproductions d'explosions.

C'est tourné en 3D me direz-vous avec cette double caméra Red également utilisée par Peter Jackson sur le tournage de Bilbo le hobbit, ce doit être révolutionnaire ! Eh bien, je ne pourrais vous en piper mot étant donné que la projection de presse, comble de l'hérésie, a été montrée en 2D. L'excuse proférée : il manquait du temps pour mettre les sous-titres en 3D. Je ris sous cape tant les dialogues sont rares. Navrant car normalement la double caméra Red permet de filmer avec une résolution de 5K et de proposer 48 images par seconde. Il faudra donc attendre pour voir le rendu, mais il m'étonnerait fort que je retourne en salle voir cette longue bagarre orchestrée dans des décors humides où les images d'ordinateur bondissent sur des voitures, escaladent des murs sous la forme de vampires, d'hybrides ou de lycans, soulignant en filigranes la difficulté de la mixité mais prétexte surtout à la mise en image d'une idée aussi réduite que désespérante. Les personnages entrent dans ce ballet sanguinaire sans profondeur, sans passé, sans avenir. Je veux bien reconnaître que la 3D donnera merveilleusement bien, je ne demande qu'à croire dans ce pouvoir d'illusion du cinéma.

Date de sortie en France : 08/02/2012
Date de sortie en Belgique : 14/03/2012

Un film de Mans Marlind et Bjorn Stein avec Kate Beckinsale, Stephen Rea, Michael Ealy (Etats-Unis, 1h30, 2012)

Cyrille Falisse

Margin Call ***

2012-01-26T08:08:00.000+01:00

Un film de J.C. Chandor

Remember this day guys. Remember this day…

Une phrase choc assénée par le boss d’une banque d'investissements new-yorkaise à l’aube de la crise financière. Quelques heures avant, un des jeunes prodiges de la boîte découvre à l’aide d’un calcul savant que des manquements ont eu lieu et qu’il existe un risque de faillite. La machine de guerre se met alors en place et petit à petit, les meetings d’urgence réunissent de plus en plus de monde, parmi eux les cadres et les gros décideurs. Le thriller s'installe et la tension augmente au fil des minutes, sorte de course contre la montre pour d’abord se rendre compte de la gravité de la situation puis pour sauver tant que faire se peut les meubles, c'est-à-dire son portefeuille d’actifs et sa carrière.

Car ce premier film du réalisateur J.C. Chandor (Il prépare son deuxième All is lost dans lequel il y aura peut-être Robert Redford) est en fait une vraie fable moderne qui met en lumière toutes les dérives du capitalisme et du monde de la jungle du business. Manhattan est un microcosme de requins en tous genres où pour survivre, on laisse ses sentiments au placard : licenciement où l’on doit quitter son poste en 1 heure, individualisme et solitude dans une ville de 8 millions d’habitants, humanisme malvenu... Rien de neuf sous le soleil me direz-vous, mais malgré la thématique maintes fois développée, la trame fonctionne et il y a peu de déjà-vu. Une réussite due principalement à un fabuleux casting Jeremy Irons, Kevin Spacey, Demi Moore, Paul Bettany et Stanley Tucci dans les acteurs confirmés et quelques figures connues issues des séries Simon Baker (The Mentalist), Zachary Quinto (Heroes) et Penn Badgley (Gossip Girl). Mais également à une mise en scène très réussie où l’on assiste à une succession de duels verbaux de haut vol entre les protagonistes.

Autre réussite non négligeable : la mise en forme. Et pourtant là aussi on pourrait être dans un cliché sans surprise tant rater sa photo quand on choisit New-York comme cadre relèverait d’un réel exploit… Malgré cela, ça fonctionne en plein. Les nuages en accéléré comme une métaphore des mauvais vents à venir, les découpes géométriquement parfaites des plans et les effets de caméra (les flous, les gouttes sur les vitres des voitures, les close-up pour être au cœur de la tension, les ombres sur les visages,…).

Tous ces effets permettent une plongée abyssale quasi ethnologique dans cette faune impitoyable qu’est le monde des affaires. Certaines scènes se déroulent même dans des toilettes comme pour montrer le côté puant des prises de décision de patrons sans scrupules par rapport à la casse sociale. Les pires instincts nous sont donc livrés froidement sous la forme de speechs de marketing ou de discussions sans vergogne sur l’argent. Plus rien n’a réellement de valeur, hormis la réussite professionnelle et vénale. Les relations sont superficielles et les proches partis ou délaissés. Si rien n’est foncièrement révolutionnaire, tout est prétexte à la métaphore et pousse le spectateur à la réflexion. Et on se surprend même à trouver poétique la vue d’une salle remplie d’écrans d’ordinateurs eux-mêmes remplis de chiffres et de tableaux incompréhensibles, tous devenus obsolètes vu que tout est vendu... ou à vendre… C’est la loi du marché…

Date de sortie en France : 04/04/2012

Un film de J.C. Chandor avec Kevin Spacey, Paul Bettany, Jeremy Irons (Etats-Unis, 1h50, 2012)

Alexandre Janvier

Les Chants de Mandrin ***

2012-01-25T18:24:00.001+01:00

Un film de Rabah Ameur-Zaïmeche

Trois ans après l’immense Dernier Maquis, celui que l’on surnomme désormais RAZ s’aventure, avec son équipée coutumière, sur les traces de contrebandiers du XVIIIème siècle dans un film magnétique d’une grande force politique.

Délaissant les usines et l’étude des rapports entre ouvriers et patrons dans la France contemporaine, Raz plonge au XVIIIème siècle, quelques décennies avant la révolution, à la mort d’un certain Mandrin, contrebandier héroïque, Robin des Bois français dont on a malheureusement un peu oublié aujourd’hui les légendaires exploits. Raz se passionne depuis son enfance pour cet homme qui vit son frère pendu devant ses yeux et combattit avec ses semblables les Fermiers Généraux du Roi.

Si Les Chants De Mandrin ont l’apparence d’un western hagard, Raz s’ingénie à faire le contraire de ce à quoi travaillent depuis quelques années les cinéastes américains qui ont pris à cœur de déconstruire la légende telle qu’Hollywood l’avait imposée. Raz n’est donc pas là pour vérifier l’authenticité des faits et mettre à bas les mensonges historiques. Il se donne plutôt les moyens formels de poursuivre l’action insurrectionnelle d’une légende d’hier et de la faire échapper à toute momification en lui rendant sa force subversive et politique.

Ainsi quand le film débute, Mandrin est déjà mort roué sur la place publique. Son nom et ses actions sont susceptibles de disparaître, de ne plus être entendus ni compris comme, désormais, le nom de Mandrin a déserté le champ de notre imaginaire. Raz s’approche de ceux qui, à l’instar de lui avec sa caméra, vont poursuivre les rêves de Mandrin en perpétuant son mythe, en continuant son action insurrectionnelle et en faisant imprimer sa légende. Avec une frontalité qui confine à l’effronterie, le cinéaste se positionne donc en contrebandier de l’image pour établir des correspondances entre hier et aujourd’hui, entre les injustices du passé et celles de la France contemporaine et donc en appeler au combat. Le paradoxe de ce positionnement vient de l’extrême douceur avec laquelle il réclame l’insurrection.

Filmer la contrebande, la redistribution des richesses, l’impression de la légende, c’est donc enregistrer le film, comme objet politique, au travail. Le cinéaste alterne séquences très composées et improvisations, aléas et impondérables du tournage et un découpage rigoureux où jamais on ne peut se deviner sur quelle valeur de plan une scène va débuter puis se poursuivre. Taiseux, on voit les bandits bivouaquer, se terrer dans les bois alentours, abattre les fermiers généraux, sauver leurs frères d’arme, imprimer méticuleusement les Chants. La caméra se promène dans les groupes, cadre en gros plans les visages. Il s’agit moins de ressusciter le passé que de l’accompagner, s’insérer parmi les hommes, entendre chaque bruit de leurs pas, leurs rires. Insérer sa caméra sur le tournage et puiser la vérité du passé dans la manière dont les acteurs vivent et se comportent sur le plateau. En cela, Raz fabrique une fiction historique à mille lieus des reconstitutions empesées des superproductions et on songe plutôt au cinéma didactique et hypnotisant du Rossellini encyclopédique.

Pour autant, contrairement à Rossellini, la parole est rare pour mieux se faire bien comprendre comme la moindre ligne, la moindre strophe d’un Chant, d’un poème. Ainsi les personnages s’expriment ouvertement, disent chacun ce qu’ils pensent. Une phrase est un morceau de combat, un geste politique. Cela donne parfois de superbes scènes, absolument inédites, comme lorsque le colporteur, personnage plutôt bavard, masse les pieds du marquis libertaire (Jacques Nolot, impressionnant en noble qui colporte les idées des Lumières, à la fois fatigué et possédé) en lui demandant s’il traite bien ses gens et s’il n’a pas quelque scrupule à exploiter les autres.

Cette manière par la mise en scène de coller aux déplacements et aux actions de ses contrebandiers pour actualiser leurs actions peut parfois donner l’impression d’un certain didactisme. Comme si le film ne pouvait jamais déceler d’autres mystères que ceux qu’il expose sans trop d’artifices et de trucs. On pourrait également lui reprocher de manquer de mouvements héroïques, de péripéties, de rebondissements. En se collant à ses héros de l’ombre, en s’insinuant parmi eux, le cinéaste semble ne jamais s’intéresser au lyrisme légendaire et Les Chants de Mandrin ne possède aucun souffle puisque son auteur cherche absolument et consciencieusement à l’éviter. Et si l’œuvre ne manque jamais de lumière et de force, elle s’étire un peu mollement.

Mais la manière paradoxale d’une mise en scène naturaliste et magnétique, exigeante et émancipée des contraintes de productions institutionnelles, les intentions merveilleuses d’artistes qui s’identifient corps et âme aux contrebandiers d’hier, donnent à ces Chants de Mandrin une posture (dans le paysage cinématographique français) héroïque et rare.

Un film de Rabah Ameur-Zaïmeche avec Jacques Nolot, Christian Milia-Darmezin, Kenji Levan (France, 1h37, 2012)

Frédéric Mercier

Tucker & Dale fightent le mal

2012-01-25T17:19:00.001+01:00

Un film d'Eli Craig

Que peut-on encore tirer comme substance du genre cinématographique dit du Slasher (composé hybride du film d'horreur et du film d'exploitation) ? C'est un genre déjà furieusement exploité alors que son champ d'action est quant à lui assez limité. Le pitch est toujours le même, un groupe de jeunes part en villégiature à la campagne ou en forêt, les filles portent de petits shorts et des seins siliconés, les garçons boivent de la bière, fument des joints au coin du feu et sont à peu près tous abrutis. Un des mecs en pince pour la plus jolie fille du groupe, ils forment à deux le couple des premiers rôles, tous les autres sont des faire-valoir, des sacs à hémoglobine. Parce que le principe c'est de faire pisser du sang sur l'écran. Au beau milieu de ce camping cosmos survient un tueur masqué qui allume des scies électriques en provoquant des nuages de fumée et qui court après ses victimes en claudiquant dans la forêt avant de finir inexorablement tué par le garçon ou la fille qui fomentaient au début du film des rapports sexués.

Dans Tucker and Dale fightent le mal (Tucker and Dale Vs. Evil), Morgan Jurgenson (scénariste et producteur du film) a trouvé une idée originale pour nous rebalancer un slasher de derrière les fagots avec suffisamment d'originalité pour être pris au sérieux et ne pas être l'ultime remake de Scream, Destination Finale ou Souviens-toi l'été dernier. C'est en évitant un embouteillage qu'il a, dit-il, trouvé l'inspiration. Se retrouvant soudain nez à nez avec des péquenauds attardés de l'Amérique profonde (en fuyant l'autoroute, il a été contraint de traverser un village de rednecks), il image le scénario du film. Son copain de fac Eli Craig fut, paraît-il, emballé à l'écoute de cette histoire à dormir debout, les studios un peu moins. Le film a mis un temps fou à se monter et c'est grâce à sa présence dans quelques festivals qu'il glana finalement son sésame pour une exploitation en salles.

L'idée de génie de Jurgenson tient à inverser les stéréotypes en confrontant une bande de jeunes à deux bouseux (les bouseux ou les péquenauds sont des personnes vivant en dehors des grandes villes américaines et couchent avec des cochons tout en portant des chemises à carreaux, un peu comme dans Délivrance de Boorman) cette fois très gentils mais que les étudiants citadins prétentieux et hautains vont prendre pour des tueurs en série. Un à un, les ados vont s'empaler sur leurs préjugés. La morale de l'histoire veillera à accoupler dans un final extraterrestre la plus jolie des pépés universitaires au sosie de Zach Galifianakis. Dans ce grand fourre tout visuel et efficacement monté, les clins d'yeux aux modèles du genre sont nombreux. Le public amateur et complaisant sera comblé de voir un tronc humain avalé dans un broyeur, un corps immolé et des visages dégoulinant de ketchup sous des airs connus de Vendredi 13 ou de Massacre à la tronçonneuse... le tout sous la douce mélodie de dialogues écervelés, à quelques expressions près qui déjà m'échappent mais qui portaient en elles un humour certain.

Le problème principal de ce type de cinéma est qu'il fait tout pour se dédouaner de sa connerie. Sous couvert de l'étiquette "parodie", il assume sa vacuité et s'en défend à priori. Mais au final que propose-t-il et que raconte-t-il vraiment ? Les provinciaux sont cons mais gentils, ils sont moches et gras mais ils ont bon coeur. Les étudiants citadins veulent coucher mais ces petits cons arrogants et méfiants finissent par creuser leur propre tombe à force d'élitisme. Pourtant au fin fond du middle west, sur les hauteurs d'une clairière boueuse, une jeune pucelle blonde peut tomber amoureuse d'un bucheron ragoutant par la seule force de sa gentillesse. Le cinéma américain nous prend vraiment pour des quiches !

Date de sortie en France : 01/02/2012
Date de sortie en Belgique : non annoncée

Un film d'Eli Craig avec Tyler Labine, Alan Tudyk, Katrina Bodwen (Etats-Unis, 1h28, 2010)

Cyrille Falisse

Les critiques au banc des accusés

2012-01-24T00:00:00.000+01:00

La critique, emblème d'une liberté d'expression indispensable au fonctionnement de la démocratie, n'a pas toujours eu la tâche aisée. Des contestataires, souvent des artistes blessés par les mots injustes de critiques plénipotentiaires, ont cherché à réduire cette liberté à une peau de chagrin. Il n'y a pas si longtemps de cela, Patrice Leconte, et avant lui, Marcel Pagnol furent des exemples significatifs des tentatives de déstabilisations récurrentes qui assaillaient par vagues successives les imposants phares critiques. Mais si ceux-ci ont été quelque peu chahutés, ils n'omettaient jamais d'envoyer le signal de leur résistance dans la nuit agitée.

La lettre de Patrice Leconte

Le 13 octobre 1999, Patrice Leconte, réalisateur français connu, entre autres, pour Le mari de la coiffeuse (1990) et Ridicule (1995); rédige une lettre qu'il adresse aux membres de l'ARP (une association de réalisateurs dont il fait partie), dans laquelle il s'inquiète de l'attitude de la critique vis-à-vis du cinéma français. On peut y lire : "Certains papiers, qui ressemblent à autant d'assassinats prémédités, me font froid dans le dos, comme si leurs auteurs s'étaient donnés le mot pour tuer le cinéma français commercial, populaire, grand public". A travers ce premier message, Leconte s'adresse plus particulièrement aux critiques qui sévissent dans ce qu'on appelle le triangle des Bermudes à quatre côtés - Les Cahiers du cinéma, Le Monde, Libération, Les Inrockuptibles. Les critiques de ces journaux, nostalgiques de la période combattante de la critique (celle de Truffaut et des Jeunes Turcs), affichent un discours souvent consensuel capable de nuire à la carrière d'un film. Cette chapelle de critiques n'a pas toujours été tendre avec le cinéma populaire français. Leconte est, parmi d'autres cinéastes français, l'un des boucs émissaires rendu responsable par ce triangle, de pourrir le 7e art.

Suite à cette première lettre, une série de réalisateurs (dont les noms ne sont pas mentionnés dans le corps de la lettre) rédigent, le 4 novembre 1999, une deuxième lettre pour affirmer leur courroux à l'égard du terrorisme critique (le texte est attribué à Bertrand Tavernier). Le moins que l'on puisse dire, c'est que cette lettre publiée intégralement dans Le Monde et dans Libération aura mis le feu aux poudres.

En substance, la lettre ouverte aux critiques démarre par un navrant constat, celui de la mauvaise entente qui existe entre critiques et cinéastes. Pourtant ces derniers étaient prévenus: Le cinéaste qui expose son oeuvre s'expose au coup. Les cinéastes s'inquiètent, non pas que l'on puisse émettre des réserves sur leurs films, mais que certains d'entre eux soient systématiquement éreintés et cela avant la sortie du film : "Longtemps à l'avance, nous savons, nous sentons que des films seront exécutés avant même qu'ils ne soient terminés et vus". Les cinéastes pensent que cet a priori négatif n'autoriserait pas le film à vivre du bouche à oreille. A la lecture de ces détails pratiques, on voit déjà poindre l'objectif principal de la lettre qui ne sera révélé qu'à la fin.

Ensuite les cinéastes s'en prennent à l'intégrité des critiques. Ils dénoncent l'envie brûlante des critiques de briller au détriment du film : "Et puis il y a cette jubilation quasiment palpable, dans le désir de détruire, d'abîmer, cette joie qu'on devine à écrire telle ou telle exécution, à imaginer tel ou tel titre fracassant". Dans ces mots, on retrouve en réalité un poncif du combat qui a toujours opposé auteurs et critiques; les auteurs soulignent que les critiques se permettent de détruire alors qu'ils n'ont, pour la plupart, jamais rien construit. Les réalisateurs soupçonnent les journalistes d'utiliser le film dans leur unique intérêt, celui de se faire un nom dans une communauté qui juge ses pairs en fonction de l'agressivité dont ils font preuve à propos du dernier film de tel ou tel cinéaste maudit : "Nous avons l'impression, nous cinéastes, que des gens se servent de nos films comme d'un marchepied pour obtenir des postes, pour toucher la gloire audimatique".

Pour les réalisateurs, le constat est navrant, ces plumitifs qui n'intéressent plus qu'un petit cercle d'amateurs de métaphores douteuses et d'aficionados d'exécutions capitales seraient responsables de la réduction des parts de marchés du cinéma français et c'est cette raison qui pousse les réalisateurs à quémander auprès des critiques un peu plus de compréhension et de déontologie. Mais, au-delà d'une cordiale entente que nous avons du mal à imaginer, tant il est délicat d'accueillir les critiques sur sa personne et sur un travail qui a exigé des mois ou des années d'effort, les cinéastes attendent tout autre chose : ils souhaitent qu'aucune critique négative d'un film ne soit publiée avant le week-end qui suit la sortie en salles. La messe est dite, la balle est dans le camp de la critique.

La lettre soulève un certain nombre de problèmes. Elle semble tout d'abord remettre en cause le principe de la liberté d'expression, voire l'existence d'un droit critique qui s'est détaché de la jurisprudence française dès 1834 : "Certes, ce droit justifie les appréciations que le journaliste peut porter contre une oeuvre, ces appréciations dussent-elles nuire à l'auteur de l'oeuvre..." Le jugement critique est, bien entendu, permis tant qu'il ne dérive pas vers une forme diffamatoire ou une quelconque intention de nuire. Et c'est là que se situe la frontière délicate. Certains réalisateurs qui subissent, à chaque sortie de film, des critiques négatives finissent par croire que les critiques leur en veulent personnellement. Patrice Leconte le clame : "Attention : j'admets que l'on aime pas tel ou tel film et qu'on le dise, je n'admets pas la manière, les attaques personnelles odieuses". Par ailleurs conscients de l'inaliénabilité de la liberté d'expression, les cinéastes s'empressent de dire qu'ils ne sont pas là pour la réduire ou la censurer mais simplement pour rappeler que toute liberté entraîne des devoirs dont ils ont l'impression qu'une partie de la critique se sent exemptée. Ceci dit, en suggérant d'interdire les critiques négatives la première semaine et donc en tolérant les positives, les cinéastes réduisent la critique à un simple exercice de promotion commerciale. La critique est alors en droit de se demander si elle va être réduite à jouer un rôle de faire-valoir.

Car ce qui sous-tend le manifeste de Leconte, c'est l'état du cinéma français qui fait figure de petit poucet face à l'ogre américain. Les cinéastes rendaient à l'époque la critique responsable de la situation économique catastrophique du cinéma hexagonal, ça a depuis quelque peu changé. La critique s'était empressée de réagir à cet argument : "... au lieu de demander aux distributeurs et aux exploitants le délai de grâce nécessaire (et ce sont les seuls à pouvoir concrètement leur fournir), c'est vers la critique que se retournent les cinéastes : est-ce bien raisonnable ?" Il est évident que si même la critique le voulait, elle ne serait pas l'unique décideur du sort d'un film. Et si cela était possible, les critiques européens devraient-ils être les artisans d'un rééquilibrage du cinéma européen par rapport au cinéma américain ? Les critiques seraient-ils amenés à défendre à outrance des films passablement mauvais pour sauver le cinéma de leurs pays ? Cela n'est évidemment pas envisageable sans déroger aux lois élémentaires de la critique. L'éditorial du Monde du 25 novembre le réaffirme : "... dans un univers où la promotion occupe presque exclusivement les écrans de télévision - média le plus puissant -, l'espace qu'offre la presse écrite demeure l'indispensable garantie de l'esprit critique. Celui-ci ne saurait être soumis à aucune réserve, à aucune condition, à aucun pacte de bonne coexistence. Il suppose que soit encouragé le conflit des idées, des subjectivités, des regards, des cultures".

A l'instar de la majorité des critiques, des réalisateurs se sont rapidement élevés contre cette lettre revendicatrice. Dans le courant du mois de novembre Costa Gavras affirmait à ce propos que les metteurs en scène n'étaient pas là pour critiquer les critiques. Mais surtout, une cinquantaine de cinéastes français ont rédigé une pétition portant l'étiquette de la SRF (Société des Réalisateurs de Films) afin de se désolidariser de la polémique lancée par Patrice Leconte.

Que reste-t-il aujourd'hui de l'insurrection d'une partie des cinéastes français ? Il en subsiste peu de signes apparents, le cinéma français a momentanément mis ses revendications de côté, la première décennie du XXIe siècle a été faste, et le succès d'Intouchables cette année n'est qu'un exemple de plus après Amélie Poulain, Astérix Mission Cléopâtre, Bienvenue chez les chtits etc...

Ces performances économiques ont quelque peu redressé l'image d'un cinéma français souvent accusé de nombrilisme intellectuel. Ils ont aussi cruellement démenti Leconte dans le sens où la critique s'était par exemple montrée pratiquement unanime pour porter Amélie Poulain et Intouchables aux nues (A l'époque comme aujourd'hui d'ailleurs, il y a eu des critiques pour émettre des réserves sur le caractère potentiellement raciste des deux films, je vous en laisse juge). Avec Amélie Poulain, Intouchables, c'est bien le cinéma populaire français, celui-la même que Leconte annonçait comme la cible privilégiée de la critique, qui a été défendu. Comble de l'histoire, Leconte déclarait dans le Nouvel Observateur du 30 avril 1997, donc plus de deux ans avant sa lettre, que la critique n'avait aucun effet positif ou négatif sur les films populaires. Alors, pourquoi donc s'en prendre à la critique si elle est dépourvue d'influence ?

Intro

Partie I La critique cinématographique

Chapitre 1 : Naissance de la critique cinématographique

Section I Naissance de la critique cinématographique

Section II La première guerre critique (Les Cahiers et Positif)

Section III La critique a-t-elle inventé la Nouvelle Vague ?

Chapitre 2 Radioscopie de la critique cinématographique

Section I Fonction et rôle de la critique cinématographique

Section II La forme de la critique cinématographique

Section III Les lieux de la critique

Chapitre 3 L'évolution de la critique cinématographique

Section I Les rapports ambigus avec la publicité

Section II Les entretiens

Section III La critique est-elle malade ?

Partie II Le critique cinématographique

Chapitre 1 : Le métier de critique

Section I : Qu'est-ce qu'un critique ?

Section II : Portrait de critique - André Bazin

Section III : Portait de critique - François Truffaut

Chapitre 2 : Les critiques au banc des accusés

Section I : La lettre de Patrice Leconte

Série du mois de janvier bis : Chuck

2012-01-22T23:53:00.000+01:00

Une série de Josh Schwartz et Chris Fedak

Après cinq saisons et 90 épisodes, Chuck prendra fin le 27 janvier prochain aux Etats-Unis. L’occasion de revenir sur une saison d’abord adulée et qui a vite tourné à l’eau de rose et à l’eau de boudin.

La série de NBC part d'une idée intéressante : croiser le thème de l'espionnage et du sitcom. Chuck (Zachary Levi) , jeune homme paumé après s'être fait jeté, reçoit un jour un email étrange d'un de ses anciens camarades, Bryce alors devenu espion. En ouvrant le document Chuck mémorise involontairement “l'intersect”, matrice de l'ensemble des connaissances et des données de la CIA et de la NSA. Ce dernier est vite retrouvé par Sarah Walker (Yvonne Strahovski), séduisante agent de la CIA et par John Casey (Adam Baldwin, aucun rapport avec les frères du même nom), ancien para "dur à l'extérieur et tendre à l'intérieur" et membre de la NSA.

Sécuriser l’Intersect nécessite pour ces deux agents de protéger Chuck, le temps que chacune des agences ne trouve le moyen de lui extraire la base de données.

Voilà pour l'intrigue initiale qui va voir Chuck et Sarah se rapprocher et jouer au jeu du je t’aime moi non plus au cours des deux premières saisons, l'amour s'avérant impossible après la résurrection de Bryce et la nécessité pour Sarah de ne pas confondre boulot et plaisir personnel. Ce petit jeu constitue pour beaucoup l’intérêt principal de la série lors des premiers épisodes, les deux personnages se montrant tellement mignons l’un envers l’autre (voila, on peut refermer la parenthèse girly).

Rien de bien transcendant en soit, Chuck s'avère critiquable à bien des égards.

Comme beaucoup de séries dédiées initialement aux geeks, Chuck trouve vite sur internet une armée de fans fidèles. Cependant, les audiences ne suivent pas et NBC menace de ne pas renouveler pour une troisième année consécutive. Pour sauver la série, les producteurs ont l'idée de transformer l'heure hebdomadaire d'entertainment en placement produit. Les références aux sorties de jeux vidéos sont d'abord discrètes (un encart publicitaire par-ci, un personnage jouant à Madden 2009 par la) puis s'insèrent carrément dans les dialogues. Le summum étant l'accord signé avec la chaîne de fast-food Subway qui oblige Big Mike a déclamer sa flamme à un sandwich au cours de chaque épisode.

Pour une série s'adressant à une population qui ne veut rien faire comme tout le monde et qui souhaite n’ être aucunement récupérée, on peut s'interroger si il ne s'agit pas d'une grossière erreur.

À ce sujet, si l'on avait déjà eu l'opportunité de critiquer l'aspect "geek-grand public" de The Big Bang Theory, on atteint ici des sommets de caricature. Chuck travaille comme réparateur de matériels informatiques, n'est pas à l'aise avec les filles et sa connaissance de la sub-culture se cantonne à aimer Star Wars et Tron. Point. Son compère Morgan est du même tonneau. Lester et Jeff, deux irascibles célibataires un peu glauques complètent le tableau, offrant aux deux acteurs des scènes ridicules et des jeux d'acteur totalement grotesques. Pire, si la série cherche à attirer cette partie de la population, elle la dénigre constamment en rappelant à travers la grande soeur de Chuck, Ellie, qu’il doit se responsabiliser, se chercher un vrai métier et devenir ENFIN un adulte.

La production pense également qu'en saupoudrant tout cela d'une scène ou deux d'une jolie poupée en sous-vêtement, cela permettra à nos aficionados boutonneux de trouver le programmer plus alléchant. Yvonne Stahovski est donc sacrifiée dans chaque épisode pour jouer la bimbo effeuillée une arme à la main. Des guns, du boobs, de quoi peut-on avoir encore besoin finalement ?

Et bien d’une pincée de patriotisme exacerbée. les évènements de septembre 2001 avaient eu un impact énorme sur le monde des séries US (la peur constante déclinée dans 24 heures Chrono), cette fois ci, sur le ton de l’humour, notre trio va mener la guerre face à tous les terroristes de la planète : un guérillero sud-américain plus vraiment dangereux, une société secrète qui complote face aux plus hautes sphères de l’Etat, un ancien communiste, les Chinois...bref, tout le monde en veut à Chuck et par ricochet, à la sécurité du pays. John Casey cristallise à lui seul ce patriotisme, avec là aussi un sérieux penchant pour la caricature puisque ce dernier est un fan...de Ronald Reagan.

Comme un symbole, la dérive de ce repli sur soi se traduit par une méconnaissance des us et coutumes du monde, et particulièrement de la France qui aura droit à un traitement spécial en début de saison 4. Lyon est donc un petit village Suisse dans lequel on se rend grace à un train qui ressemble plus au Transsiberien qu’au TGV.

Hormis ces fautes de goût, Chuck renvoie à une autre interrogation : quelle est la durée de vie d’une série ? Qu’en est-il de l’intérêt lors des deux dernières saisons ? Les scénaristes ont toutes les peines du monde à captiver l’attention de l’audimat.

Chuck se termine la semaine prochaine et aura vécu deux belles premières saisons avant de se plier au volonté du marché médiatique. Il aura alors perdu une part de son identité et de son public.

Une série de Josh Schwartz et Chris Fedak avec Zachary Levi, Yvonne Strahovski, Joshua Gomez (Etats-Unis, 5 saisons, 92 épisodes, 42mm - première diffusion 24 septembre 2007)

Michael Bastien

A bout portant * Vs. Le point de non retour

2012-01-21T23:32:00.001+01:00

Vs.

Cycle années 60

A bout portant de Don Siegel est la deuxième adaptation d’une courte nouvelle d’Hemingway, publiée en 1927, The Killers. Deux tueurs sont à la recherche d’un fugitif. Nous ne savons pas pourquoi il doit mourir et surtout, nous ignorons pourquoi il reste là, dans sa chambre attendant patiemment sa mort, fataliste et sans résistance. La première version (« Les tueurs ») est réalisée en 1946 par Richard Siodmak et réunit Burt Lancaster et Ava Gardner dans un film noir d’un classicisme total. En 1967, John Boorman, futur réalisateur de Délivrance et d’Excalibur, adapte le roman de Donald Westlake The Hunter dans Le point de non retour (Point Blank).

Les analogies entre les deux films sont innombrables. Lee Marvin est en tête d’affiche et assume un rôle de tueur à gage, anti-héros implacable engagé dans une quête obstinée de vérité. Angie Dickinson est, dans les deux cas, une femme fatale complexe, manipulatrice, hystérique mais empathique. Dans les deux films, les images monochromes soutiennent des scènes de violence explicite, soutenues par une musique jazz à la limite de l’agression sonore. La confusion s’incruste jusque dans les titres français. Le titre original du point de non-retour est Point blank qui, traduit littéralement, signifie "A bout portant"… Ces deux films, véritables faux jumeaux, n’en demeurent pas moins des matrices de sous-genres bien différents.

C’est dans la conception de leur travail que les deux cinéastes diffèrent. Don Siegel développe, dans A bout portant, une narration classique. Nous suivons l’enquête de deux tueurs qui tentent de reconstituer le passé de leur victime, l’as du volant Johnny North, interprété par un John Cassavetes à la beauté exacerbée, fragile et sensible. Par une utilisation traditionnelle du flash back, nous apprenons qu’il a été engagé par Sheila (sublime Angie Dickinson) pour transporter une bande de malfrats dans un hold-up, qui tournera mal. Si l’histoire se veut le miroir des codes du film noir, elle en respecte la narration, dans le respect du spectateur et de ses attentes. Don Siegel crée l’anti-héros urbain, violent et cynique qu’on retrouvera évidemment dans son Inspecteur Harry (1971) et dans une multitude de bandes, souvent fauchées, au cours des 70s et des 80s.

John Boorman, dans son Point de non retour, son deuxième film, déploie une histoire similaire. Lee Marvin est ici Walker, tueur à gage, laissé pour mort dans les ruines d’Alcatraz. Il survit et part à la recherche de la mystérieuse organisation, instigatrice du coup monté dont il est la victime. Angie Dickinson retourne sa veste (sans hésiter à la laisser choir…) et après être passé par les bras des traîtres, accompagnera Walker dans son dessein obsessionnel. Boorman préfère organiser son propos autour de quelques scènes magnifiquement réalisées et pleines de trouvailles. Lorsque Walker fait claquer ses talons dans les couloirs de l’immeuble de son ex-copine, le bruit assourdit les conversations de ceux qu’il rejoint, faisant planer une vague mais implacable menace. Dans une boîte de nuit, les cris du chanteur accompagnent les cris des victimes de coups de poing vengeurs et implacables de Walker. La narration souffre quelque peu de ce côté hyper-élaboré, à la limite de la prétention. Il est intéressant de voir dans ce cas précis un des premiers travaux s’adressant à un public cinéphile, ayant digéré les codes du genre. Cette connivence avec le spectateur au travers d’une narration éclatée, d’ellipses et de flash back subtils fait automatiquement penser au récent Drive de Nicolas Winding Refn, qui reprend des pans entiers des deux opus (l’as du volant, sa participation loyale et fatale à un hold-up, sa sexualisation fétichiste…) mais en utilisant la forme référencée et distante de Boorman.

La fin bâclée et sombre du Point de non-retour alourdit l’exercice de style du jeune Boorman. Siegel nous offre, à l’opposé, un final lumineux et crépusculaire dans A bout portant, hissant son film au niveau des classiques du genre. Siegel, comme les réalisateurs de sa génération, ne se savait pas encore artiste. Boorman le savait un peu trop…

A Bout Portant, un film de Don Siegel avec Lee Marvin, John Cassavetes, Angie Dickinson (Etats-Unis, 1h35, 1964)

A bout portant a bénéficié d’une magnifique édition chez Carlotta (2007). On y retrouve des bonus intéressants sur les liens avec la première version de Siodmak et sur la carrière foisonnante de Siegel.

Le Point de non retour, un film de John Boorman avec Lee Marvin, Angie Dickinson, Keenan Wynn (Etats-Unis, 1h32, 1968)

Le point de non-retour est disponible dans la collection « Fnac-cinéma» chez WB (2009). Image et sons tout à fait corrects. Bonus sans grand intérêt.

Pierre Oswald

Detachment **

2012-01-21T14:54:00.004+01:00

Un film de Tony Kaye

Je découvre Tony Kaye lorsqu'il reçoit le prix de la critique internationale à Deauville pour son film Detachment et remercie le jury en chanson. Difficile à croire que cet étrange homme qui ressemblerait à un grand-père beatnik soit l'auteur du violent American History X. Il arrive vouté, barbu hirsute, sur l'estrade penché sur sa guitare qu'il ne lâche pas et la voix rauque, tremblante, un peu country il se met à chanter... l'instant est terriblement émouvant parce qu'il a quelque part l'air ailleurs et le public le rejoint un court moment dans ce monde qu'il s'est construit. Ce monde est à l'instar de celui du personnage de Detachment, un espace mental en souffrance qui fuit la réalité.

Henry Barthes (Adrian Brody) est professeur remplaçant dans des collèges difficiles. Sa mission est simple, il doit pendant deux mois éviter que les élèves s'entretuent en attendant le nouveau professeur titulaire. Dans la grande tradition de ce genre de films aux USA, le prof est quelqu'un de patient et d'attentif aux élèves, il va donc réussir à quelque peu les élever. Son premier clash il négocie avec un lymphatisme étonnant, sa mallette vient pourtant d'être projetée à travers la classe par un élève qui lui fait face et qui promet de lui décoller les maxillaires à coup de cutter. Mais Barthes est en sursis, en suspension au-delà des hommes, il les juge-aide arqué sur une morale bienveillante qu'il s'est construit mécaniquement pour survivre. C'est qu'il est encore en proie au doute, au combat personnel. On apprend rapidement par des flashbacks redondants que sa mère est morte quand il était jeune. Et entre deux journées de cours, il se précipite à l'hôpital où son grand-père sénile est en train de passer de l'autre côté.

La vie de Barthes est glauque. Son appartement froid et vide. Ses contacts rares avec ses semblables qui passent par le conflit ou l'échange mort né où le sourire ne décolle jamais. Il a de grands yeux tristes fatigués. Tous les personnages du film sont à son image des monades isolées, séparées par le mur invisible du détachement. Liés au monde mais en même temps désespérément vidés d'eux-mêmes.

Tony Kaye a une vision déprimante des hommes. Certes il les voit humainement riches d'une certaine forme de bienveillance (comme lorsque Barthes prend soin d'une jeune prostituée avec un angélisme appuyé ou encore quand il rassure la jeune fille obèse de la classe) mais prisonniers des névroses familiales, enfermés dans leur propre histoire et porteurs du fardeau familial. Son long métrage réunit ces anges décharnés et les fait se rencontrer brièvement, en faisant fi de la structure classique de la narration. Ici, ce sont des images d'interview qui démarrent le propos, quelques personnes face caméra parlent de leur rapport à l'éducation. Ensuite c'est Henry Barthes qui parle de son canapé et devise sur l'enseignement... puis l'histoire se déroule faite d'ellipses gigantesques, d'impressions, de sensations, d'épisodes pris sur le vif d'échanges violents un peu comme dans le film Polisse de Maïween.

La forme du film est déconcertante. Elle pourrait en perturber plus d'un qui trouvera dans sa contemplation un exercice trop peu académique. Pour ma part, c'est ce qui m'a le plus intéressé. L'histoire est assez classique. Un homme qui n'arrive pas à prendre soin de lui-même, donne son attention aux autres. La mise en scène, quant à elle, est courageuse. Elle est poétique. Tony Kaye ne construit pas les relations, il les impose d'elles-mêmes. Les acteurs et actrices du film (James Cann, Marcia Gay Harden, Christina Hendricks, Lucy Liu, Blythe Danner) ont tour à tour leur temps d'exposition et chacun à sa manière exprime un constat dramatique sur l'avenir du monde. Car cet avenir devrait en partie être construit à l'école. Mais selon Tony Kaye l'école n'est plus devenu qu'un lieu de perdition, au sens où l'on s'égare, ne trouvant rien de mieux à faire qu'à se confronter à ceux que l'on juge comme les premiers responsables d'une faillite sociale généralisée.

On découvre aussi dans cette oeuvre hybride deux jeunes actrices étonnantes. La première, Sami Gayle, fera certainement carrière, elle a quelque chose dans les yeux et le visage de doux et déterminé. La seconde n'est autre que la fille du réalisateur, Betty Kaye. Quand on sait qu'il a quitté sa famille et sa fille alors qu'elle n'avait que cinq ans et de voir le rôle qu'elle joue dans le film, c'est assez troublant. Tony Kaye a réussi avec un film très personnel à toucher à la grâce des relations humaines. Certes sa mise en scène est parcellaire et manichéenne dans sa classification de la nature humaine mais elle est aussi infiniment poétique et courageuse.

Date de sortie en France : 01/02/2012
Date de sortie en Belgique : 02/05/2012

Un film de Tony Kaye avec Adrian Brody, Marcia Gay Harden, James Caan (Etats-Unis, 1h37, 2011)

Tony Kaye à deauville

Cyrille Falisse

Two Lovers ****

2012-01-20T16:19:00.001+01:00

Best of 2000

Un film de James Gray

James Gray le dit lui même : il est un voleur. C’est en toute discrétion qu’il dérobe aux plus grands leurs secrets. Il revendique ses vols que nous qualifierons plutôt d’extrêmes influences. De Murnau à Friedkin en passant par Coppola, Scorsese, Chabrol, Truffaut, Hitchcock, Scola et bien d’autres. Pour ce film, James Gray lâche du leste en se détachant de ses influences du Nouvel Hollywood (Coppola, Friedkin …) pour se charger des ascendances non moins talentueuses de certains Visconti ou Kubrick période Eyes Wide Shut. Dans ses précédents films James Gray - déjà virtuose - citait ses idoles, parfois à outrance. Aujourd’hui, Gray a digéré ses références et s’est créé un style éminemment plus personnel et essentiel à l’épanouissement des auteurs les plus doués.

L’ouverture et les 20 premières minutes bouleversantes du film posent le décor et y placent les protagonistes. Mais le film ne démarre véritablement qu’avec un chaste baiser sous les yeux aiguisés de toute la dynastie familiale accrochée au mur de notre héros. Ce baiser animera la quête sentimentale d’un homme perdu entre plusieurs femmes, divinement incarnées par Gwyneth Paltrow la vampe inaccessible, l’amour fou, impossible, Vinessa Shaw la simple et belle promise, enfin Isabella Rosselini, la mère inquiète et trop protectrice. Ces actrices, parfaites, touchent parfois plus au sublime qu’à la beauté concrètement humaine. Cette recherche d’un bonheur idéal et compromis nous tiendra en haleine pendant toute la durée du film dans une ville de New-York magnifiée par la lumière de Joaquin Baca-Asay.

Cet homme charmant et mal en point n’est plus très sûr d’exister. Il déambule dans la foule New-Yorkaise portant les colis de l’entreprise de nettoyage à sec de son père. C’est dans cette foule que James Gray attirera l’attention sur cet être solitaire et tissera une extraordinaire histoire d’amour banale, cruelle. Car Two Lovers n’est pas une romance dramatique mais une romance dépressive rebutant le spectateur face à la douleur amoureuse dont le nerf est pourtant connu de tous. Mais la bipolarité du héros crédibilisera de pareilles outrances rendues parfois moins soutenables que certaines scènes des films les plus gores. Une scène magistrale rend parfaitement compte de l’animalité des sentiments amoureux et de la douleur insoutenable qu’ils peuvent amener. Dans cette scène Gwyneth Paltrow vient briser les rêves d’amour éternel que Joaquin Phoenix nourrissait. Il l’attend dans la cour. Longtemps. Quand elle arrive enfin, James Gray la filme en contre-jour, blafarde, la démarche lourde, pesante comme l’était celle de notre héros en début de film. Cette scène vampirique tout droit sortie d’un film d’épouvante martyrise autant le spectateur que le protagoniste. Le souffle y est rapide et rauque, proche d’une agonie. Le réalisateur avait déjà pu s’essayer à de telles expérimentions dans son précédent film, entre polar, shanbara, drame sentimental et film d’horreur: La nuit nous appartient.

Leonard (Joaquin Phoenix) est visiblement dépendant de ses antidépresseurs. Le film joue sur l’ambivalence de ses sentiments. Et le spectateur est mis dans la situation désagréable de témoin de l’encéphalogramme sentimental agité du personnage. Quand va-t-il craquer ? Se demande-t-on jusqu’à une scène en boite de nuit comme les affectionne le metteur en scène. La tension est à son comble quand Leonard monte sur la piste et se meut sur une musique trépidante. Il a l’air de s’amuser mais on sent le point de rupture qui s’approche à grands pas. Il n’en est rien. La scène continue, le dance floor s’agite. Un raccord sec et rapide nous emmène en dehors de cette boite. Au calme, Michelle (Gwyneth Paltrow) s'effondre. Elle est en couple avec un homme marié. Cette déclaration coupera net les espoirs d’amour fou de Leonard.

En fait, chaque personnage aime celui qui ne l’aime pas ou moins. C’est donc une équation irrésoluble que nous filme ce mathématicien des sentiments. Esthète absolu, Gray, fait passer tous les éléments importants à la compréhension du métrage dans sa mise en scène et particulièrement à travers ses acteurs (absolument exceptionnels, particulièrement Joaquin Phoenix) et cadrages ainsi que dans la composition de ses plans. Les échanges entre Michelle et Leonard se passent à travers les fenêtres communicantes. Le verre tranchant ainsi l’amour séquestré par les châssis (le cadre dans le cadre). Quand les deux se retrouveront à plusieurs reprises sur un toit, ils seront dans un premier temps rapprochés par le lieu - centrés au milieu de l’image par d’énormes piliers en briques - pour finalement aboutir à une scène où les corps torturés par l’amour ne pourront apparaître ensemble à l’écran. L’un étant toujours caché de l’autre par ces mêmes piliers qui soutenaient vainement le reste de leur amour quelques minutes plus tôt. Dans un instant d’amour intense et précoce, précoce parce que intense, s’éteindra la dernière étincelle de leur amour.

Le film se clôt sur une confrontation entre Joaquin Phoenix et ses idéaux amoureux. Dans un dernier râle, face aux étendues salines, s’éclipsent les derniers espoirs d’amour - que filait notre héros - pour la voie de la raison et peut être, qui sait, du bonheur tranquille. Two lovers jouit des teintes noirissimes des plus grands films.

Date de sortie : 19/11/2008

Un film de James Gray avec Joaquin Phoenix, Gwyneth Paltrow, Vinessa Shaw (Etats-Unis, 1h50, 2008)

Lucien Halflants

Ma première fois *

2012-01-20T09:46:00.000+01:00

Un film de Marie-Castille Mention-Schaar

En me rendant à la projection de ce film, je dois bien vous avouer qu'au vu de la bande-annonce, je n’étais pas emballé. Mais, histoire de quand même passer un bon moment, j’ai pris le pli de me glisser durant une heure et demie dans la peau d’une jeune fille de 17 ans, âge de l’héroïne et surtout public cible de ce genre d’opus. J’ai donc par conséquent fantasmé sur Ryan Gosling, écouté du Lady Gaga et ri très fort pour me faire remarquer… C’est là que, dans la salle, un groupe de filles de 17 ans m’a demandé de me taire parce que le film commençait…

Plutôt joliment d’ailleurs. Un plan large d’un mur jaune avec un homme en noir de dos et une photo immense d’un nombril. Joli cadrage, jolie photographie (au sens ciné du terme), quasi un tableau de Magritte… Le 2^ème plan l’est quasi tout autant avec une vue aérienne circulaire sur les toits de l’école qui sera le théâtre principal de l’action du film. Un bahut privé à l’américaine qui accueille les enfants issus des familles aisées de la région parisienne. C’est la rentrée après les vacances et Sarah (Esther Comar), première de classe, a une bouffée de chaleur en voyant le directeur présenter le petit nouveau, Zachary (Martin Cannavo). Le groupe de filles devant moi est tout émoustillé aussi. Le garçon est donc dans les critères. Grand, musclé, belle gueule, fashion, cheveux justinbieberisés, trop cool et rebel avec sa moto. Elle est studieuse, fait du cheval, écoute de la musique classique avec sa grand-mère et fait des listes pour être sûre de tout maîtriser.

Et ô surprise du scénario, les opposés s’attirent… Le mec qui collectionne les conquêtes fait un break dans sa partie de chasse pour craquer sur la coincée. Miss Perfect, après avoir méprisé le grand méchant loup est toute « chose » dès qu’elle le croise et finit forcément par tomber dans le panneau... Ils filent donc le parfait amour et se soutiennent l’un l’autre pour braver les épreuves de leur vie d’enfants riches (Papa en a marre de financer les études de son cancre de fils et le dialogue est rompu car sa mère à elle travaille trop dans son agence de pub).

Le film est donc tout sauf intéressant, proche même de l’intérêt zéro… La mise en scène de Marie-Castille Mention-Schaar très classique et les acteurs ont bien du mal à élever le débat. C’est tout simplement une succession de clichés : les regards au ralenti, la main pour la sortir du ravin dans lequel elle est tombée, les scènes dans le jardin des plantes et le labyrinthe, les plans de baisers sous la pluie ou sous les étoiles,… Bref une sorte de best of du « Romantisme pour les Nuls »… Même moi qui ne regarde pas souvent de films du genre, j’avais l’impression d’avoir déjà vu mille fois les scènes, si bien que même mon cœur de fille de 16 ans n’a jamais été vraiment chatouillé par un début de frétillement… Sauf peut-être à chaque apparition de « Papou », le beau beau-père de Sarah interprété par Vincent Perez. Mais à 16 ans, on est toutes un peu amoureuses du beau-père de sa meilleure amie, non ? Restons dans le cliché. Pour le film, on repassera…

Un film de Marie-Castille Mention-Schaar avec Esther Comar, Martin Cannavo, Vincent Perez (France, 1h35, 2012)

Alexandre Janvier

La taupe ***

2012-01-19T17:49:00.002+01:00

Un film de Tomas Alfredson

Aidé par le succès critique du splendide Morse, Tomas Alfredson a bénéficié d'un casting 5 étoiles pour porter à l'écran le roman de John Le Carré La Taupe (Tinker, Tailor, Soldier, Spy - 1974 - premier volet d'une trilogie consacrée à l'espion George Smiley) qui raconte en pleine guerre froide le travail d'investigation d'un ancien membre des services secrets britanniques pour débusquer une taupe (un agent double soviétique) au sein du service communément appelé le MI6. Avec Morse, Alfredson avait renouvelé le genre très restrictif du film de vampire en se faisant le porte-drapeau de l'enfance brisée dans un élan d'une poésie transfigurée par l'éclatante photographie de sa pellicule tamisée de neige.

Dire qu'il renouvelle le genre du film d'espionnage avec La Taupe n'est qu'à moitié faux, tant il parvient à diffuser tout au long de l'intrigue une atmosphère tenace, une couleur qui perdure dans la rétine après la séance fait de brun et d'orange, les déclinaisons prisées de l'époque, une densité plastique qui dépasse l'intrigue pour la transformer en faire-valoir de l'image. La mise en scène est un modèle du genre, appuyée par un montage d'une précision étonnante. Le tout est à ce point précis qu'il faut une concentration extrême pour saisir les subtilités du scénario qui se nourrit de son propre corps comme un boa affamé, enchaînant les travellings, les zooms légers et les discussions explicatives d'un roman labyrinthique.

George Smiley (interprété à l'écran par un Gary Oldman tout en retenue) est chargé d'enquêter sur ses anciens collègues pour débusquer la taupe logée dans le terrier du Circus (nom donné en interne au MI6). Control (John Hurt) l'ancien chef du Circus soupçonnait déjà l'existence de cette taupe et il avait envoyé Jim Prideaux (Mark Strong) enquêter sur une source en Hongrie. L'infiltration avait mal tourné, Prideaux avait été abattu d'une balle dans le dos. Control et son bras droit Smiley avaient fait les frais de cette initiative en étant congédié du MI6. Ce n'est que sur l'intervention du Ministre de la Défense qu'il est postérieurement chargé d'enquêter sur les quatre autres membres du board du MI6. D'emblée, nous sommes plongés dans le vif de l'enquête parce qu'on découvre dans l'appartement de Control (décédé sur son lit d'hôpital) que Smiley lui-même est soupçonné d'être ce fameux agent double. Celui qui conduit l'enquête serait-il le coupable ? Mais progressivement ce questionnement va devenir vain et superflu.

Tomas Alfredson qui maîtrise la matière brute de John Le Carré se l'approprie et la retranscrit habitée d'une tension dépressive, suintante, salie comme un crachin d'hiver. On retrouve la thématique sombre de Morse où les enfants survivaient dans un monde inhumain. Ici aussi les agents spéciaux, les espions sont les jouets d'une force supérieure, celle-ci est définie par la menace d'une troisième guerre mondiale, par une guerre en gestation qui n'existe que dans l'imagination de cette bureaucratie de la paranoïa. L'intrigue gagne en coffre quand elle croise la route de Ricki Tarr (l'excellent Tom Hardy de Warrior) qui incarne un chasseur de scalpes, comprenez un tueur, qui lors d'une mission secrète à Istanbul est tombé amoureux d'une magnifique blonde, agent également, mais de l'autre bord (URSS). La première fois qu'il l'observe, c'est depuis la fenêtre d'un appartement situé en face du sien. L'appartement est en enfilade comme dans Fenêtre sur Cour d'Hitchcock, tant et si bien qu'il voit avant elle ce qui va se produire. A ce moment précis c'est un autre film qui m'est revenu en mémoire, Body Double de De Palma. Cette relation, la personnalité plus humaine de Tarr permettent au récit de s'extirper momentanément de sa mécanique déductive.

On comprend d'ailleurs que ce n'est pas vraiment la résolution de l'enquête qui intéresse Alfredson que la manière dont il y parvient en redoublant les sauts temporels aidant le spectateur à s'y retrouver par l'artifice d'un changement de monture. George Smiley est myope et ses lunettes évoluent avec le temps. Le plus étourdissant n'est donc pas ce qu'il a à dire mais la façon dont il le dit, dirigeant une pléiade d'acteurs habitués aux premiers rôles dans des seconds où tour à tour ils ont l'occasion d'exploiter leurs talents (Colin Firth, Tobey Jones, Ciaran Hinds et bien d'autres...). Nous sommes comme dans La vie des autres (Das Leben der anderen) prisonniers temporaires d'une retranscription fidèle d'une époque et c'est sans doute cela le plus étonnant, la capacité que le réalisateur a eu de décrire les seventies comme une immense décade dont le cri de liberté n'était qu'une fuite angoissée.

Après on peut toujours se dire que l'entreprise a sérieusement viré à l'exercice de style hermétique quand le récit et son intrigue nous ont partiellement échappés tant les noms de codes et les sobriquets de chaque personnage s'entremêlent en un chaos organisé. La froideur des acteurs, leur total contrôle de la situation permettent toutefois au film de conserver sa texture si particulière et de s'afficher comme un des meilleurs films d'espionnage du 21e siècle.

Date de sortie en France et en Belgique : 08/02/2012

Un film de Tomas Alfredson avec Gary Oldman, John Hurt, Mark Strong (Grande-Bretagne, 2h07, 2012)

Cyrille Falisse

La Taupe

Howl **

2012-01-19T14:33:00.000+01:00

Un film de Rob Epstein et Jeffrey Friedman

Quelques mois avant la sortie du très attendu Sur la route de Walter Salles, un autre film est consacré à une des figures majeures de la Beat Generation. Et bien qu'il prétende que l'expression ne veut rien dire Ginsberg est certainement l'écrivain intrinsèquement le plus talentueux du mouvement et peut-être le moins lu. C'était donc une excellente idée que de lui consacrer ce biopic qui n'en est pas vraiment un. Dans Howl (qui signifie littéralement hurlement), les deux scénaristes et réalisateurs Rob Epstein et Jeffrey Friedman enchâssent trois récits en un, premièrement le procès pour obscénité de l'éditeur de Howl filmé à la manière classique d'un procès américain, ping-pong verbal entre les témoins, les avocats et le juge en modifiant les points de vue, ensuite une interprétation en dessin animé du poème en lui-même scandé en voix-off par James Franco et enfin portrait de l'écrivain poète au travers à la fois d'une interview à laquelle en son temps Ginsberg s'était plié et d'une séquence de déclamation sous le regard exalté et amusé de ses amis muses Cassady, Kerouac, Orlovsky.

Dans un patchwork inventif et talentueux, les deux réalisateurs emmènent le spectateur à la découverte de Ginsberg et de son oeuvre phare le poème Howl écrit en 1955 et récité en séance publique à la Six Gallery de San Francisco. Qualifié d'obscène et d'abscons par la censure, on accuse rapidement le texte et son auteur de n'avoir aucune portée sociale et de n'être tout simplement pas de la littérature. A la barre du procès se pressent des professeurs (parmi lesquels on retrouve Mary-Louise Parker de Weeds), des universitaires, des critiques littéraires venus débattre du sens et de la valeur de l'oeuvre. Une définition de l'exégèse appliquée à la poésie qui m'avait frappée pendant mes études disait ceci : il faut inférer de ce qui est dit, ce qui est suggéré. C'est ce que se hâtera de dire le critique littéraire parmi les témoins, la poésie ne peut être traduite en prose, sinon ce n'est pas de la poésie. Elle a au mieux un sens perceptible mais bien souvent elle est expression ou cri de l'âme, c'est ce que résume fort bien l'avocat de la défense interprété par Jon Hamm, on peut condamner le texte parce que les mots employés par Ginsberg sont outrageants, on peut aussi laisser l'inculture se répandre sur terre et priver une génération d'un texte aux allures prédictives. Parce que l'écriture automatique a cette force quand elle puise son inspiration dans l'inconscient, elle prédit l'avenir. Eh oui, c'est vrai.

Parce qu'Howl a été écrit en même temps que Sur la route, il est évidemment un des textes fondateurs de la Beat Generation, ce mouvement littéraire qui ébranla les institutions par la liberté de son verbe délié des règles archaïques de l'écrit. Howl parle de la vie sous un rythme jazzy, la vie dans toute sa douleur terrestre et son éveil méditatif. Le texte fut à l'origine des beatniks, des hippies, de la libération sexuelle et des envolées pacifistes. On apprend grâce au portrait de l'écrivain, porté par un James Franco enthousiaste, parfois à la limite d'en faire un peu trop mais résolument habité par sa représentation du poète, que c'est son amour pour Kerouac qui le poussa dans ses retranchements créatifs. Les passages du film où Franco rejoue les rencontres avec Kerouac et Cassady sont les plus faibles, l'évocation tourne au pastiche, esquissé en gros traits rapides, le plaisir du jeu d'acteur pourtant toujours perceptible.

C'est la représentation en dessin animé du texte qui est la partie la plus fascinante de ce trip entrelacé de formes. On n'imagine rien de plus difficile que de retranscrire à l'écran un poème aussi psychédélique et torturé. Pourtant les réalisateurs y sont parvenus avec génie. Le dessin animé transcende le verbe et accouche d'une étonnante prophétie qui nous est aujourd'hui contemporaine, la vision de Ginsberg passé par l'horreur des asiles psychiatriques, le souvenir de la guerre et la dictature du Moloch sacrifiant la jeunesse sur l'autel de la production et de la publicité. Avec un temps d'avance sur le poème il l'illustre à merveille lui donnant sens, éclaircissant ses ombres et prouvant non sans l'ironie d'une certaine naïveté qu'il faut pour comprendre la poésie, être prêt à l'entendre.

Howl pourrait passer inaperçu dans le dédale des sorties hebdomadaires, on pourra sans doute lui préférer le plus médiatique Sur la route pour avoir un éclairage sur la Beat Generation mais il serait dommage de ne pas plonger dans ses scansions électriques et de rater la rencontre polymorphe avec l'un des auteurs les plus inspirés de son époque. Le film ne devant pas se comprendre comme un biopic mais bien comme une exégèse triangulaire du texte en lui-même.

J'ai vu les plus grands esprits de ma génération détruits par la folie, affamés hystériques nus, se traînant à l'aube dans les rues négresses à la recherche d'une furieuse piqûre, initiés à tête d'ange brûlant pour la liaison céleste ancienne avec la dynamo étoilée dans la mécanique nocturne...
Howl (extrait)

Date de sortie en France : 01/02/2012
Sorti en Belgique en septembre 2011

Un film de Rob Epstein et Jeffrey Friedman avec James Franco, Jon Prescott, Aaron Tveit (Etats-Unis, 1h24, 2011)

Cyrille Falisse

The Descendants ****

2012-01-18T10:17:00.000+01:00

Un film d'Alexander Payne

The Descendants d'Alexander Payne est ce qu'on pourrait appeler une petite merveille de cinéma. A la fois extrêmement drôle et touchant, sensible et délicat, il navigue entre des thèmes pourtant déjà maintes fois traités au cinéma comme l'éclatement de la bulle familiale, le deuil, l'adultère mais avec toujours la juste distance, le bon ton. Alexander Payne qui m'avait déjà enchanté avec Sideways que je pourrais facilement considérer comme un de mes films cultes (formidable road-movie hilarant et cruel à la fois entre deux amis qui visitent les vignobles californiens pour une enterrement de vie de garçon), revient 7 ans plus tard avec The Descendants qui vient d'obtenir le Golden Globe du meilleur film dramatique. On peut s'étonner de cette classification tant le film épouse autant les archétypes de la comédie que du drame mais finalement on s'en fout un peu...

Le cinéma d'Alexander Payne n'est pas vraiment raccord avec la tendance générale du cinéma mainstream américain qui a fait serment d'allégeance au tout au visuel et qui redouble d'efforts pour avaler l'histoire sous un déluge d'images. Sa mise en scène qui s'appuie sur un scénario d'une précision rare aurait même tendance à s'effacer devant son sujet. Et ce n'est pas dans un sens péjoratif que je le dis, bien au contraire, parce que cette façon humble de faire du cinéma met en valeur les personnages au point de les rendre irrésistiblement proches et réels.

L'histoire inspirée du roman éponyme de Kaui Hart Hemmings raconte la crise que va traverser Matt King (George Clooney) suite à l'accident de sa femme qui a plongé cette dernière dans un profond coma. Ce père absent va devoir s'occuper de ses deux filles (Scottie 10 ans et Alexandra 17 ans) qu'il connaît à peine et redéfinir ses priorités. En apprenant de la bouche de sa fille aînée que sa femme avait un amant depuis quelques temps, c'est plus qu'une prise de conscience qui l'assaille c'est un tsunami. Il se met alors en tête de retrouver l'amant afin de l'avertir du drame. C'est en famille qu'il part à sa recherche.

Le scénario n'est pas foncièrement original même si la plupart du temps, le père cocu aurait eu à coeur d'étriper l'amant au lieu de chercher à le prévenir. Ce qui est différent c'est le ton, l'approche de Payne qui par le prisme du drame familial parvient à saisir toute la complexité des relations humaines. Par des scènes toutes simples, il rapproche le père de ses filles après avoir tout aussi simplement montré la distance qui les séparait au début du film (la distance est symbolisée par l'espace fermé de la piscine, le rapprochement par la plage ouverte sur la mer(e)). La prise de conscience vient toujours de l'arrivée inopinée de l'inédit au coeur des nos vies. Pour Matt, c'est la même chose qui se produit, c'est parce que sa femme n'est plus qu'un corps relié à des machines qui la maintiennent en vie, qu'il réalise qu'il n'a été lui qu'un homme en sursis éloigné de ses racines. La relation à ce corps inanimé est différente pour chacun des personnages, certains lui parlent, d'autres l'insultent déchirés par leurs frustrations, certains l'embrassent débordant d'amour, elle est ce témoin mutique qui relie tout le monde.

Alexander Payne parvient à évoquer le deuil avec une infinie délicatesse car il y a face au coma plusieurs attitudes à adopter qui passent par le déni jusqu'à la résignation. L'attitude de Matt interprété par un Clooney parfait s'appuyant surtout sur un jeu de regard extrêmement efficace revient à faire table rase du passé après l'avoir compris, comme celle de la fille aîné (Shailene Woodley) en colère contre sa mère qui doit elle aussi se remémorer le passé pour parvenir à pardonner. En ce sens, le lieu où se déroule l'action est merveilleusement choisi, Hawaii, un archipel où les îles sont comme les membres d'une famille, proches mais dérivant inexorablement au fil du temps. Hawaii qui dans l'imaginaire cinéphile s'apparente plus au genre de la comédie bikini. Là aussi on retrouve l'empreinte de Payne qui prend toujours le spectateur à revers, imposant un cadre où tous les protagonistes portent des chemises à fleurs et des shorts mais où au-delà de l'apparence ce sont uniquement les actes qui définissent la nature humaine. Matt et ses cousins sont d'ailleurs les héritiers d'une immense parcelle de terre qu'ils s'apprêtent à vendre pour la transformer en complexe hôtelier. Ici aussi, il s'agira pour lui de trouver un équilibre entre présent mouvant et passé figé.

Le réalisateur américain excelle dans la comédie autant qu'il parvient à émouvoir par un simple baiser sur les lèvres glacées de la mort en gestation. Il oppose toujours des personnages hauts en couleur, les filles qui insultent leur père résigné, le grand-père réac qui déteste son beau-fils, l'ami de la fille aîné face au père qui le considère comme un demeuré (ce jeune acteur, Nick Krause, a un talent comique assez inouï), le mari et l'amant... toutes ces situations conflictuelles sont la source d'un humour inépuisable. Alexander Payne est certainement et de loin le plus grand auteur comique de sa génération. Il a un don d'observation prodigieux et un regard sur l'homme profondément pertinent, jamais complaisant mais délibérément tendre. Alors on pourra toujours dire qu'il y a là un retour vers des valeurs familiales classiques, que la cellule familiale frappée par le drame doit redevenir le refuge de l'individu, que tout se finit dans un canapé relié au monde par la télévision d'où s'échappe la voix de Morgan Freeman, mais je pense au contraire que le réalisateur par cette dernière scène face caméra nous interroge sur notre rapport au monde, sur notre perception de la famille qui soudainement nous fait face en silence comme pour nous demander à notre tour de pardonner à ceux qui nous ont échappés.

Date de sortie en France : 25/01/2012
Date de sortie en Belgique : 02/02/2012

Un film d'Alexander Payne avec George Clooney, Shailene Woodley, Amara Miller (Etats-Unis, 1h50, 2012)

Cyrille Falisse

L'Amour dure trois ans **

2012-01-17T15:42:00.002+01:00

Un film de Frédéric Beigbeder

"L'amour est un combat perdu d'avance", "L'adultère rend adulte", "Au 21ème siècle, l'amour est un SMS sans réponse". Autant de citations tirées du best-seller L'amour dure 3 ans écrit par Frédéric Beigbeder et son alter ego littéraire et à présent cinématographique Marc Marronier (incarné à l'écran par Gaspard Proust). Celui-ci est donc comme dans la réalité un critique littéraire et un chroniqueur de la nuit parisienne qui décide, à la suite de son divorce, de se lancer dans l'écriture d'un roman que l'on qualifiera de désuettement pessimiste. L'amour, le vrai, serait présent lors de la conquête, fidèle au poste lors de l'état de grâce, mais s'évaporerait petit à petit avec le temps et les gants en caoutchouc rose fluo. En gros, le sursis amoureux serait de 3 années, pas une de plus...

Marronier ne croit plus en la vie de couple, écoute en boucle du Michel Legrand, se demande abasourdi comment sa grand-mère qu'il enterre a pu vivre pendant 57 ans avec son mari, pourrit les cérémonies de mariage dont il est le témoin avec des discours sur l'aspect mercantile des unions à la mairie. Jusqu'au jour où il tombe sur Alice (Louise Bourgoin), femme pétillante, pleine de vie, resplendissante et fraîche. Joey Starr qui joue le rôle du meilleur ami de Marc a d'ailleurs cette expression très fine pour définir son côté pimpant et aguicheur (elle a un décolleté en plein enterrement...) : "Grrr, j'ai envie de la bricoler !!!". Le seul hic, c'est que cette femme en tous points désirable est celle de son cousin (interprété par Nicolas Bedos, assez savoureux en gendre idéal transparent), ce qui n'empêche cependant nullement Marc de faire ce qu'il fait de mieux : le charmeur maladroit.

Contre toute attente et presque même la sienne, le manuscrit qu'il a déposé dans plusieurs grands maisons d'édition françaises est accepté par l'une d'entre elles et connaît un succès retentissant. Parallèlement, sa vie s'emballe à son tour quand Alice décide, après moult escapades avec lui, de fuir son mari pour s'installer en ses murs. L'idylle est à son paroxysme, le bonheur est là, mais un événement viendra remettre en cause toute cette belle mécanique donnant ainsi du crédit à sa fameuse théorie.

Le film est plaisant, drôle par instants ou par certaines citations ("Les femmes n'ont pas le monopole de l'horloge biologique"), mais là où on attendait un zest de dinguerie, cela s'apparente au final à une petite comédie romantique qui ne décolle jamais vraiment. Chose étonnante quand on se rend à l'adaptation d'un Beigbeder, assez funky décadent à la lecture et déjà bien rendu à l'écran avec 99 francs de Jan Kounen (2007). Et constat d'autant plus étonnant que le film est réalisé par l'écrivain lui-même, comme s'il avait à posteriori eu trop de respect pour son livre et qu'il avait eu du mal à transposer la douce folie de son écriture à l'écran.

Les acteurs sont cependant attachants : Gaspard Proust, plus connu jusqu'ici pour sa carrière de comique s'en sort très honorablement mais demande néanmoins à être revu dans un autre contexte et la délicieuse Louise Bourgoin (ex-Miss Météo de Canal qu'on a autant vu dans des navets comme Adèle Blanc-Sec que dans l'agréable Un heureux événement) bouffe toujours autant la lumière (même si je crois que c'est objectivement ma libido qui parle...). On notera aussi une kyrielle de seconds rôles et quelques apparitions pour certaines drôles (ou pas), un rien trop "private joke" sur le microcosme intellectuel parisien et une petite lassitude à force pour le personnage médiatique omniprésent de Beigbeder. Donc un petit goût de trop peu, même si le bon moment n'est pas foncièrement improbable...

Date de sortie en France et en Belgique : 18/01/2012

Un film de Frédéric Beigbeder avec Gaspard Proust, Louise Bourgoin, Joey Starr (France, 1h38, 2012)

Alexandre Janvier

Jane Eyre ***

2012-01-16T17:05:00.000+01:00

Un film de Cary Fukunaga

Le film s'ouvre par une traversée du désert. Une jeune femme désespérée, au regard hagard se perd dans la brume avant de fondre littéralement dans la lande, engloutie par son chagrin. Le ton sur ton est déroutant de poésie. Jane Eyre (Mia Wasikowska) est un rocher sur lequel le vent n'a pas de prise. Pourtant son cœur de pierre s'est ouvert et ne supporte pas la tragédie de la séparation. Il y a comme une impression de grandeur et de puissance de la nature (le ciel est rouge sang...) pour illustrer cette passion qui lui brûle les entrailles. La scène inaugurale donne le ton. Le film sera esthétique ou ne sera pas. La photographie de chaque instant. Le beau l'emportera...

Cette nouvelle adaptation du roman de Charlotte Bronté est en effet un modèle du genre pour ceux qui aiment les images et les costumes léchés. Il faut dire que l'époque victorienne est pour cela assez propice aux beaux tissus, aux drapés et aux chignons macaron. La lumière est elle aussi hyper bien rendue alors que la période est sombre et la campagne anglaise brute et austère. Des rais arrivent cependant à percer là où la pénombre est de rigueur et la blancheur des visages contraste avec l'ambiance de plomb et la noirceur protestante.

Dans ce tableau de la société anglaise de 1850, un petit bout de femme va surprendre tout son monde de par sa force de caractère et son refus de céder trop facilement à l'autorité, surtout masculine. En fait, c'est en fouillant dans son enfance (à l’aide de flashbacks) que l'on comprend qu’elle puise cette force d'un sentiment de revanche sur le destin. Car celui-ci n'a pas été très clément. La jeune fille perd en effet ses parents très jeune et est recueillie par une tante richissime et acariâtre qui la méprise et qui n'hésite pas à l'enfermer pour la punir. La jeune Jane est ensuite envoyée dans une école ultra stricte où les surveillantes ne lésinent pas sur les coups de bâtons et prodiguent ce qui se fait de mieux en lavage de cerveau pédagogico-religieux. Elle en ressortira transformée en une jeune fille modèle, polie et quasi bigote, même si en elle se consument mille feux qu'elle brûle de découvrir.

Quel n'est donc pas son trouble lorsqu'elle fait la rencontre du maître Edward Rochester (Michael Fassbender) chez qui elle vient d'être engagée comme gouvernante, elle qui avoue n'avoir jusque-là jamais vu ni de ville ni parlé à un homme. Mais si elle est troublée, lui, malgré la différence de classe sociale qui les sépare, l'est aussi. Il croule sous les prétendantes mais jette son dévolu sur elle pour la pureté de son âme, sa liberté de ton, son répondant et surtout parce que, malgré son rang, elle lui résiste... Tous les éléments de la naissance d’une passion sont réunis mais, sans déflorer aucunement les fils de l'intrigue, cela tourne forcément à un moment au tragique pour le plus grand bonheur des amateurs de romantisme (dans le sens littéraire du terme). Car c’est de cela qu’il s’agit. En plein. Un cadre bucolique, des jardins aux arbres ancestraux, des vieux domaines hantés, des ruines de châteaux, des légendes à propos des bois remplis de personnages étranges, un héros à cheval costaud et macho à souhait, une héroïne fragile mais orgueilleuse, de la tristesse, de la solitude, en somme une tragédie…

Le second film de l’américain Cary Fukunaga (qui avait déjà remporté le Directing Award au festival de Sundance pour Sin Nombre en 2009) compile en effet tous les éléments d’une fresque romantique. Les esprits les plus chagrins trouveront ça terne et lent. Les autres, surtout les fans de photographie, en auront pour leur argent. Il faut juste savoir dès le départ où l’on met les pieds. Le film vaut cependant aussi pour ses personnages. La jeune actrice australienne Mia Wasikowska (que l’on connaît surtout pour son rôle d’Alice dans le très peu convaincant remake de Tim Burton ou encore pour son très joli personnage dans Restless de Gus Van Sant) est d’une justesse incroyable et chamboule le spectateur par sa froideur quasi virginale. Hormis elle, les personnages secondaires de la servante en chef (Judy Dench) ou de St-John Rivers (Jamie Bell) sont de vraies plus-values. Et enfin, comment ne pas citer l’acteur en vue de ce début 2012 Michael Fassbender (A dangerous method et Shame) imposant en Edward Rochester, mais que l’on a cependant trouvé plus à son affaire dans son incarnation de Jung ou en obsédé sexuel.

Date de sortie en France : 06/06/2012

Un film de Cary Fukunaga avec Mia Wasikowska, Michael Fassbender, Jamie Bell (Grande-Bretagne, 1h55, 2012)

Alexandre Janvier

Collateral ***

2012-01-16T11:30:00.000+01:00

Best of 2000

Un film de Michael Mann

Michael Mann ne fait pas partie de ces cinéastes qui se réinventent à chacune de leurs œuvres. A cela, il préfère pousser sa démarche toujours plus loin d’un point de vue technique comme artistique (l’un ne se dissociant que rarement de l’autre). C’est pourquoi Collateral, tout en intégrant les thèmes chers au cinéaste, s’avère être une variation sur les relations impossibles, la liberté factice de l’être dans une fourmilière humaine et une confrontation de plusieurs idéologies qui régissent le monde dépeint. Mann a des choses à dire et veut toucher un large public en alliant de grosses productions à une vision personnelle de la condition humaine. Malgré cette démarche louable, il souffre d’une sous médiatisation incompréhensible.

C’est entre un ciel brumeux de la ville de Los Angeles fondue par l’image numérique et une lourde chape de béton écrasant les protagonistes que se déroule l’action du film. C’est aussi dans une nuit où tout semble possible que Mann resserre le temps et l’espace afin d’épurer un maximum le cadre de son propos et ne laisser transparaitre que les sensations que dégagent les sentiments de ses protagonistes. Car, Mann ne filme pas qu’une virée nocturne et meurtrière entre un taximan rêveur et un tueur cynique dans les rues labyrinthiques de Los Angeles. Ce sont surtout les états d’âmes de ses personnages qu’imprime Michael Mann sur la pellicule. (Dans ce cas ci sur une surface photosensible numérique).

Pour confiner encore plus l’espace, le gros du film se déroule à l’intérieur d’un taxi que le metteur en scène transforme en théâtre à coup de mises au point sur les visages et de dialogues non dépourvus - et c’est une première chez Michael Mann – d’humour, opposant ainsi Max l’utopiste et ses rêves de vie meilleure à Vincent et sa vision noire et pessimiste de l’humanité. Cet espace réduit sera mis en exergue par l’immensité d’une ville - toujours plus belle la nuit - à travers quelques plans non sans rappeler le génie d’un certain Alfred Hitchcock dans North by Northwest (La mort aux trousses).

Collateral, c’est en fait l’inhumanité de deux humains perdus dans un monde trop grand et impersonnel pour eux. Vincent (Tom Cruise), le tueur à gage au sang froid s’offre le droit de vie et de mort sur ses semblables tandis que Max (Jamie Foxx) ne se donne droit à rien. Il préfère vivre dans ses rêves et se laisser manger par l’indifférence générale qui fait son nid dans une métropole comme Los Angeles : le troisième personnage du film. Une ville dans laquelle on ne peut s’arrêter au risque d’être piétiné ou bouffé par une bouche de métro. Entre Max ou Vincent lequel est le plus humain? Le film soulève cette question et donne raison aux deux. Ils sont après tout fort semblables voir identiques, interchangeables.

Une scène illustre magnifiquement ces échanges idéologiques entre les deux personnages. Max et Vincent discutent sur l’autoroute aucun bruit ne souffle si ce n’est leurs voix et une musique extra diégétique. Cet instant apparait comme une pause, un répit dans leurs agissements. Ils confrontent leurs sentiments, comme le ferait deux vieux amis. On peut sentir un rapprochement entre les deux personnages. Mais Mann conscient de l’enjeu d’une pareille scène sur l’inconscient du spectateur, joue sur la profondeur de champ et les reflets dans la vitre qui les sépare. Il met ainsi l’accent sur la barrière idéologique qui les dissocie. Le taxi s’arrête pour laisser passer un coyote en silence, et dans un instant de lyrisme absolu les deux hommes se retrouvent bouleversés par la liberté de cet animal. Ils sont chacun avec leurs pensées, leurs idéaux. Chris Cornell entame un tube d’Audioslave. Le taxi redémarre.

On pourra tout de même reprocher un scénario un peu léger voir conventionnel. Mais entre les mains de Michael Mann, la plus infime des commandes, devient un grand film. Les acteurs sont magnifiquement dirigés jusque dans les moindres faits et gestes imposant ainsi une personnalité à travers la posture. Tom Cruise calme, élégant et charismatique à l’image du Robert De Niro de Heat, explose dans ce rôle plus qu’inattendu et prouve encore une fois qu’il est capable du pire, comme du meilleur. L’alliage entre le montage et les cadrages typiquement Manniens (variation entre gros plans rapides et longs plans très larges souvent à l’épaule), impose le film comme un fil continu sans baisse de rythme.

Alors, si Collateral n’atteint jamais la perfection et l’élégance magnifique de Heat, ni les expérimentations sensorielles et techniques de Miami Vice, il en reste un polar d’une intelligence et d’une beauté rare comme seul Michael Mann sait les conduire aujourd’hui. Alors chapeau bas à cet artiste qui arrive encore à mêler grosses productions hollywoodiennes et vision auteuriste dans une industrie qui ne permet généralement aux auteurs que d’avancer corde au cou.

Date de sortie en France : 29/09/2004

Un film de Michael Mann avec Tom Cruise, Jamie Foxx, Jada Pinkett Smith (Etats-Unis, 2h00, 2004)

Lucien Halflants

Shock Corridor ** Vs. Vol au-dessus d'un nid de coucou *

2012-01-15T16:29:00.000+01:00

Versus

Cycle années 60 et Cycle Trésors du Nouvel Hollywood

Le film d’asile est un sous-genre particulièrement intéressant. Depuis quelques années, le genre est florissant. Le magnifique Bronson (2009) de Nicolas Winding Refn, le grandiloquent Shutter Island (2010) de Martin Scorsese, l’affligeant The Ward (2011) de John Carpenter ou le baroque Sucker Punch (2011) de Zack Snyder ont, parmi tant d’autres, la mission de nous dépeindre un milieu glauque, oppressant, autoritaire et (évidemment) aliénant. La longue suite de clichés (l’hôpital isolé, le psychiatre autoritaire et sadique, les traitements barbares, les concepts psychanalytiques éculés, …) constitue un environnement particulièrement propice pour des scénaristes fatigués, des chefs opérateurs modestement ambitieux (ça y est : j’ai placé un oxymore !) et des cinéastes en mal d’imagination.

Quand il s’agit d’interroger directement l’institution psychiatrique et non de l’utiliser comme caisse de résonance dramatique d’un scénario insuffisant, deux films s’imposent : Shock Corridor de Samuel Fuller et Vol au-dessus d’un nid de coucou (One flew over the cuckoo's nest) de Milos Forman. S’ils se ressemblent sur plusieurs points, ils diffèrent par leur traitement cinématographique et en disent peut-être plus sur leur auteur que sur la psychiatrie.

Dans Shock Corridor, Johnny Barrett (Peter Breck) est un journaliste, avide de notoriété. Afin de traquer un meurtrier, il décide, contre l’avis de Cathy (Constance Towers), sa copine strip-teaseuse, de se faire interner en psychiatrie, jouant la carte du délinquant sexuel fétichiste et incestueux. C’est alors le début d’une implacable et terrifiante descente aux enfers. Dans le couloir de l’asile, la « rue », il rencontre la folie authentique, magnifiquement interprétée par James Best (le shérif Rosco dans « Shérif fais-moi peur » !), Larry Tucker ou Gene Evans. Leur délire rend compte des angoisses de l’époque (peur nucléaire, racisme sudiste et expansion guerrière et anti-communiste des Etats-Unis). La pellicule se conclut dans un déluge glaçant, emportant Johnny dans une schizophrénie catatonique.

Dans Vol au-dessus d’un nid de coucou, McMurphy (Jack Nicholson) se fait aussi passer pour fou, mais l’objectif semble plus prosaïque : il veut éviter la prison. Rapidement, il se retrouve dans un environnement révoltant, dominé par l’autoritaire infirmière Ratched (géniale Louise Fletcher). McMurphy n’aura de cesse de donner vie aux envies gentiment contestataires du public (« Il faut libérer ces malheureux ! »). Une lobotomie viendra malheureusement sanctionner ses ambitions.

Barrett et McMurphy se ressemblent. Sains d’esprit, ils visent une chose : la reconnaissance. Cette pulsion narcissique se manifeste chez Johnny par un désintérêt total de l’état de ses camarades de la « rue », renvoyés au rang de procédés techniques pour atteindre la notoriété auprès du grand public. Chez McMurphy, la reconnaissance vient de ceux qui constituent son environnement immédiat, les patients. Il veut être le centre des préoccupations. C’est pour cela qu’il s’oppose très rapidement à Ratched. Il attire l’attention et l’adhésion du public, à l’opposé de Johnny, poseur et égoïste. Milos Forman accentue l’identification à McMurphy par une mise en scène sage et classique, favorisant les gros plans étonnés, souriants et imprécateurs de notre héros. Le montage est gentil, la musique de circonstance et les plans-séquences reposants.

Samuel Fuller, de son côté, explose les codes. Le malaise ressenti à la vision de Shock Corridor vient plus de ses choix de mise en scène que de la faible personnalité de Johnny. Le noir et blanc expressionniste de Stanley Cortez est terrifiant. Fuller se fiche des faux raccords et filme ses personnages au moyen de contre-plongés inquiétants. Le montage est brutal et nous désarçonne. Idée folle : il insère des stock-shots en Cinémascope non désanamorphosé (voir Grand Prix) issues d’un film qu’il n’a pu terminer 10 ans plus tôt.

La « rue » de Fuller n’est pas une métaphore de la société américaine des 60s. Par ses choix de mise en scène, il nous livre sa vision dérangeante de la folie. Fuller pratique un cinéma anarchiste, anarchique, libéral et libertaire. À l’instar des maîtres, comme John Ford, il refuse d’imposer sa vision au spectateur. Fuller est un cinéaste foncièrement américain.

Douze ans plus tard, Forman, usant d’un formalisme (trop) classique, vise la dénonciation des dérives autoritaristes de notre société. Ses choix de mise en scène appuient cette métaphore. Le spectateur ne peut que se laisser emporter. Forman reste, dans ce sens, définitivement européen.

Shock Corridor, un film de Samuel Fuller avec Gene Evans, Constance Towers, Peter Breck (Etats-Unis, 1h41, 1963)

Vol au-dessus d'un nid de coucou, un film de Milos Forman avec Jack Nicholson, Michael Berryman, Louise Fletcher (Etats-Unis, 2h09, 1975)

Shock Corridor est disponible dans l’indispensable collection « Les Introuvables » chez Wild Side (2008). Image et sons tout à fait corrects. Bonus passionnants, donnant la parole à ses biographes, exégètes et aux nombreux cinéastes qui se sont inspirés du cinéma de Fuller.

Vol au-dessus d’un nid de coucou est disponible en Blu Ray chez WB (2008). Comme beaucoup de « grands films » sortis à l’époque par WB, on est déçus par le côté « DVD amélioré » de l’image et du son. On est loin de la restauration exceptionnelle de Taxi Driver !

Pierre Oswald

Félins **

2012-01-15T01:00:00.000+01:00

Un film de Keith Scholey

En 2006, la population des lions oscillait, selon les organismes de recensement, entre 23.000 et 39.000 individus. Il y a fort à parier que nous sommes aujourd'hui plus près des 23.000 tant les réserves africaines ont tendance à se rétrécir plus les années passent. Alors que l'espèce est déclarée vulnérable et menacée comme bon nombre des grands prédateurs terrestres, on continue d'organiser des safaris pour chasser le roi de la jungle. Le trophée coûte 2.500$ par jour et 18 jours sont généralement compris dans le tarif, 45000$ pour se payer la crinière du pantera leo. Au début des années 90, on estimait qu'il restait entre 9.000 et 14.000 guépards dans le monde. L'animal le plus rapide du monde est tout bonnement menacé d'extinction. Pour parler clairement, d'ici 50 ans les lions, les guépards et bien d'autres mammifères d'Afrique auront disparu de la surface de la terre.

C'est certainement dans cet esprit de sauvegarde de la biodiversité et de prise de conscience que Disneynature (Pollen) a décidé de soutenir ce projet de représentation anthropomorphique de l'Afrique sauvage à travers les destinées de deux mères, Layla la lionne et Sita la guépard (le film s'appelle Félins mais aucune trace du léopard - dommage !). On suit les trajectoires incroyables de ces deux femelles pendant deux ans et demi (temps consacré au tournage). Le documentaire est mis en scène comme un drame hollywoodien avec climax et suspense. Félins n'est évidemment pas sans rappeler le procédé à l'oeuvre dans Les Chroniques de l'Afrique Sauvage (1993) narrées avec génie par Pierre Arditi. On y suivait également les aventures de Wemba la lionne et de Douma la femelle guépard. Je me souviens encore de cette incroyable scène de combat avec la hyène dominante dont la meute harcelait les lionnes, le lion mâle avait surgi du champ au ralenti avec de décocher un coup de patte fatal et de mettre ainsi terme à un conflit légendaire.

Le film de Keith Scholey et Alastair Fothergill n'a pas 10 épisodes de 60 minutes pour raconter l'incroyable saga des Chroniques de l'Afrique Sauvage. Dans Félins, ils vont alors s'attacher à suivre deux femelles et leurs progénitures au coeur du Masaï Mara (Kenya). Layla, la vieille lionne a une fille Mara et vit au sein d'un clan dominé par un lion à la dent brisée, pendouillante dans ses babines comme un aveu d'impuissance. Ca ne l'empêche toutefois pas de faire fuir un crocodile par la force de son rugissement. Mémorable scène au bord de la rivière qui rappelle la vidéo Youtube de Battle at The Kruger ! La principale qualité de Félins c'est d'avoir usé et abusé du zoom, nous sommes littéralement vissés au visage des fauves, rarement les détails de leurs gueules ont été aussi précis. On notera leur courage quotidien qui consiste à supporter cette armée de mouches collées en permanence à leurs narines. Les quelques ralentis proposés sont aussi saisissants, on voit notamment la femelle guépard pourchasser un gazelle de Thompson et plisser les yeux alors que la poussière dégagée par la course de sa proie lui arrivait au visage.

Il y a quelque chose de terriblement émouvant à observer le spectacle de la nature protégé encore un temps de l'invasion de l'homme. Ces quelques réserves, véritables sanctuaires de la biodiversité, offrent tous les jours des scènes d'une beauté inouïe. Et parce que certains n'auront jamais l'occasion de s'y rendre et d'assister par eux-mêmes au réveil de la savane, à ces bruits et ces couleurs, à son ballet de la migration, cette épopée animale, il est fondamental que des hommes prennent le temps de faire des films comme celui-ci. On peut regretter l'extrême anthropomorphisme qui conduit sans doute l'équipe à scénariser excessivement le spectacle, la double attaque des lions mâles notamment (un père et ses quatre fils magistraux prennent en deux temps possession du territoire du lion édenté), mais c'est sans doute pour eux le moyen le plus simple de sensibiliser le spectateur.

Pour réaliser ce genre de film, il faut une patience infinie, pendant des jours il ne se passe rien, les lions dorment 20/24h, on perd souvent la trace des fauves, on doit choisir le bon groupe aussi et là force est de constater qu'ils ont fait un casting impressionnant. Jamais je n'avais vu 5 lions mâles travailler ensemble pour prendre un territoire. Ca donne quelques plans larges assez inoubliables, du vrai western! Un regret cependant... à la fin du film aucun texte ne vient compléter le commentaire de Pascal Elbé (le narrateur du film) en soulignant que ces animaux qu'on a pu admirer pendant 1h30 sont menacés d'extinction ! C'est un pari osé que de croire que les images ont parlé d'elles-mêmes en envoyant un message subliminal au spectateur en lui indiquant comme par magie que dans quelques dizaines d'années ces animaux seront rayés de la carte... tout comme les tigres, les gorilles, les pandas, les éléphants, les rhinocéros. La liste rouge de l'Union Mondiale pour la Nature comporte 15.600 espèces menacées. Ces espèces sont globalement classifiées en vulnérables, en danger et en danger critique d'extinction (il y a 6 autres catégories). Les lions et les guépards dont les populations n'atteignent même pas 30.000 individus sont seulement considérées comme vulnérables... quand il n'en restera plus que quelques centaines, on dira qu'ils sont en danger critique d'extinction et là il sera trop tard !

Date de sortie en France : 01/02/2012

Un film de Keith Scholey avec Pascal Elbé (Etats-Unis, 1h27, 2012)

Cyrille Falisse

Dossier sur la critique cinématographique : Portrait François Truffaut

2012-01-14T19:33:00.001+01:00

François Truffaut est né à Paris le 6 février 1932. En 1951, il débute la critique de cinéma de manière précoce aux Cahiers et dans l'hebdomadaire Arts avec l'appui de son mentor et père spirituel, André Bazin. Le moins que l'on puisse dire est qu'il n'emprunte pas la délicatesse et la nuance du propos de son aîné. Truffaut, qui manie, comme l'ensemble des Jeunes Turcs, l'art de la polémique, est un des critiques les plus virulents que l'histoire ait compté. Et avant de devenir l'une des figures de proue de la Nouvelle Vague, il éreinte des centaines de films et à travers eux les réalisateurs qu'il classe en deux catégories distinctes : ceux qu'il défend envers et contre tout, et ceux qu'il ne cesse jamais de fustiger. Pour Truffaut, la polémique se doit d'être élevée au rang d'exigence morale. Celui que le monde du cinéma dénonce comme un terroriste, prend la peine de justifier sa démarche et répond par la même occasion à ses détracteurs : Il n'est pas inutile d'accabler les produits strictement commerciaux, mais il convient, selon moi, de dénoncer la vulgarité, la bassesse d'inspiration de tous les films et de toutes les entreprises insincères qui cherchent à faire illusion par des artifices plus ou moins grossiers.

Durant sa jeunesse, le "Rimbaud de la critique" voit tous les films. Comme son héros des Quatre cents coups, il exerce son oeil à la faveur de l'école buissonnière. Il confie d'ailleurs que sa cinéphilie est conditionnée par cet interdit, que ses embardées de jeunesse au moment où elles deviendront désuètes seront conservées comme un rituel. Truffaut aime l'art, et à la manière d'un autodidacte, il se forge une culture éloignée des diktats de l'université. Il accumule frénétiquement les séances, plusieurs par jour, fréquente les ciné-clubs, lit des centaines d'ouvrage sur le cinéma, constitue compulsivement des milliers de fiches sur les films avant de construire un jugement médiatisé par l'écrit. Car avant de devenir un critique, Truffaut est avant tout un spectateur et certainement le plus assidu de l'après-guerre. Cette débauche d'énergie cinéphile donnera d'ailleurs naissance à la rubrique des Cahiers du cinéma : Petit journal intime du spectateur.

La qualité et la diversité de son style l'amènent rapidement à exorciser un double littéraire : Robert Lacheney. Ce dernier existe bel et bien puisque c'est un ami de Truffaut, mais tous les articles signés Lacheney sont en réalité rédigés par Truffaut lui-même. Réunies par le même érudition cinéphile, les deux écritures se distinguent par leur contenu, l'écriture de Lacheney se veut plus légère, truffée de calembours alors que celle de Truffaut reste acérée.

Il n'a pourtant que 23 ans quand paraît "une certaine tendance du cinéma français", article ou il épingle, avec sévérité, le cinéma français qu'il juge médiocre. A l'inverse de Bazin, Truffaut ne se formalise pas et pratique le jugement de goût avec acharnement. Il avoue sans faux semblants : Il faut, sinon du courage, en tout cas une certaine audace plus ou moins consciente pour éreinter le film d'un cinéaste que l'on connaît bien et avec qui l'on a plusieurs fois déjeuné. Mais comme après trois ans de travail, on connaît beaucoup trop de monde dans ce milieu, il faut bien choisir entre la lâcheté et la muflerie. J'ai choisi la muflerie. S'il passe maître dans l'art de la polémique constructive, il s'abandonne parfois à la pure provocation; ce qui lui voudra d'être traité de fasciste par des collègues qu'il n'avait jamais épargné notamment dans un article intitulé : les sept péchés capitaux de la critique.

Ceci dit, la subjectivité de Truffaut prend racine dans un engagement sincère et dans un amour total pour le 7e art. C'est à la première personne qu'il écrit et qu'il assume sans compromis et sans concession. Truffaut est également le premier à se présenter comme un critique jugeant les films en cinéaste. Il a progressivement cherché à se rapprocher des oeuvres dans une intimité qui procure l'illusion d'en revivre la création. C'est dans ce même mouvement de continuité qu'il en est venu à la réalisation, par envie de se rapprocher encore un petit peu plus du cinéma.

Il abandonne la critique en 1958 et devient le fer de lance de la Nouvelle-Vague. Alors, et de manière surprenante, Truffaut, une fois passé de l'autre côté de l'écran, aura plus de compréhension pour les cinéastes. Je comprends mieux Cocteau dans son harcèlement contre les juges, contre ceux qui jugent déclare-t-il en 1980. Après avoir éprouvé des difficultés à réaliser un film, il devient probablement pus délicat de critiquer le travail des autres. Truffaut participa à la constitution du "Conseil des Dix, panel de dix critiques qui mettaient des cotations, sous forme d'étoiles, aux films sortis pendant la semaine. Je suis devenu un adversaire de cette manière expéditive de rendre la justice confia-t-il dans une interview. Après être passé à la réalisation, Truffaut ne prit plus la plume que pour défendre les films qu'il aimait.

Il n'a jamais cessé, jusqu'à sa mort le 21 octobre 1984, d'écrire sur le cinéma. Il a examiné du haut de sa double fonction, critique-cinéaste, la substance profonde d'un art auquel il aura tout sacrifié. Devançant les multiples biographies qui allaient lui être consacrées, François Truffaut se remémore ses premières années critiques en ces termes : C'était la première heureuse période de ma vie car je faisais enfin ce qui me plaisait : voir des films, en parler et, de plus, on me payait pour ça ! Je gagnais enfin assez d'argent pour ne faire du matin au soir que ce qui me plaisait et j'appréciais cela d'autant plus que je venais de passer sept ou huit années dont chaque journée était consacrée à chercher l'argent du repas et du loyer. J'étais un critique heureux.

Intro

Partie I La critique cinématographique

Chapitre 1 : Naissance de la critique cinématographique

Section I Naissance de la critique cinématographique

Section II La première guerre critique (Les Cahiers et Positif)

Section III La critique a-t-elle inventé la Nouvelle Vague ?

Chapitre 2 Radioscopie de la critique cinématographique

Section I Fonction et rôle de la critique cinématographique

Section II La forme de la critique cinématographique

Section III Les lieux de la critique

Chapitre 3 L'évolution de la critique cinématographique

Section I Les rapports ambigus avec la publicité

Section II Les entretiens

Section III La critique est-elle malade ?

Partie II Le critique cinématographique

Chapitre 1 : Le métier de critique

Section I : Qu'est-ce qu'un critique ?

Section II : Portrait de critique

Une vie meilleure ***

2012-01-13T19:02:00.001+01:00

Un film de Cédric Khan

Il y a quelque chose d'ironique à imaginer Guillaume Canet apprendre et répéter les répliques de Yann son personnage dans Une vie meilleure depuis son appartement luxueux de la Place des Vosges. Lui, qui incarne la réussite fulgurante a fait un vrai travail d'acteur pour rentrer dans la peau de ce jeune cuisinier épris du désir fou d'ouvrir sa propre affaire et qui contractant des emprunts qu'il ne parvient plus à rembourser finit dans la plus grande précarité.

Une vie meilleure de Cédric Khan est sans doute la meilleure surprise française de ce début d'année. Tout en ellipses douces signifiées par des fades aussi nombreux que justifiés, il parvient à retranscrire de façon magistrale la lente descente aux enfers de ce couple ambitieux pris au piège d'un système économique cannibale.

Le tour de force du film c'est avant tout son atmosphère diffuse mise en valeur par une photographie de Pascal Marti qui s'inspire du réalisme contrasté des pellicules d'Alejandro Innaritu (Biutiful). Autre aspect intéressant d'une mise en scène extrêmement proche de ces trois acteurs (Canet, Bekhti et Khettabi) l'absence quasi générale de musique. C'est très intéressant de faire confiance à la dramaturgie nue du scénario pour donner de la force aux images sans avoir besoin de l'artifice musical qui bien souvent appuie de manière poussive le propos et provoque la direction du regard.

Guillaume Canet est brillant dans ce rôle d'homme déchu, prisonnier d'une utopie libérale. Sa descente aux enfers en compagnie du petit Slimane est merveilleuse d'abnégation et de non renoncement. Alors que sa petite amie Nadia (Leila Bekhti) part chercher du travail au Canada, le nouvel Eldorado des demandeurs d'emploi, Yann continue de se battre pour conserver le restaurant dans lequel il a investi tout l'argent qu'il n'avait pas. Démarre une sorte de Paris Texas émouvant où Canet parvient à contenir avant de la libérer toute l'énergie qu'on lui connaît. Son interprétation d'une sobriété rare, il la doit surtout à la finesse d'un scénario qui a saisi sans voyeurisme toute la complexité du surendettement.

Yann n'a pas la chance d'avoir une famille derrière lui, ce qu'il a joué dans cet achat de bien immobilier, c'est toute sa vie et l'hypothèque de son avenir. A la lueur d'un polar social, il finit de se mentir à lui-même quand il a le couteau sous la gorge et avant de périr sous les coups des autres, il frappe en premier. Sa fuite, il ne la doit qu'à la prise de conscience d'une révolte qui induit la violence. Réponse toute trouvée à ceux qui s'étonneront de voir l'Europe s'embraser sous la vindicte populaire.

Une vie meilleure en dehors de ses simples qualités représentatives d'une réalité de la misère. Rarement dans le cinéma français, on préfère les squats de Saint-Denis aux appartements bourgeois de Paris intra-muros pour situer l'action d'un film. Tout aussi rarement, on place le petit acteur chéri de la France dans la position d'un homme à la criminalité justifiée par la précarité économique. C'est à la fois courageux et pertinent d'avoir choisi Canet pour le rôle. Bekhti, dans un plus petit rôle que son partenaire masculin, délivre une partition troublante de fragilité. Une vie meilleure est un film qui s'impose par lui-même, aspirant le spectateur dans la succession d'épreuves que traversent désarmés ses personnages authentiques.

Un film de Cédric Khan avec Guillaume Cant, Leila Bekhti, Slimane Ketthabi (France, 1h50, 2012)

Cyrille Falisse

Les Nouveaux chiens de garde **

2012-01-13T17:04:00.001+01:00

Un documentaire de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat

Les Nouveaux Chiens de Garde s'adresse à tous ceux qui croient encore qu'il y a une espèce de vérité dans les informations télévisées ou dans la presse. Gilles Balbastre (ancien pigiste à France 2, France 3 et M6) et Yannick Kergoat (réalisateur de documentaire et monteur) démontrent méthodiquement et s'il en fallait encore la preuve que les journalistes et les médias, auto-proclamés contre pouvoir, sont en réalité à la solde de grands groupes industriels liés au pouvoir (Lagardère, Bolloré, Bouyges).

S'inspirant de l'ouvrage de l'écrivain Paul Nizan, Les Chiens de garde (1932) et citant l'oeuvre elle-même comme fil rouge, puis se basant concrètement sur le livre de Serge Halimi, Les Nouveaux chiens de garde, les deux réalisateurs illustrent leur propos grâce à une infographie eighties charmante mêlant images d'archives et projections graphiques. Ce qui est assez génial avec la télévision et c'est bien la seule chose qu'elle a de bien, c'est qu'elle est une source inépuisable de mémoire vive. Toutes les conneries qui ont pu être proférées à son antenne restent immuablement inscrites. Il est donc relativement facile de justifier son postulat de base et de le confirmer. Mais également de faire passer Alain Minc pour un abruti.

Pour Balbastre et Kergoat, il n'y a évidemment aucune indépendance de la presse alors qu'elle passe son temps à le claironner. On retourne en 1963 quand le Ministre de l'Information Alain Peyrefitte avait pris sous De Gaulle le contrôle des ondes télévisées pour soi-disant garantir le pluralisme. L'idée qu'un organisme étatique puisse superviser la presse semble aujourd'hui farfelue ? Mais il est bon de rappeler qu'actuellement les chaînes de télévision qui se sont démultipliées, les journaux, les magazines appartiennent tous à des groupes financiers et que ces groupes financiers ont des intérêts à défendre, les journalistes qui sont donc assujettis à ces groupes n'ont pas la liberté de parole et font donc diversion en tartinant leurs titres de faits divers. De plus, ces groupes financiers sont souvent ceux qui financent les campagnes de nos présidents (devrais-je dire vos, puisque j'ai toujours un roi), enfin tout ça pour dire que le plus sage reste encore de se passer de télévision.

On peut évidemment reprocher au documentaire de se servir de ce qu'il dénonce étant donné qu'une série d'experts et qu'une voix off non identifiable énonce une série de griefs contre d'autres experts acoquinés avec le gratin du pouvoir. On peut parfois se demander s'il n'y a pas là une forme de règlement de comptes, certains semblent plus visés que d'autres. N'empêche quand on voit les collusions qu'il existe entre politiques et journalistes, et que tout ce petit monde de l'élite se réunit dans la plus grande discrétion à l'hôtel Crillon tous les derniers mercredis du mois pour bavasser de l'avenir du pays, on serait bien naïf de croire que les journalistes qui y sont invités sont encore indépendants.

Le problème principal vient du fait, qu'en France la plupart des journalistes vedettes que les chaînes s'échangent et s'arrachent comme des fringues soldées sont en réalité issus de la même classe sociale que les hommes politiques qu'ils interviewent. Il n'y a donc en eux aucun sens du combat, de la dénonciation, de la révolte et de l'indignation. Il n'y a plus que de la connivence masquée, enrubannée sous de pseudos débats stériles justifiés par l'ambition. Il est évident que les médias dans leur grande majorité sont à la solde du pouvoir. C'est que ce démontre ce documentaire réussi. Si la démonstration est implacable, elle sera surtout efficace auprès des personnes qui ont tendance à faire aveuglément confiance à ce qu'ils lisent ou entendent. Les autres, suspicieux de nature, ne seront que confortés dans ce qu'ils savaient déjà.

Un documentaire de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat (France, 1h44, 2012)

Cyrille Falisse

Lost In Translation ****

2012-01-12T18:46:00.001+01:00

Cycle : Best of 2000

Un film de Sofia Coppola

Il est des films comme des moments de bonheur où les silences subtils et les regards profonds offrent à la vie son intangible immuabilité. Lost in Translation de Sofia Coppola fait partie de ces films pas trop bavard, juste une suite de plans-séquences où les émotions perlent immobiles et constantes. C’est un film sensuel à l’érotisme constant. Ici tout est dit sans voyeurisme, on devine, on suppose, on regarde conscient d’assister à la naissance des sentiments. On est même parfois gêné d’être spectateur et on se calfeutre avec pudeur dans l’ombre projetée par l’écran.

Pour resituer, Charlotte (Scarlett Johansson), la vingtaine, accompagne son mari photographe (Giovanni Ribisi) à Tokyo. Elle passe ses journées entre le bar de l’hôtel et sa chambre vide. Délaissée, elle flirte avec le doute. Bob (Bill Murray), la cinquantaine bien tapée, est un acteur sur le déclin qui se rend dans la capitale nippone pour les besoins d’une publicité sur le whisky. Ces deux-là vont évidemment se croiser au bar et arpenter les karaokés de la ville en tissant autour d'eux un voile ténu de complicité qui dépasse largement les affres du coup de foudre amoureux.

De cette rencontre sans illusion naîtra donc une relation intimiste subtilement teintée d’amour et d’amitié, offrant à ces deux nyctalopes en perdition la possibilité de pouvoir corriger, tout en décalage, la définition formatée qu’ils avaient jusque là d’eux-mêmes.

Sofia Coppola, dont le premier opus Virgin Suicide avait déjà remporté tous les suffrages, réussit avec Lost in translation un film magistral. Le principal tour de force de la réalisatrice est de parvenir à éviter l’écueil d’un genre qu’on aurait vidé de toute ambiguïté et livré en pâture à un public conquis avant de s’être assis. Ici, le spectateur est continuellement baladé et lui-même perdu dans la définition du genre auquel il est en train d’assister, en quelque sorte cloué dans son fauteuil à la recherche du véritable sujet du film. Car s’il s’agit d’une comédie parfois caricaturale qui utilise la capitale japonaise comme toile de fond et comme personnage principal, le film peut tout aussi bien être analysé comme une narration mélancolique ayant pour thème la solitude dans une ville étrangère. Par effet de miroir et par l’étouffante errance qui les tenaille dans la mégalopole c’est la délicate instabilité de leurs mariages, l’incohérence de leurs choix de vie, la méconnaissance de leurs entourages et de leurs envies profondes qui sont révélées aux deux personnages. Pendant une semaine, ils vont s’éveiller et se réveiller en traversant avec tendresse la vie de l’autre. Peu importe finalement que le film se tourne à Tokyo et que cette dernière soit le prétexte à de vieux gags éculés car la solitude que Bob et Charlotte véhiculent aurait trouvé un substrat nécessaire à son éclosion dans n’importe quel coin du globe pour peu que la distance du langage et de la culture les aient plongés dans l'isolement.

Bill Murray en symbiose totale avec l’essence du film, drôle et émouvant avec une touche de cynisme qui n’est pas sans rappeler le célèbre Un jour sans fin livre ici une de ses plus belles performances et Scarlett Johansson, déjà remarquée dans l’atypique Ghost world, prouve qu’elle possède l’alliance subtile de la grâce et du talent, elle franchit avec ce film un nouveau cap. Porté par un duo d’acteurs épatants, le film de Sofia Coppola a trouvé un écho favorable auprès d’un public toujours avide de se plonger dans un voyage introspectif et d'obtenir grâce au reflet de la toile un éclaircissement sur ses propres aspirations amoureuses.

On s'interrogera encore longtemps sur la teneur des propos que Bill Murray souffle à l'oreille de Scarlett Johansson à la fin du film...

Date de sortie en France : 07/01/2004

Un film de Sofia Coppola avec Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi (Etats-Unis, 1h42, 2011)

Cyrille Falisse

Cheval de Guerre *

2012-01-12T10:23:00.000+01:00

Un film de Steven Spielberg

Quelque part situé à mi-chemin entre Black L'étalon Noir (1979) et Autant en emporte le vent (1939), Cheval de Guerre (War Horse) de Mister Spielberg a à priori le défaut d'être un film familial (rien de pire que de critiquer un film qui s'adresse autant à votre grand-mère qu'à votre petit neveu de six ans). Sous cette appellation fallacieuse se cache en fait un produit à la gloire du cinéma américain et à sa propension à transformer tout ce qu'il touche en une immense fresque représentative. Celui qui a irrémédiablement mué le Nouvel Hollywood en usine à produire des blockbusters n'a pas son pareil pour séduire les masses et abuser la critique au point de lui faire avaler des couleuvres. De Spielberg, s'il fallait choisir, je serais plus du côté d'A.I., E.T., Duel et Rencontres du 3e type que de celui d'Indiana Jones, Hook, Amistad, Il faut sauver le soldat Ryan ou Jurassic Park, au pop-corn historique je préfère l'aura d'un cinéma du mystère. Le culte récent que l'on voue à Spielberg m'étonne, la récente consécration à la cinémathèque française en est un exemple. Lors de la Master Class du maître, Costa Gavras n'a pas hésité à dire de lui qu'il était le plus grand réalisateur vivant. A un mot près, il était déifié. Comment peut-on encore nous faire croire qu'il y a en lui plus de fibre artistique que commerciale ?

Cheval de Guerre est l'archétype même du film construit pour séduire. Une histoire d'amour improbable comme le cinéma et le public les affectionne (ici entre un cheval et un jeune homme), un pathos assumé et bien appuyé par une musique de John Williams, une aventure épique qui traverse une guerre et se conclut par une happy end, une représentation du monde et de la cellule familiale curieuse et improbable, tendus dans l'ultime ambition de faire rêver le spectateur. Car avant toute chose, Spielberg est le réalisateur qui vend du rêve et en ce sens il a un talent fou. Car il en faut pour espérer faire d'un cheval le personnage principal d'un film. Certes, il faut préalablement comprendre que les hommes affectionnent l'anthropomorphisme, d'ailleurs le cheval qui est destiné à devenir un héros, le Captain America des équidés, s'appelle Joey. Pour émouvoir le spectateur il faut que celui-ci ait une relation intime avec Joey. Nous assistons donc lors des premières séquences du film à sa naissance, le voyons grandir dans une campagne radieuse et fleurant bon l'épanouissement des espèces. Puis Joey est arraché à sa mère lors d'une foire aux bestiaux, l'homme reprend sa domination, il est acheté par un fermier endetté au nez et à la barbe de son propriétaire terrien, dernière bravoure d'un homme abattu et rongé par l'alcool, interprété par Peter Mullan. Joey est alors élevé par Albert (Jeremy Irvine) le fils du fermier. Premier acte de bravoure, le petit cheval frêle, va aider son maître à labourer un champ impraticable et jonché de caillasses. Ce qui permet à la famille de sauver sa peau et à Joey d'éviter l'abattoir. L'improbabilité abat sa première carte.

Mais la grande guerre arrive et Joey est réquisitionné par l'armée anglaise. Et de démarrer le ballet des chaises musicales où le pauvre cheval, belle exemple de l'instrumentalisation de l'animal par l'homme, passe de maître en maître selon les circonstances de la guerre. C'est là qu'on commence à percevoir le diktat du cinéma américain, eh oui car Spielberg n'a pas hésité une seule seconde à adouber l'anglais comme langue universelle, imaginant que son film pourtant distribué hors des frontières du Nouveau Monde devrait parler d'une seule langue mais avec plusieurs accents. L'anglais tombe au combat lors d'une attaque désorganisée et Joey est enrôlé par l'ennemi à de sales besognes (notons ici la vision très édulcorée de la guerre qui en dépit d'une démonstration visuelle des tranchées et des explosions ne montre jamais de sang et présente des personnages majoritairement bons, cet écueil venant sans doute du fait que Spielberg avait déjà fait exploser des corps dans le Soldat Ryan et que le film est adapté du roman pour ados de Michael Morpurgo). Deux jeunes gamins allemands récupèrent le cheval, puis une famille française (situation cocasse de voir Niels Arestrup s'exprimer en anglais avec un accent français ou des acteurs américains jouer des allemands qui parlent anglais avec un accent germanique), il retourne chez les boshs, souffre le martyre en tirant des chars, traverse un No Man's Land après avoir visité les tranchées au galop avant d'être sauvé (clin d'oeil au film de Danis Tanovic) par deux soldats ennemis devisant soudainement au coeur d'un chaos pacifié tout en débarrassant la bête de sa prison de barbelés. Joey revient chez les anglais, son ami le retrouve, ils retournent en paix au pays des hobbits sous un ciel gone with the wind et tout le monde verse sa larme sur le destin hors du commun de ce pauvre cheval qui n'avait rien demandé à personne mais qui a tout fait mieux que les hommes offrant sa servitude à celui qui s'en apparaît égoïstement.

Faut-il être un adolescent pour aimer Cheval de Guerre, ce n'est pas certain ? C'est pourtant dans la peau de celui que j'ai été plus jeune que j'aurais aimé me glisser pour écrire sur ce film. Je ne suis pourtant jamais parvenu à me défaire de cette impression de conte artificiel, un peu niais et irréel. La succession de situations improbables et la volonté de faire de chacune d'elles une scène mémorable finissent par desservir le propos historique. Il s'en échappe toutefois une certaine teneur allégorique dans certains plans merveilleux comme celui où après la charge les chevaux abandonnés par leurs cavaliers morts au combat bondissent au-dessus des lignes allemandes, témoins mutiques de l'absurdité de la guerre. Car Joey n'est ni plus ni moins qu'un témoin silencieux d'une instrumentalisation généralisée d'un monde déraciné. Malgré cela et en dépit d'un plan aussi splendide où une jeune fille se reflète dans la pupille du cheval, Spielberg ne parvient jamais à prêter une personnalité au cheval, le laissant immanquablement outil d'une histoire passéiste. Evidemment Cheval de Guerre ravira beaucoup de monde, le film sera portée aux nues par le public et la critique heureuse de retrouver le confort d'un cinéma familial rassurant et fédérateur mais à l'heure d'aujourd'hui c'est à mon avis un retour en arrière frappé d'une amnésie inquiétante sur les travers d'une industrie qui a troqué l'art pour la séduction.

Date de sortie en Belgique : 01/02/2012
Date de sortie en France : 22/02/2012

Un film de Steven Spielberg avec Jeremy Irvine, Peter Mullan , Emily Watson (Etats-Unis, 2h27, 2012)

Cyrille Falisse

J. Edgar **

2012-01-11T17:42:00.000+01:00

Un film de Clint Eastwood

J. Edgar de Clint Eastwood n'est pas uniquement le portrait d'un homme important de l'histoire des Etats-Unis, à savoir le chef du FBI (Federal Bureau of Investigation) qui occupa ses fonctions de 1928 jusqu'à sa mort en 1972, c'est avant tout la peinture d'un pays qui n'a eu de cesse de vouloir vivre sous l'égide de la Loi et qui a toujours employé tous les moyens pour protéger sa démocratie et ses institutions. Même si Eastwood nous laisse penser que ce souci de protectionnisme est le résultat de la force de persuasion d'un homme...

J. Edgar (Leonardo Di Caprio), un jeune homme ambitieux porté par la volonté maternelle grimpe quatre à quatre les marches du pouvoir, obstiné et convaincu que l'Etat doit se doter d'un organisme capable de sauver l'Amérique des communistes, des mafieux et des révolutionnaires en tous genres. Il parvient à transformer le FBI à son image, un bureau d'investigation où la perfection doit être palpable au simple regard. On dira de J. Edgar Hoover qu'il fut sans doute l'homme le plus puissant du monde, il resta en fonction et vit défiler sous ses yeux 8 présidents de Coolidge à Nixon, rejouant le ballet de la première visite où chaque nouvel élu cherchait à restreindre ses pouvoirs. Mais J. Edgar en bon névrosé qu'il était avait des fiches sur tout le monde et protégeait ses arrières (l'exemple de la relation de la femme de Roosevelt est assez largement représenté dans le film). A ce niveau, l'introduction du film est réussie, J. Edgar qui invite sa secrétaire Helen Gandy (la seule personne en qui il aura jamais confiance), qu'il espère demander en mariage, à visiter la bibliothèque dont il a organisé le classement par fiches. C'est très joliment amené et délicieux de fraîcheur pour souligner la névrose déjà bien en place. Cette scène est d'ailleurs déjà un tournant du film puisqu'elle nous fait sortir du discours sécuritaire (amené par la voix-off) pour nous amener sur le terrain du privé. Lors de cette visite culturelle, J. Edgar demande la main de la dite secrétaire jouée par une parfaite Naomi Watts, celle-ci lui répond poliment que sa carrière passe avant son mariage pour décliner l'offre. Elle avait évidemment senti que J. Edgar n'était pas celui pour lequel il cherchait à se faire passer.

Alors qu'Eastwood nous promène dans le siècle dernier en usant de flash backs multiples et mélange les intrigues comme pour décorer son biopic historique d'une reconstitution dantesque chère au cinéma hollywoodien, s'attardant sur le démocrate Palmer et son fameux péril rouge, mais aussi sur l'enlèvement du fils de Charles Lindberg ou encore sur sa haine viscérale pour Martin Luther King, il reste relativement discret sur la seconde guerre mondiale, ses rapports ambigus avec la mafia et sur la personnalité raciste d'Hoover. De grands pans de l'histoire sont donc laissés de côté. Ce qui semble intéresser Dirty Harry c'est la vie sexuelle d'Hoover, car à côté de la trame historique et des moyens mis en place pour la représenter à l'écran (on imagine aisément le boulot inouï de son équipe pour reconstituer 50 ans à l'écran) le réalisateur s'attarde sur l'oedipe du chef du FBI. Complètement écrasé sous le joug d'une mère possessive et phagocytante, J. Edgar refoule son homosexualité et son amour pour Clyde Tolson (Armie Hammer) son compagnon de travail. On assiste alors à tous les poncifs du genre, psychanalyse sexuelle de comptoir, scènes de disputes surjouées entre les amants platoniques, baisers de silicones entre les deux acteurs grimés en vieillards, le masque de Di Caprio nettement plus réussi que celui du faux jumeau de The Social Network. Quand Hoover, à la mort de sa mère, se retrouve seul devant un miroir et décide de se travestir avec les vêtements de cette dernière, on se demande si on doit rire.

Malgré ce classicisme forcené et un peu ronflant, cette empreinte lumineuse où tous les visages sont saisis avec une zone d'ombre et ces différents archétypes du cinéma d'Eastwood, on ne peut s'empêcher de penser qu'il est nettement plus en phase avec son talent que lors de ces dernières sorties manquées (Au-delà notamment). Di Caprio est évidemment énorme mais comme pour tous les acteurs de la méthode, on a parfois l'impression qu'il en fait des tonnes. Qu'on lui donne son Oscar et qu'il revienne après à des rôles plus secondaires dans lesquels il pourra inventer de nouvelles expressions et décrisper son front et ses mâchoires. Ce qui est touchant dans le film d'Eastwood, c'est qu'à travers le portrait de cet homme il revient aussi sur sa propre histoire et sur tout ce qu'il a laissé derrière lui. De là à dire que le coming out post mortem du réalisateur fera son apparition dans la presse people, il n'y a qu'un pas que je vous laisse faire. Ce serait d'ailleurs tout aussi farfelu que de s'attacher à raconter la vie privée d'un homme aussi discret qu'Hoover car dans le film d'Eastwood où on finit par s'ennuyer au fil des minutes, il est beaucoup question de fantasme...

Un film de Clint Eastwood avec Leonardo Di Caprio, Naomi Watts, Armie Hammer (Etats-Unis, 2h15, 2012)

Cyrille Falisse

Miss Mouche **

2012-01-11T15:51:00.000+01:00

Un film de Bernard Halut

Qui ne s’est jamais dit : "Comme j’aimerais être une petite mouche pour pouvoir assister secrètement à la scène…"? Nous avons tous un côté voyeur et celui-ci est sans doute encore plus exacerbé lorsque l’on a 12 ans et que l’on découvre les affres et les premiers bonheurs de la vie.

Nina (Mona Jabé) est Miss Mouche, fascinée par cet animal étrange aux caractéristiques oculaires démesurées. Autant de millions de nuances de couleurs comme les millions de pixels de la caméra d’un GSM qu’elle reçoit de ses parents et dont elle devient inséparable. La métaphore est jolie. Les plans le sont tout autant. Originaux même dans les distorsions géométriques. C’est peu conventionnel donc intéressant. On passe d’un plan pris en caméra normale à la vision d’une webcam pour être en tournage embarqué via portable. C’est en fait tout le florilège des techniques cinématographiques qui est passé en revue : les gros plans, les flous, l’infra-rouge, le kaléidoscope, les ombres, les contre plongées,…

La jeune fille voit ainsi la vie de son entourage par le prisme d’un écran et se formalise donc peu des tabous. « Putain, Nina arrête de filmer » lui crient tant ses parents que sa meilleure amie avec qui elle fait les 400 coups. Des parents qui n’arrivent pas à régler la focale de l’appareil (alors qu’elle le fait en un tournemain), autre illustration narrative de leur relation de plus en plus floue, embourbés qu’ils sont dans leurs problèmes de frics et leurs tourments de couple. Un événement plonge la mère dans le coma et le père, défait par la situation, revit les derniers mois via les vidéos que sa fille a tournées.

Le concept est donc assez original, mais a malheureusement le tort de s’essouffler très vite pour petit à petit finir par tourner en rond. Et ce que l’on trouvait intéressant au début d’un point de vue du cadrage devient progressivement assez lassant. Ce qui fait que, malgré les 82 minutes, on se dit qu’il y a ça et là des longueurs et que le film gagnerait à être amputé d’un petit quart d’heure. Cela étant dit, ce premier film à tout petit budget du réalisateur belge Bernard Halut et dont le casting est composé essentiellement de comédiens issus du théâtre (Bernard Cogniaux en tête) reste néanmoins une fable moderne agréable avec de vrais questionnements sur l’intrusion de la modernité dans notre quotidien.

Date de sortie en France : Inconnue.

Un film de Bernard Halut avec Mona Jabé, Valérie Bauchau, Bernard Cogniaux (Belgique, 1h22, 2012)

Alexandre Janvier

Dans la tourmente *

2012-01-10T18:52:00.002+01:00

Un film de Christophe Ruggia

Christophe Ruggia est un cinéaste engagé, après avoir traité des sujets tels que le sida ou les sans-papiers, il s'attaque avec Dans la tourmente au problème de la précarité de l'emploi avec une histoire d'ouvriers menacés de licenciement. A travers un polar noir puisant autant dans une photographie impressionniste que dans les classiques sombres de Nicholas Ray, il ancre son sujet au coeur d'une réalité marseillaise lourde et pesante.

Trouvant dans la délinquance la réponse évidente à la crise financière, il raconte comment deux salariés, Franck (Clovis Cornillac) et Max (Yvan Attal), décident de dérober 2 millions d'euros à leur patron avant que leur usine ne soit démantelée. Evidemment le braquage de fortune va mal tourner et une longue chasse à l'homme va démarrer dans les calanques.

S'appuyant sur une photographie littéralement plongée au coeur de l'action, mouvante et collée aux visages des deux personnages principaux à laquelle se rajoute Mathilde Seigner, Christophe Ruggia réussit d'emblée à imposer une atmosphère nerveuse à son long métrage. Yvan Attal campe un ouvrier licencié, ayant perdu tout mais rageant d'un honneur souillé. Franck, un homme sur la brèche, l'oeil constamment préoccupé par un devenir incertain. Les premières minutes sont très réussies, tout en lumières floutées gravées dans l'obscurité.

Mais progressivement le réalisateur perd son intrigue à cause d'un montage chaotique et d'ellipses hésitantes. Et c'est au plus mauvais moment que ça se produit pour la première fois, à l'instant même du climax du film, un grossier problème de raccord saute aux yeux. La chasse à l'homme, d'abord dans les rues de Marseille, puis sur le site merveilleux des calanques ne parvient jamais à étouffer le spectateur d'une attente imprévisible. Tout est beaucoup trop bancal et illogique.

Depuis le début, Max est cerné et découvert, grâce aux largesses du scénario, dont la force est toutefois de s'opposer vaillamment à l'impunité politique, il lui est permis de filer entre les mailles à chaque fois, échappant à la police grâce à son fils, sautant d'un balcon haut perché et échappant à une voiture en feu... tout ça pour ça. Sans vous dévoiler la fin, on a l'impression que Christophe Ruggia (qui a aussi écrit le scénario) a cherché à justifier le décor de son film par une histoire rocambolesque. L'arrivée inopinée de Max sur le site des calanques en est la preuve. D'où sort cette nouvelle voiture qu'il conduit soudainement et par quel miracle le GIGN le cerne-t-il déjà à sa sortie du véhicule.

La faiblesse du scénario et l'hérésie du montage n'enlèvent rien au mérite des acteurs, vaillants d'abnégation. L'atmosphère s'en trouve bien esseulée tentant de ramener à la raison l'équilibre vacillant du film. On ne peut s'empêcher de rapprocher Dans la tourmente du merveilleux Le Braqueur de Benjamin Heisenberg. Le réalisateur allemand était parvenu à maintenir la tension dans cette chasse à l'homme, cette course folle de Johan Rettenberg, virevoltant d'ingéniosité dans sa mise en scène. Nous étions en train de fuir avec lui alors qu'ici nous n'avons fait que regarder d'un oeil circonspect.

Date de sortie en France : 11/01/2012

Un film de Christophe Ruggia avec Clovis Cornillac, Mathilde Seigner, Yvan Attal (France, 1h47, 2012)

Cyrille Falisse

Jeu concours : Les Nouveaux Chiens de Garde

2012-01-09T23:29:00.001+01:00

A l'occasion de la sortie du documentaire Les Nouveaux Chiens de Garde de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat ce mercredi 11 janvier, Le passeur critique et Epicentre vous offrent des entrées pour voir le film en salles.

10 X 1 place à gagner

Pour participer à ce concours et avoir une chance de remporter une place, il vous suffit de faire partie des dix premiers à envoyer un email à cette adresse en mentionnant votre NOM, PRENOM et ADRESSE et en indiquant Concours Nouveaux Chiens de Garde dans l'email. De cette manière nous pourrons aisément et rapidement vous envoyer votre ticket de cinéma.

Pitch : Les médias se proclament "contre-pouvoir". Pourtant, la grande majorité des journaux, des radios et des chaînes de télévision appartiennent à des groupes industriels ou financiers intimement liés au pouvoir. Au sein d’un périmètre idéologique minuscule se multiplient les informations pré-mâchées, les intervenants permanents, les notoriétés indues, les affrontements factices et les renvois d’ascenseur.

En 1932, l’écrivain Paul Nizan publiait Les chiens de garde pour dénoncer les philosophes et les écrivains de son époque qui, sous couvert de neutralité intellectuelle, s’imposaient en véritables gardiens de l’ordre établi.
Aujourd’hui, les chiens de garde sont journalistes, éditorialistes, experts médiatiques, ouvertement devenus évangélistes du marché et gardiens de l’ordre social. Sur le mode sardonique, LES NOUVEAUX CHIENS DE GARDE dénonce cette presse qui, se revendiquant indépendante, objective et pluraliste, se prétend contre-pouvoir démocratique. Avec force et précision, le film pointe la menace croissante d'une information produite par des grands groupes industriels du Cac40 et pervertie en marchandise.

Bonne chance à tous !

Les Nouveaux Chiens de Garde : Un documentaire de Gilles Balbastre et Yannick Kergoat avec Arlette Chabot, Laurence Ferrari, David Pujadas (France, 1h44, 2012)

Date de sortie en France : 11/01/2012

Bullhead ****

2012-01-09T14:12:00.002+01:00

Un film de Michaël R. Roskam

En cette période de repli sur soi nationaliste, il est temps pour moi de faire, une fois n'est pas coutume, acte d'un chauvinisme exacerbé tant ce film mérite le coup d'oeil. Et le pire, c'est que c'est même en pure objectivité et en amoureux du cinéma que je vais encenser ce film et essayer de motiver mes amis français à lui donner sa chance sur grand écran ou aux belges de courir le louer.

Bullhead (Rundskop littéralement "tête de boeuf") est en effet un film intense, hyper prenant et par plein d'aspects atypique. Tout d'abord par les décors et les paysages. La trame se passe dans la Flandre profonde où comme le chantait Brel le ciel est si bas qu'un canal s'y est pendu. Il y a comme une impression de lourdeur des nuages prêts à s'effondrer en pleurs à chaque instant pour inonder les champs. C'est un milieu rural où on sent le poids du terroir et de la mentalité des petites gens qui triment. C'est sombre, mais c'est lumineux. C'est glauque, mais c'est authentique. Une demi-douzaine de plans quasi fixes d'une tristesse et d'une poésie rares viennent ainsi sporadiquement renforcer ce sentiment de "glauquitude" des débats.

Car ceux-ci sont peu reluisants. On se trouve en effet au coeur d'un trafic mafieux d'hormones animales, de sang contaminé et de produits pharmaceutiques en tous genres pour doper les productions. Les vétérinaires viennent montrer leurs substances aux fermiers en leur expliquant que "parfois il faut filer un coup de main à la nature" et des grossistes les acheminent discrètement vers les complexes agricoles via des intermédiaires tout aussi peu reluisants. Le réalisateurMichaël R. Roskam nous dresse ainsi un portrait des différentes petites frappes qui participent au business. Et plus spécifiquement celui de 2 personnages. L'un, Jacky Vanmarsenille (Mathias Schoenaerts) est une brute épaisse qui se pique aux hormones, une armoire à glace, une "tête de boeuf", mais avec un bon fond et qui voit d'un très mauvais oeil toutes ces magouilles. L'autre Diederick Maes (Jeroen Perceval) est à la fois hyper impliqué dans le trafic en accomplissant toutes les basses besognes et à la fois indicateur pour les flics qui enquêtent sur cette pègre rurale.

Des flashbacks sur leur amitié depuis l'enfance nous donnent des indices sur leurs tourments actuels. Le premier a en effet été victime d'une bagarre qui a mal tourné, blessé et meurtri à vie au plus profond de sa chair et de sa masculinité. Le second, témoin de la scène, a du garder le silence pour ne pas nuir aux affaires de son père et restera traumatisé et par la culpabilité et par la vision de son ami mollesté. On comprend donc mieux pourquoi Jacky s'injecte autant de testostérone dans les veines et a ce rapport malsain aux femmes empli de frustration. Diederick doit de son côté vivre avec une homosexualité plus que taboue en milieu champêtre et ultra conservateur, microcosme qui préfère mettre des oeillères pour ne pas voir ses brebis sortir du droit chemin.

Un des flics de l'enquête est retrouvé mort et l'étau se resserre petit à petit autour des différents protagonistes du complot tandis que les lubies de nos 2 héros finissent par les rattraper. La descente aux enfers est donc inéluctable...

Et passionante... Le film, malgré parfois un mini-manque de rythme, est haletant et la tension créée autour du personnage de Jacky est accaparante. C'est en effet lui qui crève l'écran et qui fait en grande partie la force du film. Le jeu d'acteur de Matthias Schoenaerts est tout simplement déroutant. Sa respiration quasi bovine, son charisme bestial, sa fièvre animale lui donnent une consistance énorme. Les plans autour de son personnage y sont pour beaucoup. Il est filmé de très près et ces close-up apportent un parallèle métaphorique troublant avec les bêtes dont il s'occupe. La photographie est par instants vraiment magnifique et on alterne une manière de filmer assez classique avec des mouvements de caméra, des fondus, des flous, des ralentis, des jeux de lumière et des plans fixes.

Bullhead démontre s'il le fallait encore la bonne santé du cinéma belge en général, du cinéma flamand en particulier (cf La Merditude des choses, Het varken van Madonna et bien d'autres) et l'ami Schoenarts qui sera à l'affiche d'Un goût de rouille et d'os est assurément un nom à retenir.

C'est abrupt, c'est un direct aux trippes, c'est dérangeant dans le bon sens du terme. Bref Courez !!!

Date de sortie en France : 22/02/2012

Un film de Michaël R. Roskam avec Matthias Schoenaerts, Sam Louwyck, Barbara Sarafian (Belgique, 2h00, 2011)

Alexandre Janvier

Grand Prix **

2012-01-09T09:59:00.002+01:00

Cycle années 60

Un film de John Frankenheimer

Je n’aime pas les courses automobiles. Je n’aime pas trop les voitures, d’ailleurs. Mais j’ai honteusement apprécié Grand Prix de John Frankenheimer. Vroum vroum… On embarque…

Grand Prix nous raconte la lutte farouche entre quatre pilotes de Formule 1. On suit donc les courses, les amours et les conflits de l’Américain Pete Aron (James Garner), du Français Jean-Pierre Sarti (Yves Montand), de l’Anglais Scott Stoddard (Brian Bedford) et de l’Italien Nino Barlini (Antonio Sabato) tout au long d’une saison. Leurs caractères sont bien trempés et leurs caractéristiques nationales bien affichées. Je laisse donc le lecteur imaginer qui est le charmeur de ces dames, qui préférera endurer sans se plaindre une pénible douleur et qui se complait dans de longues discussions sur l’amour…

Pour créer une narration efficace, les scénaristes ont imaginé des propriétaires d’écuries retors et inhumains. Parmi eux, Toshiro Mifune incarne un ambitieux et caricatural patron japonais digne du colonel Saito dans le Pont de la Rivière Kwaï (1957) de David Lean. Les romances sont assurées par un trio d’actrices entre deux âges (Eva Marie Saint, Jessica Walter et Geneviève Page) qui passent une grande partie du temps de bobine à se lamenter sur la dureté de ce métier inhumain. Enfin, La jeune Françoise Hardy démontre l’étendue de son non-jeu dans un presque premier rôle qui sera aussi presque son dernier.

L’histoire n’a donc aucun intérêt. Non, ce qui scotche le spectateur encore actuellement, c’est la captation très efficace des courses. Un petit retour historique et technique s’impose. Dans les années 50 et 60, le cinéma est, déjà, à la recherche de tout ce qui peut détourner le spectateur de son poste de télévision. En 1953, apparaît le célèbre CinemaScope avec La Tunique d’Henry Koster. L’idée est d’offrir une spectacle panoramique, loin de la petite lucarne cylindrique et télévisuelle de l’époque… Techniquement, en CinemaScope, la pellicule utilisée est, comme avant, de 35 mm mais elle est comprimée lors de la prise de vue et « décomprimée » lors de la projection. C’est le principe de l’anamorphose, qui étire l’image en un magnifique rectangle. Idéal pour les péplums et les westerns… A la même époque, le Cinerama fait aussi l’attraction. Ici, le film était shooté avec 3 caméras et restitué sur des écrans gigantesques (jusqu’à 600 m²) ! Pour les amateurs, notons que La Conquête de l’Ouest (1962) de Henry Hathaway, John Ford et George Marshall a été réédité récemment en Blu ray et propose les versions « classique » et Cinerama de ce classique du western.

Et Grand Prix dans tout ça ? Frankenheimer a en fait profité des nouvelles caméras portables Panavision shootant en 70 mm et non en 35 mm, assurant ainsi une netteté encore supérieure de l’image. Une manière de faire du CinemaScope sans anamorphose en quelque sorte. Il assure aussi le tour de force d’embarquer ces caméras sur les voitures… Spectacle garanti ! Enfin, le film est projeté sur les gigantesques écrans de Cinerama… Et Frankenheimer est un excellent faiseur de spectacle, utilisant le splitscreen et un montage nerveux, pour nous faire vivre les courses depuis l’habitacle. Vroum vroum…

Depuis 40 ans, le Cinerama s’est épuisé. Les écrans surdimensionnés ont disparu… Regarder « Grand Prix » n’avait donc plus aucun intérêt… Jusqu’à la réédition récente en Blu ray. Pour les chanceux possesseurs d’un grand écran et d’enceintes 5.1, le spectacle est total ! Le caisson de basses gronde au rythme des moteurs. Yves Montand vous dépasse sur la gauche et James Garner vous talonne… La netteté de l’image est impressionnante.

L’Histoire est donc un éternel recommencement. Les nouveaux équipements rendent justice aux grands spectacles d’antan et nous rappellent que le cinéma était à l’origine une attraction foraine, assurant un plaisir décérébré mais total.

Date de sortie en France : 10/03/1967

Un film de John Frankenheimer avec James Garner, Eva Marie Saint, Yves Montand (Etats-Unis, 2h59, 1966)

Grand Prix est donc disponible en Blu ray chez WB (2011). Copieux bonus qui intéresseront tant le cinéphile que l’amateur de bagnoles (en tout cas, je le suppose…).

Pierre Oswald

Série du mois de janvier : The Walking Dead

2012-01-07T18:33:00.000+01:00

Une série de Frank Darabont

Rick Grimes (Andrew Lincoln), un flic provincial américain se réveille d'un coma dans lequel il était plongé après une vilaine blessure et découvre avec stupeur que le monde, pendant son absence, a vécu une apocalypse. La surface de la planète est devenue un terrain de jeux pour les zombies. Rues désertes, autoroutes remplies de voitures à l'arrêt (angoisse des réserves de pétrole taries), centres commerciaux vides où seuls les rats se promènent encore sereinement. Rick est un gars avec des valeurs, un homme dont l'Amérique est fière, certainement un héros du 11 septembre s'il avait habité New-York, un homme attaché à son uniforme et à son flingue tout autant qu'à sa famille. D'ailleurs, après avoir trouvé son domicile portes ouvertes et chambres mortes, il se met en tête de retrouver sa femme Lori (Sarah Wayne Callies) et son fils Carl (Chandler Riggs), rencontre ci et là quelques survivants hostiles qui lui défoncent le crâne avant de se rendre compte qu'il n'avance pas en gémissant, le visage couvert de morsures et la chair puant la mort. Après avoir repris ses esprits, il emporte avec lui un stock d'armes qui laisse à penser qu'il va mener une guerre et part en direction d'Atlanta où sa femme et son fils auraient pu se réfugier.

Toute la première saison menée tambour battant autour du concept de film de zombies et de suspense tonitruant va se concentrer autour d'une quête individuelle, celle d'un homme privé des siens et qui fera tout pour les retrouver. Isolé dans un char (de nouveau une connotation militaire qui laisse de plus en plus à penser que les zombies seraient la métaphore d'un peuple envahisseur), Rick doit son salut à l'arrivée de Gleen (Steve Yeun) un américain originaire de Corée du Sud, un allié légendaire des ricains (nouvelle preuve s'il en fallait une). Puis c'est l'attendu remake de Dawn of The Dead, celui du Roméro de 1978 et celui du Snyder (2004), critique masquée de la société de consommation dans les films, ici prétexte à l'hommage nerd. Dans l'inconscient geek, le film de zombie est un peu associé au centre commercial, il fallait donc en passer par là.

Rick s'échappe après avoir menotté sur le toit du centre commercial, un bouseux américain raciste et incontrôlable, Merle. Il retrouve sa petite famille saine et sauve dans un campement sans se douter que sa femme le croyant mort s'est empressée de 'se faire' son meilleur pote Shane (Jon Bernthal). Là, la série se dote d'une dimension dramatique assez convenue, deux amis aiment la même femme. L'originalité venant du fait que le mari passe pour un idiot à retrouver sa femme dans l'allégresse alors qu'elle en pince encore pour le faux frère. Shane, personnage antipathique et demeuré est aussi flic. Un plus rugueux, un qui fonce tête baissée dans l'ennemi et dégomme du mort vivant au petit déjeuner. Autour de lui, l'Amérique est représentée, des afros, des vieux, des mères célibataires, des nordistes, des sudistes, de familles... et des illuminés.

Pendant qu'un convoi retourne chercher Merle sur le toit du centre commercial, vu que son frère, une sorte d'ermite de la forêt ne quittant jamais son arbalète, a vu d'un mauvais oeil qu'on ait sacrifié son grand brother, un homme creuse des tombes sur le camp. Cet homme fait penser à Curtis LaForche (Michael Shannon) dans Take Shelter... un homme qui a des prémonitions sur la fin du monde. Et il a vu juste car le camp est attaqué alors que les hommes sont encore en ville en train de déloger le raciste sur le toit, qui en plus s'était fait la malle. Cette scène de fossoyeur est de loin la meilleure de la saison !

A la fin de cette dernière, les campeurs partent se réfugier dans un centre de soins. Un scientifique un peu barré leur apprend qu'il n'y a aucun antidote pour enrayer la progression des zombies et que l'humanité est vouée à disparaître. Le centre explose avec ceux qui ont voulu se suicider (tous ceux qui en avaient marre de jouer dans cette série), les autres repartent vers la deuxième saison.

Globalement, la première saison (6 épisodes) est relativement réussie. Elle plante le décor à partir du point de vue d'un homme isolé, un homme qui renaîtrait après l'apocalypse. Elle ancre les valeurs familiales et guerrières comme références, il y a un côté un peu réactionnaire dans cette vision d'une Amérique isolée, luttant seule contre le reste du monde, prenant les armes et établissant un camp de fortune comme si elle était projetée dans le passé tels les premiers colons arrivés en Virginie en 1607 mais il y a aussi une certaine maîtrise...

L'atmosphère anxiogène, le réalisme des scènes de tueries qui rappelle les jeux de shoot'em up, l'originalité du scénario font de la première saison un véritable événement dans le monde mouvant de la série US. Adaptée du Comics de Chris Kirkman, la série est surtout bancale au niveau de son interprétation. Tous les acteurs sans exception forcent le trait. En les regardant scrupuleusement agir dans ces situations désespérées, on se rend compte qu'ils surjouent certaines réactions et que la plupart du temps ils sont complètement en dehors du coup. L'acteur principal (Andrew Lincoln), leader né mais en proie au doute et aux mauvais choix n'a pas vraiment le charisme nécessaire et Sarah Wayne Callies (Sarah Tancredie dans Prison Break), son épouse, est insupportable avec ses petites mimiques nerveuses. Le troisième larron, le flic ami et amant est lui carrément mauvais. Finalement les quelques rares bonnes surprises viennent des acteurs secondaires comme Laurie Holden ou Norman Reedus. Il y avait tout de même dans cette première série un aspect prenant et on avale les six épisodes sans demander son reste.

Dans la deuxième saison, l'effet de surprise ne joue plus. Le scénario doit normalement bénéficier d'un second souffle pour espérer maintenir l'attention. Les 7 scénaristes décident alors au détour d'une pause café peu inspirée de lancer l'intrigue sur la disparition d'une fillette. En plus, c'est à cause du héros Rick qu'elle disparaît. Pendant sept épisodes la petite troupe aura à loisir de passer son temps à chercher la gamine. Beaucoup moins centrée sur l'action que la première saison, la seconde voit fleurir une thématique récurrente du microcosme sérielle américain, la religion.

Nous l'avions déjà compris, The Walking Dead prônait les valeurs familiales et va-t-en guerre, il lui manquait le troisième larron, la religion. Tout ça pour mener à une seule et globalisante valeur : Le repli communautaire. Ce repli communautaire est illustré à merveille par la ferme du Docteur Greene, gentil patriarche vétérinaire qui soigne le fils de Rick et Lori blessé par balle après avoir fantasmé une relation exclusive avec un cerf. L'occasion toute trouvée pour mesurer l'importance des valeurs chrétiennes dans le conditionnement télévisé.

Le couple est tout d'abord mis doublement à l'épreuve. Le fils entre la vie et la mort pose la question de l'euthanasie qui si elle est évoquée est vite balayée. Offrir un monde de désolation à un enfant est-il une bonne chose ? La réponse est oui ! Nous vaincrons la crise en famille. Lorie avoue enfin à Rick qu'elle a froucholé avec Shane pendant son absence, l'honnêteté ! Les deux amis sont perpétuellement en conflit, on s'aperçoit que Shane est une ordure puisqu'on le suspecte d'avoir tiré sur un camarade pour distancer des zombies et leur offrir en sacrifice. Cette position extrême du personnage le rend par là-même complètement inutile puisque personne n'a envie de lui confier sa survie. Mais c'est surtout lors de la découverte d'une fameuse grange que la série annonce son intention première !

La grange recèle en effet une meute de zombies. Le Docteur Greene partisan d'une Eglise humaniste pense que tout être vivant a droit à la vie et il empêche quiconque de tuer les zombies. Ils ne représentent pour lui aucune menace ! Génial se dit-on, puisque les zombies sont des étrangers incompris, il va peut-être y avoir moyen de trouver un accord et de créer une nouvelle forme de vie en mixant les humains aux zombies puisque le sexe petit à petit s'insinue dans la série à travers la relation de Gleen et de la fille du Docteur. Mais c'est sans compter la haine de l'autre symbolisée par Shane. Alors que les poursuites pour retrouver la petite fille s'épuisent à l'instar de l'intérêt de cette série qui ne fait plus que parler de Dieu, Shane pousse ses camarades à dégommer tous les morts vivants de la grange. Les survivants s'installent donc chez leurs hôtes, ces derniers les soignent et les nourrissent et ils décident tout de même de faire régir leur propre loi ! C'est ce qu'on appelle l'esprit colonialiste.

Au bout de sept épisodes aussi indigestes que porteurs d'un message désespérant d'ethnocentrisme, la bande de Rick et Shane ouvre la grange et décharge les barillets sur les anciens membres de la famille du Docteur. C'est un peu le dommage collatéral de la guerre. Les corps tombent les uns après les autres rappelant les exécutions expéditives des camps de la mort où les corps décharnés s'abattaient dans la neige sous les rires des kapos. Et sous l'épais brouillard provoqué par les balles une forme surgit de la grange, s'en extrait et avance boitillante à travers les dépouilles. Mais oui c'est bien la petite fille qu'on cherchait depuis 7 épisodes et qui a entre-temps été transformée en zombie et avait passée son temps à tourner en rond à quelques centaines de mètres d'eux. Se pose alors la question plus délicate de tuer quelqu'un que l'on connaît... Rick en héros de l'Amérique communautaire se charge de la sale besogne pour le bien des siens. En temps de guerre, un bon militaire tue les déserteurs et les alliés passés chez l'ennemi.

Excessivement bavarde, centrée sur le trident républicain, cette deuxième saison est presque détestable et est complètement ratée. Les producteurs ont d'ailleurs suspendu cette dernière avant de promettre les 6 derniers épisodes à partir de février. Une troisième saison sera déjà signée et on se demande bien ce qu'elle pourra apporter de nouveau. Construite sur un fantasme geek, celui d'un film de zombies étiré sur la longueur, The Walking Dead parle de cette Amérique prise de culpabilité et qui pour s'en défaire se referme sur elle-même, une arme dans une main, la bible dans l'autre.

Une série de Frank Darabont avec Andrew Lincoln, John Bernthal, Sarah Wayne Callies (Etats-Unis, 2 saisons - 13 épisodes - première diffusion 31 octobre 2010)

Cyrille Falisse

Le Havre **

2012-01-06T17:00:00.000+01:00

Un film d'Aki Kaurismäki

Ça commence par des regards. Nombreux, appuyés, poignants entre 2 protagonistes aux noms improbables : Marcel Marx (André Wilms), ex-poète et cireur de chaussures au grand coeur et Arletty (Kati Outinen) femme au foyer soumise et finlandaise (comme le réalisateur Aki Kaurismäki).

Ça se passe au Havre dans une France d’en bas qui survit aux rudesses de la crise. Mais ce qui frappe surtout c’est cette drôle de configuration spatio-temporelle. On est à la fois dans l’après-guerre et à la fois dans la France de Sarkozy. A la fois dans une vieille Renault 16, à la fois à payer l’addition en euros. Tout est fait pour nous jeter dans ce trouble de chaque instant : le mobilier d’époque, la musique 78 tours, les costumes seconde-main alors que le sujet de fond est la mondialisation.

Car la vraie trame est là : Marx, qui doit parallèlement faire face à la maladie soudaine de sa femme, essaye de sauver un petit réfugié gabonais qui a réussi à s’échapper d’un container plein de clandestins et qui est traqué par la police. Ça sent la débrouille et l’entraide dans le quartier sauf pour un voisin collabo qui pratique la délation à foison. L’équation est simple : Humanisme résistant contre état de droit autoritaire.

Le problème, c’est que tout ça sonne un peu faux. Jean-Pierre Darroussin campe un commissaire habillé en agent de la gestapo alors qu’il dirige des CRS habillés en robocop, le petit garçon est assez transparent et l’acteur principal surjoue et a l’air tellement concentré sur son texte qu’on a peur à chaque instant qu’il dérape et qu’on doive refaire la scène. De plus, les fameux regards insistants que l’on trouvait intéressants au début deviennent rapidement insupportables, à se demander si les acteurs ont oublié leur texte ou si ils vont vomir…

En somme, même si le film a reçu le prix Louis-Delluc très prisé par la profession (prix qui récompense le meilleur film français sorti dans l'année), c’est loin d’être un grand cru, malgré quelques bonnes idées comme la lumière subtilement tamisée en permanence ou par endroits ce contraste des époques, mais à force de vouloir faire du retro sans y mettre un chouia de vintage, ça a plutôt tendance à sentir le renfermé.

Un film d'Aki Kaurismäki avec André Wilms, Katin Outinen, Jean-Pierre Darroussin (Finlande, 1h33, 2011)

Alexandre Janvier

Chiens de paille *

2012-01-06T09:00:00.000+01:00

Un film de Rod Lurie

Comme le laissait entrevoir l'affiche (strictement identique), il est difficile de critiquer Chiens de paille (Straw Dogs), ce remake de Rod Lurie sans faire appel à l’original éponyme de Sam Peckinpah datant de 1972.

Au sortir de la salle subsiste un certain ennui, on quitte le film indemne alors qu’on s’échappait de l’original mal en point et abimé dans l’estime que l’on peut avoir de l’humain. Remake donc, sans presque aucune exégèse de son prédécesseur qui contait le repli stratégique d’un scientifique cherchant à s’éloigner de la violence des Etats-Unis en se réfugiant dans l’Angleterre natale de sa compagne. Immigration qui les confrontera à l’agressivité des autochtones les poussant à sombrer, eux aussi, dans les abysses de la violence.

Fini l’ambiance grise et boueuse du film de 72. Ici, tout est magnifiquement léché. Alors que Dustin Hoffman (alias David Summer) débarquait dans un trou perdu, James Marsden emménage dans une magnifique maison en bord de lac scintillant à la lumière du soleil. Le remake fait faire le chemin inverse à ses personnages, James Marsden et Kate Bosworth sont des anglais immigrés aux Etats-Unis. Par là même, le film gagne en beauté, mais c’est une beauté insipide. Chacun des plans ressemble à une pub pour un Club Med chez les rednecks. Plus virils les uns que les autres, les mâles déambulent, chemises à carreaux ouvertes, corps taillés dans le marbre. Quant aux femmes… plantureuses à souhait, c’est en mini-jupes et sous-vêtements qu’elles charment. Mais jamais la nudité des corps pourtant si dérangeante chez Peckinpah, ne sera montrée.

Lors de duels idéologiques avec son rival incarné par Alexander Skarsgard (Charlie), James Marsden se retrouve souvent encadré par les bras musclés de son interlocuteur. Cette idée de cadrage quoique peu originale fait passer le sentiment d’enfermement du protagoniste. Mais le réalisateur choisit d’user cette idée jusqu’à la corde en la réutilisant un grand nombre de fois, brisant ainsi l’intelligence suggestive du plan.

Dans la version originale, le montage avait une importance capitale d’un point de vue narratif, mais avait aussi pour but de déstabiliser le spectateur. La scène du viol revenait déranger de manière quasi permanente le spectateur, quand Rod Lurie ne donne à voir qu’une continuité narrative de plans ne suggérant rien qui ne soit explicitement écrit dans le scénario.

Les actions des personnages sont ici animées par une forme de motivation et de réflexion préalable. Là où dans la précédente adaptation, c’était l’instinct animal des protagonistes qui prenait le pas sur leur humanité. La vision de Peckinpah était donc bien plus sombre, pessimiste et cinématographique que celle de Lurie. Les frontières étaient minces et les personnages avançaient sur le fil pouvant facilement tomber dans l’ultra violence. Le premier film montrait un Dustin Hoffman à la limite de la psychopathie. Dans ce métrage ci, tout semble plus simple, plus logique (Marsden paraît horrifié par ses actes alors qu’Hoffman arborait un sourire jusque dans le dernier plan du film).

On pourrait aussi soulever l’appui grossier sur les origines des personnages. L’idée est de confronter des idéologies différentes. Comme dit dans le remake, ce sont des intellos chez les bouseux. Mais Lurie nous ramène sans cesse à ce fossé qui sépare les personnages en affublant les nouveaux venus par des « Mr. Harvard » ou « Mr. Hollywood ».

Bref, la mise en scène trop lisse perd toute la subtilité de son prédécesseur. Nous conseillerons davantage la découverte ou redécouverte de l’original de Sam Peckinpah.

Date de sortie en France : inconnue

Un film de Rod Lurie avec James Marsden, Kate Bosworth, Alexander Skarsgard (Etats-Unis, 1h50, 2011)

La bande-annonce du film de Sam Peckinpah avec Dustin Hoffman

Lucien Halflants

La Colline aux Coquelicots ***

2012-01-05T15:40:00.000+01:00

Un film de Goro Miyazaki

Petit à petit, Hayao Miyazaki, le maître incontesté de l'animation japonaise et fondateur des studios Ghibli qui ont produit les chefs d'oeuvre que sont Le voyage de Chihiro et Princesse Mononoké, passe le flambeau. L'année dernière à la même époque, il avait déjà confié la réalisation de son scénario à Hiromasa Yonebayashi pour Arrietty, le petit monde des chapardeurs. Pour La Colline des Coquelicots c'est à son fils Goro Miyazaki qu'il confie une nouvelle fois son scénario. Goro n'en est pourtant pas à ses débuts en tant que réalisateur, il avait déjà animé Les Contes de Terremer en 2006.

Si, chose assez rare dans l'univers du studio, l'histoire de La Colline aux Coquelicots est réaliste et ancrée dans un passé historique connu, on retrouve l'ensemble des éléments qui ont fait toute la richesse de cet univers unique dans le paysage du dessin animé. Le film évoque la rencontre de deux adolescents dans un Japon à la veille d'une révolution étudiante majeure pour le pays. Nous sommes alors en 1963, Umi et Shon tombent amoureux en restaurant Le Quartier Latin, la maison des étudiants pourtant décrépie et vouée à la destruction. A la force de leur volonté et de celles de leurs amis ils parviendront à la restaurer, on pense évidemment à Fukushima et au paysage de désolation qu'il a laissé derrière lui.

Tout dans le dessin animé est étreint de poésie et de romantisme. Les détracteurs, et ils seront nombreux je pense, auront à coeur de dire que le dessin animé est curieusement prisonnier d'un pathos et d'une nostalgie un peu réactionnaire, voire patriotique mais le film directement adapté d'un manga éponyme publié dans les années 80 n'a visiblement pas d'autre ambition que de nourrir le spectateur d'un retour vers une forme de réalité rassurante. C'est la douceur et la délicatesse des évocations amoureuses qui permettent au spectateur de faire fi des musiques sirupeuses qui accompagnent l'histoire et de l'absence des figures magiques qui hantent habituellement les couloirs des châteaux Ghibli.

Autre facteur étonnant la fluidité des mouvements semble différente des autres films d'animation du Studio, les personnages sont comme montés sur ressorts, sautillant au lieu de marcher, les yeux eux aussi sont moins expressifs, les paupières se referment moins souvent, tout a l'air encore plus artisanal qu'à l'habitude mais toujours avec ce merveilleux souci du détail dans les décors notamment lors des visites dans la chambre d'Umi ou lors de la préparation des repas. Parce qu'Umi travaille dans une pension tenue par sa grand-mère, cette pension désertée par les hommes nous renvoie au souvenir de celle de Juliette dans le dessin animé des années 80, Juliette, Je t'aime. Celui-là même qui à l'époque m'avait donné envie de devenir écrivain et d'aller travailler mon manuscrit dans le confort d'une pension asiatique.

Hayao Miyazaki a enrichi son scénario d'un élément proche de la tragédie grecque qui emporte le dessin animé de la contine amoureuse vers la destruction des tabous universels. Jeune fille pourquoi envoyer tes pensées vers le ciel écrit Shon dans le journal du lycée pour s'adresser anonymement à Umi.
Parce que tous les jours cette dernière hisse des drapeaux marins au mât de sa pension en souvenir de son père mort à la guerre de Corée. C'est la nostalgie qui détermine leur rencontre et qui par un tour de passe-passe du scénario permettra leur relation. Car même quand il n'y en a pas, Hayao Miyazaki saupoudre toujours son histoire d'un brin de magie.

Date de sortie en France : 11/01/2011

Un film de Goro Miyazaki (Japon, 1h31, 2012)

Cyrille Falisse

The Darkest Hour *

2012-01-05T08:02:00.003+01:00

Un film de Chris Gorak

Ami fan de blockbusters, si vous aimez les films du genre, passez votre chemin car mon avis risque de ne pas vous plaire… Ou alors faites comme mon voisin de derrière qui a ronflé dès le générique (true story… avec cette lunette 3D sur le pif… au moins j’aurai ri une fois en une heure et demi…). Donc autant dire, vous l’aurez compris, que je n’ai que très peu apprécié cette Darkest hour du réalisateur Chris Gorak auteur en 2006 de Los Angeles : Alerte Maximum (Right at your door) qui n’avait déjà pas laissé un souvenir impérissable.

Malgré cela – il faut voir le bon en tout, c’est ma résolution pour 2012 – quelques menus détails peuvent marquer l’intérêt si jamais vous décidez de le visionner malgré tout.

C’est donc une histoire des plus prévisibles mais qui voit l’action se passer dans un cadre néanmoins intéressant car très peu usité jusqu’ici : Moscou. La capitale russe est en effet magistrale de beauté (notamment architecturale) avant de devenir un non-moins impressionnant théâtre de fin du monde. Car en très court, c’est le pitch du film : 5 post-ados se retrouvent dans une boîte de nuit branchée avant un énorme flash qui plonge la ville dans l’obscurité totale. Dans la rue blackoutée, une aurore boréale (assez jolie) de boules d’électricité commence par dégommer violemment un flic téméraire (c’est par contre pas extrêmement bien fait) avant de concrètement ratiboiser la ville à quelques exceptions. Vous aurez compris que nos 5 amis en sont et qu’une fois l’attaque dévastatrice passée, ils osent remettre le nez dehors. Ils comprennent peu à peu les failles de l’ennemi et arrivent à quelques-uns (y en a toujours 2 ou 3 qui passent pas l’hiver russe) à rejoindre des endroits stratégiques de la ville. Vous vous doutez de la fin, mais je vous laisse le plaisir en ne vous gâchant pas le suspense (sic) du happy end.

Quelques scènes appréciables visuellement : Celle inaugurale de vues plongeantes autour de l’avion, Moscou avec ses ponts cassés et vidée de ses habitants, un avion échoué dans un centre commercial et des voitures par milliers complètement figées. Et enfin cette scène où la 3D (sinon superflue le reste du temps) fait littéralement tomber des cendres dans la salle.

Mais également quelques scènes stupidissimes comme celle sur la place rouge vide (du Bécaud dans le texte) où nos héros masculins se cachent en-dessous d’une voiture pour échapper à la « bête », un personnage d’électricien fou sorte de mix entre Bouli Lanners et Demis Roussos qui a un chat auquel il met une combinaison bondage (re-sic ou re-true story, au choix) ou encore les discours d’un gamin qui du haut de son charisme de combattant depuis 3 jours réussit à enrôler sous ses ordres des combattants russes déguisés avec des combinaisons mixant Ghostbusters, Mad Max et Tron…

On épinglera également quelques répliques bien ronflantes (y avait pas que mon voisin…) comme le très patriote « Welcome to Russia, sucker », le classique « On va tous mourir » et enfin cette dernière à replacer dans son contexte « Lesbiennes – Herpès – Muchas Gracias ».

Pour finir, la vraie surprise vient sans doute du personnage principal Sean incarné par Emile Hirsch. Celui que l’on connaît surtout pour son interprétation remarquée dans Into the Wild – il était aussi à l’affiche de Milk avec Sean Penn – nous étonne par ce choix qu’on qualifiera gentiment d’audacieux dans le mauvais sens du terme. Même si très cyniquement l’intérêt pourrait du coup d’y voir de manière très voyeuriste ce que son personnage d’ermite serait devenu s’il n’avait choisi l’anticapitalisme extrême dans le fin fond de l’Alaska.

Ne vous ai-je pas dit que je voulais voir le bien en tout en 2012 ?

Date de sortie en France : 11/01/2012

Un film de Chris Gorak avec Emile Hirsch, Rachael Taylor, Olivia Thirbly (Etats-Unis, 1h29, 2012)

Alexandre Janvier

Les Acacias ***

2012-01-04T18:54:00.001+01:00

Un film de Pablo Giorgelli

Le film démarre par un plan magnifique d'une forêt inondée d'un soleil matinal. Progressivement le son d'une tronçonneuse s'installe suivi dans le bas de l'écran d'une fumée légère qui donne au cadre une lumière encore plus belle puisqu'elle se diffuse vers les hauteurs en lui prodiguant une teinte différente. Soudainement un arbre s'abat dans un fracas sourd. Cet arbre qui s'abat et qui disperse autour de lui des centaines de petits copeaux morts, c'est la métaphore de la vie de Ruben (German De Silva). Un camionneur éteint, bougon, limite antipathique. Son patron lui a demandé de transporter une femme, Jacinta (Hebe Duarte) de la frontière paraguayenne à Buenos Aires. Elle arrive avec un enfant de 5 mois dans les bras.

Les Acacias (Las Acacias) a remporté le convoité prix de la caméra d'Or à Cannes cette année. Ce prix récompense le meilleur premier film toute compétition confondue. Des films aussi brillants et hétérogènes que Stranger Than Paradise (1984), Toto le héros (1991), L'odeur de la papaye verte (1993), Slam (1998), Reconstruction (2003) ou Hunger (2008) ont obtenu ce prix. Pablo Giorgelli n'en est pourtant pas à son coup d'essai, il avait déjà réalisé deux documentaires remarqués avant de se lancer dans ce projet nourri par la déception d'une rupture amoureuse. Ruben, c'est évidemment le double du réalisateur, un homme défait par la vie et la crise qui s'enferme dans sa cabine comme dans une névrose. Dans la cabine de son camion, les silences du huis-clos épousent la gêne de l'individu solitaire. Ruben a même des difficultés à la regarder cette femme qu'il trouve de plus en plus jolie, il était comme excédé de l'avoir sur les bras et à présent il profite de ses siestes pour l'observer attendri.

C'est l'adorable bébé joufflu qui brise la glace après des heures de route. Il hurle de faim, provoque l'arrêt du camion et surtout le début d'une conversation entre les adultes. Le film qui est vraiment lent dans sa première partie (on s'y ennuie quelque peu) et qui prend le temps de filmer chacune des pauses cigarettes de Ruben chevauche alors un rythme plus conforme à l'objet cinématographique, au même moment le camion quitte les routes de campagne pour s'engager sur des routes à grande vitesse. Les formidables regards de l'enfant poussent Ruben à s'affranchir de sa distance initiale. Il ouvre son coeur en parlant de banalités, devient même jaloux sur une air d'autoroute quand il la voit bavasser avec un compatriote et finit par lui avouer tout en soupir et hésitation son désir de la revoir.

Ruben, c'est l'homme brisé, dont la carapace à l'instar des arbres part en copeaux, quand il se voit amoureux. La naissance de l'amour est aussi spontanée qu'inattendue. Le spectateur a l'impression tout au long du film qu'un drame peut arriver, le réalisateur le suggère à travers la garde temporaire du bébé, fardeau mais pont tendu entre Ruben et Jacinta. Si German De Silva est parfois un peu limité dans sa palette d'expressions, Hebe Duarte peut s'appuyer sur un regard magnifique d'intensité et de douceur pour nous exprimer l'infini des émotions.

Pendant une heure vingt on voyage au coeur de l'âme humaine, traversant les terres argentines et ressentant en nous toute la promesse d'une relation naissante, surgissant du hasard autant que de la solitude. Le film de Pablo Giorgelli finit par une apothéose aussi touchante que simple. Un grand petit film plein de pudeur et de délicatesse admirablement mis en scène et illustrant que le minimalisme vaut parfois tous les mouvements en torticolis.

Un film de Pablo Giorgelli avec German De Silva, Hebe Duarte, Nayra Calle Mamani (Argentine, 1h25, 2011)

Cyrille Falisse

Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes **

2012-01-04T11:50:00.002+01:00

Un film de David Fincher

Comment ne pas comparer le Millenium : Les hommes qui n'aiment pas les femmes de David Fincher au Millenium, le film de Niels Arden Oplev sorti en 2009, tous deux prenant substance dans le premier volume de la trilogie de feu Stieg Larsson. A tous ceux qui seraient passés entre les mailles et ne sauraient rien de cette histoire, n'auraient ni lu les livres, ni regardé la première adaptation cinématographique danoise et jamais entrevu la moindre bande-annonce, je conseille de suspendre cette lecture afin de ne pas entacher l'expérience future dans la salle. Faut-il le rappeler, Millenium est avant tout un thriller où un duo hétérodoxe s'emploie à démasquer un tueur.

Aux autres, je ne ferai pas l'affront de résumer l'histoire. Vous connaissez sans doute Michael Blomkvist interprété cette fois par l'inexpressif Daniel Craig (parfait donc pour ce rôle presque secondaire dans lequel excellait Michael Nyqvist) et son assistante freak la gothique et tatouée Lisbeth Salander incarnée à l'écran par la délicieuse Rooney Mara (la jeune femme qui larguait avec un certain aplomb Zuckerberg dans la première scène de The Social Network).

On ne peut évidemment s'empêcher de comparer les rôles principaux dans les deux films, Craig est un Blomkvist plus séducteur quoique plus effacé, Nyqvist n'avait pas vraiment le physique de tombeur de son collègue anglais. Dès lors le scénario évolue... Dans le Millenium de Fincher, Michael Blomkvist est un homme à femme, il a une maîtresse au journal, une épouse à la maison, une fille de 16 ans (dont l'intervention dans le chalet est anecdotique, la fille est bigote et part dans un Jesus Camp alors que son père est athée, so what ?) et ça ne surprend personne qu'au beau milieu de l'investigation, excitée par la vue de son sang, Salander le chevauche avec le désir d'un dragon. Evidemment esthétiquement, plastiquement parlant, ça donne beaucoup mieux, les corps nus de Mara et Craig anoblissent l'écran de leurs présences alors que ceux de Nyqvist et Rapace avaient tendance à déranger l'oeil dans le film original et qu'ils participaient encore à l'état général obscur et glauque de l'histoire.

Rooney Mara est la révélation du film, petit bout de femme meurtri à l'énergie exhalant une ambition intellectuelle sans limite, la finesse de ses traits éclairés par ses multiples piercings illumine l'écran d'une présence tenace. Elle est une Lisbeth Salander encore plus mutique, fuyante que celle interprétée par Noomi Rapace (que j'avais déjà trouvée convaincante), mais elle est beaucoup plus animale et sensuelle de froideur.

Alors que la version suédo-danoise de Millenium ressemblait, au niveau de la mise en scène, à un épisode de Derrick, celle de Fincher tutoie par instants la perfection et cela il le doit en partie à sa démultiplication des caméras pour filmer une scène et à un montage alternant la frontalité et la caméra subjective. Le résultat offre une proximité étonnante avec les personnages. Certaines scènes sont symétriquement identiques à celles de l'original, le réalisateur n'a pas pu faire autrement mais il est parvenu à interpréter le livre, à en tirer davantage, à le rendre plus visuel. Alors qu'il ne dure pourtant que six minutes de plus, le Millenium Fincher semble avoir beaucoup plus de coffre. là où le film de Arden Oplev se concentrait sur l'intrigue, celui de Fincher explore la profondeur des personnages, qui sont, à vrai dire, le seul intérêt du film tant cette histoire de tueur en série misogyne et nazie est inintéressante et basée sur le triple substrat anxiogène du polar: le viol, le meurtre et la résurgence du nazisme. Le problème de Millenium c'est qu'on se fiche de la disparition d'Harriett et de savoir qui est le coupable parmi la galerie des horreurs de la famille Vanger, on s'en fichait dans la version d'Arden Oplev même s'il mettait toute son énergie à nous persuader du contraire et on s'en moque tout autant dans la version plus raffinée de Fincher.

En ce sens, le nouveau Millenium est évidemment plus réussi et plus intéressant que l'original. Il prépare le terrain pour les deux prochains films dont on devrait rapidement confirmer la production. Il a intronisé Rooney Mara, l'a mise à nue à l'écran, bleuie et scarifiée et lui a donné une âme en la rendant sentimentale dans une dernière scène qui n'était pas dans la version danoise. Fincher avait prévenu la jeune femme (alors qu'elle disputait le rôle à Carrey Mulligan, Scarlett Johansson et Natalie Portman), il faudra qu'elle se balade à poil, qu'elle commence à fumer et qu'elle apprenne à faire de la moto ! Elle a fait le boulot.

Fincher, comme à son habitude, réalise un film d'atmosphère, tapissé par la musique psychotique de Trenz Reznor (à son paroxysme dans le clipesque et détonnant générique), la photographie de Jeff Cronenweth qui illumine la pellicule est superbe, le rythme constant, c'est du grand art. Les scènes de flash-backs dans des teintes plus vaporeuses sont moins réussies, elles n'amènent pas grand-chose à la trame. L'enquête en elle-même, noeud gordien du livre, est étrangement bâclée. Comme dans l'original, on s'étonne qu'en juxtaposant un emploi du temps, une photo et le palimpseste de chapitres et versets du lévitique, le démon caché sur les hauteurs du domaine ne soit découvert. On note d'ailleurs un défaut au montage dans le film de Fincher, Salander qui a pourtant découvert la personnalité du tueur en fouillant les archives de la société, retourne à la bicoque qu'elle partage avec Blomkvist afin d'analyser les bandes des caméras de surveillance qu'elle a placées autour de la maison. Quel intérêt alors qu'elle a déjà découvert la personnalité du tueur ?

Au bout du compte, ce remake, formidable petit produit aseptisé addictif à la mise en scène gigogne déçoit par ce qu'il raconte plus que par la manière dont il le dit (quoique l'accent nordique pour faire local est parfois forcé). A rendre cette histoire trop esthétique alors qu'elle est construite autour d'une ambiance malsaine, on finit par la dénaturer. Fincher voulait faire un feel-bad movie, il a, à mon humble avis, échoué. Et puis il vous faudra supporter la batterie des placements produits qui prouesse technique sont déjà mis en valeur dès les premiers instants du film, dans l'ordre la galerie des indésirables : Marlboro, Coca-Cola et Apple ! Mais bon qui s'étonne encore que l'art soit au service de la pub ?

Date de sortie en France et en Belgique : 18/01/2012

Un film de David Fincher avec Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer (Etats-Unis, 2h38, 2011)

Cyrille Falisse

Mélodie pour tueur * Vs. Taxi Driver **

2012-01-02T23:31:00.001+01:00

Cycle : Perles du Nouvel Hollywood

Mélodie pour un Tueur (Fingers) (1978) de James Toback, à la lumière de Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese

Même s’il n’a rien demandé, Harvey Keitel a bien fait de ne pas continuer l’aventure Apocalypse Now. Sa participation à Mélodie pour un tueur, dès son retour des Philippines, lui a assuré l’un de ses meilleurs rôles.

On pense évidemment à Taxi Driver quand on découvre Jimmy Fingers (Harvey Keitel), jeune New-Yorkais, violent et paumé, qui s’acharne à embrasser une carrière de pianiste tout en assurant le service après-vente de son mafioso de père. La comparaison entre Fingers et le désormais mythique Travis Bickle (Robert de Niro) est passionnante. Elle nous permet de découvrir que le cinéma, par son pouvoir surnaturel, peut suggérer et définir la souffrance psychique.

Dans Taxi Driver, Travis Bickle, ancien marine transformé en conducteur de taxi insomniaque, est à la recherche d’un idéal. Il voit défiler d’hypothétiques utopies comme les vitrines des magasins, des bordels ou des cinémas pornos à travers son pare-brise. Il veut faire quelque chose de sa vie. Il tente de créer des relations. Il esquisse un dialogue pathétique et navrant avec Palatine (Leonard Harris), le candidat aux élections. Dans une scène mythique, il parvient à sortir avec Betsy (Cybill Shepherd) mais se fait larguer aussi sec, tant sa conversation est plate. Il s’ouvre à son collègue, Wizard (Peter Boyle), mais se perd dans des explications circonlocutoires. Incapable de communiquer, déçu de ses semblables, déçu du monde, il se crée un idéal démoniaque qui viendra remplir un vide intérieur. Il remplira ses failles de sang rédempteur et, si possible, le monde entier sera au courant ! Dans ce mouvement centrifuge, il se heurte aux autres et à un ennemi invincible, New-York. Inutile de revenir ici sur la célèbre vision expressionniste de la ville dans Taxi Driver. Travis n’y trouve que tristesse, abandon, délabrement et oppression… New-York est un des personnages centraux du film, étouffant et aliénant.

Autant l’existence de Travis est vide, autant celle de Fingers est remplie. Il prépare une audition pour le Carnegie Hall. Il assume un père fantasque (l’extraordinaire et immature Michael Gazzo) et assure pour lui le recouvrement de dettes interlopes. Fingers n’est pas un mauvais bougre. Il n’a pas choisi ce job de petite frappe. C’est pour faire plaisir à son paternel qu’il turbine, parfois avec violence mais seulement si on le provoque… Autre remplissage, la musique. Fingers se balade avec un radio-cassette (d’époque… On adore!) qui passe en boucle des tubes oubliés des fifties. Sans hésiter, il fait hurler sa machine en plein restaurant, en rue ou lorsqu’il tripote sa copine (la taciturne et superbe Tisa Farrow)… Plutôt beau gosse, il attire les filles mais aussi les garçons. Comme Travis, Fingers est malheureux. Mais l’extérieur est, pour lui, anxiogène et il tente sans succès de s’isoler. Ce mouvement centripète est malheureusement voué à l’échec, tant ses obligations le poussent vers les autres. Alors, il continue, fidèle à son père et malgré son désaccord, à harceler les mauvais payeurs. Il poursuit ses auditions, malgré une timidité maladive. A noter, cette scène sublime où Fingers, après un échec au Carnegie Hall, s’éclipse discrètement de la salle de concert. Par un subtil travelling arrière elliptique, il passe dans un couloir anonyme, pousse une porte et se rejoint sa mère (l’inquiétante Marian Seldes) dans la salle de séjour d’un hôpital psychiatrique. On comprend, sans un mot, toute la loyauté d’un fils…

Malgré sa violence intrinsèque et impulsive, Fingers est sympathique et attirant aux yeux des personnages qu’il côtoie au cours de son histoire. Le spectateur s’identifie à ce personnage névrosé, touchant et sincère. Mais nous faisons, nous et les personnages, pire que mieux et nous assistons à la longue décomposition de cette malheureuse victime. Travis Bickle est différent. Malgré son besoin d’aller vers ses semblables, il ne recueille aucune pitié, aucune compassion. Le spectateur ne peut être indulgent devant cet inefficace et tragique psychotique. Fingers se décompose du « trop de l’Autre ». Bickle (se) détruit du « manque de l’Autre ».

A la fois violent, touchant, émouvant et intellectuel, Mélodie pour un tueur offre un miroir utile et dérangeant à Taxi Driver pour tous ceux qui s’intéressent à la représentation de la souffrance psychique sur grand écran.

Dates de sortie
Mélodie pour un tueur : 23/08/1978
Taxi Driver : 02/06/1976

Mélodie pour un tueur, un film de James Toback avec Harvey Keitel, Tisa Farrow, Jim Brown (Etats-Unis, 1h31, 1978)

Taxi Driver, un film de Martin Scorsese avec Robert de Niro, Jodie Foster, Cybill Sphepherd (Etats-Unis, 1h53, 1976)

Mélodie pour un tueur est disponible dans une édition étonnamment lumineuse chez WB (2006). Pas de bonus.

Taxi Driver a fait l’objet d’une restauration soignée chez Sony (2011). Difficile de faire la fine bouche lors du visionnage du blu-ray qui rend particulièrement justice aux couleurs de Michael Chapman. L’auteur de ces lignes n’est pas un grand fan des bonus en général, mais reconnaissons que les commentaires audio sont particulièrement éclairants !

Pierre Oswald

Le passeur critique

Les lois de l'attraction **

A Good Old Fashioned Orgy

Gran Torino ****

Au cul du loup *

Portrait de personnage : Claire dans Melancholia

Humeur : Les projos bidouillées

Fleurs du mal **

Humeur : Kassovitz écule le cinéma français

Tot Altijd ***

Million Dollar Baby ****

Underworld : Nouvelle ère

Margin Call ***

Les Chants de Mandrin ***

Tucker & Dale fightent le mal

Les critiques au banc des accusés

Série du mois de janvier bis : Chuck

A bout portant *** Vs. Le point de non retour **

Detachment **

Two Lovers ****

Ma première fois *

La taupe ***

Howl **

The Descendants ****

L'Amour dure trois ans **

Jane Eyre ***

Collateral ***

Shock Corridor **** Vs. Vol au-dessus d'un nid de coucou ***

Félins **

Dossier sur la critique cinématographique : Portrait François Truffaut

Une vie meilleure ***

Les Nouveaux chiens de garde **

Lost In Translation ****

Cheval de Guerre *

J. Edgar **

Miss Mouche **

Dans la tourmente *

Jeu concours : Les Nouveaux Chiens de Garde

Bullhead ****

Grand Prix **

Série du mois de janvier : The Walking Dead

Le Havre **

Chiens de paille *

La Colline aux Coquelicots ***

The Darkest Hour *

Les Acacias ***

Millenium : Les hommes qui n'aimaient pas les femmes **

Mélodie pour tueur *** Vs. Taxi Driver ****

A bout portant * Vs. Le point de non retour

Shock Corridor ** Vs. Vol au-dessus d'un nid de coucou *

Mélodie pour tueur * Vs. Taxi Driver **